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Handspring Puppet Company fue fundada en Cape Town en 1981 por Basil Jones y Adrian Kohler. El enfoque original de la compañía fue la creación de nuevas obras sudafricanas para niños y durante los primeros cinco años estuvieron de gira con espectáculos educativos por las escuelas primarias de todo Sudáfrica. En 1986 se trasladaron a Johannesburgo y comenzaron a trabajar en la televisión educativa para niños. Entre 1990 y 1995 produjeron Spider’s Place, un programa multimedia de educación con un alcance con desarrollo.
Sin embargo, la Handspring siempre sintió el desafío de desarrollar un público adulto para el teatro de marionetas y por tanto, comenzaron a hacer talleres por la noche para adultos.
El primer paso en este territorio virgen fueron episodios de un alzamiento de Pascua en 1995 que tuvieron lugar en Cape Town, Grahamstown y Johannesburgo.
La compañía estuvo sorprendida y encantada con el fuerte apoyo que la producción recibió del público adulto y la prensa. Esto fue clave para sus trabajos de teatro futuros.
La exposición de teatro internacional de marionetas en el 7º festival internacional de teatro de marionetas de Charleville-Mezieres en 1985 reforzó su decisión de trabajar para el público adulto.
Su primer éxito internacional vino en 1991 con Starbrites dirigido por Barney Simon, que estuvo de gira en Europa y tuvo una temporada en Londres. En 1992 empezaron a trabajar con el artista William Kentridge. Su primera colaboración, “Woyzeck on the Highveld” gano muchos galardones en Sudáfrica y fue aclamado por festivales en todo el mundo. Desde entonces la compañía ha colaborado con Kentridge en diversas otras producciones multimedia.
La rica vida teatral que existió en Johannesburgo a finales de los 80 y 90 le dio a Handspring muchas oportunidades de trabajar con los mejores directores de Sudáfrica. Cada uno provocó nuevas e inesperadas formas de hacer y trabajar con marionetas. Sin embargo algunos de los cambios surgieron del trabajo con diferentes materiales y la demanda de la actuación. Para poder manipular las marionetas con más facilidad el peso fue un gran criterio.
Durante las actuaciones para niños este problema fue resuelto en gran parte por utilizar poliésteres cubiertos por capas de papel. Sin embargo Adrian (el diseñador de marionetas) siempre pensó, que esto era un material “antipático”.
Con la colaboración de Kentridge apareció la madera tallada, material con el que creció como titiritero jovencito, y pareció ser el material más apropiado, pero era difícil de tallarlo en las formas deseadas y no superar cierto peso.
Desde entonces una empresa central de diseño se ocupa de hacer este pesado material suficientemente ligero para que los titiriteros pudieran soportar el peso de las marionetas durante las funciones de 90 minutos. Cabezas de madera sólidas son talladas y abiertas por la mitad y vaciadas hasta dejar una estructura “craneal” de 4mm de grosor. Los cuerpos están hechos de una ligera capa. En “Tooth and Nail” Adrian dejó ver esta estructura esquelética a la audiencia y desde entonces sigue desarrollando este estilo.
En el proyecto “The Chimp” todas las marionetas, tanto las humanas como las de animales, tenían estructuras esqueléticas cubiertas de gasa. El resultado fueron marionetas completamente tridimensionales y ligerísimas cuya transparencia evocaba algo fantasmagórico que resultó muy adecuado para esta obra.
Handspring cumple ahora 21 años. Una exhibición celebratoria de sus marionetas en forma de una gira nacional empezó en 2002 en “The South African National Gallery” en Cape Town. Handspring es una compañía de tamaño moderado dirigida por Adrian Kohler y su socio Basil Jones. Actualmente tiene su sede en Kalk Bay, cerca de Cape Town donde está la oficina y organizan talleres. La compañía proporciona una base profesional para un núcleo de actores, diseñadores, artistas de teatro y técnicos que colaboran con ella en diferentes proyectos.
Diego Garrido Sanz nace en el barrio de Lucero de Madrid en 1993. Su primer proyecto audiovisual es el cortometraje “Me gustaría estar enamorada… a veces me siento muy sola” dirigido por Chus Gutiérrez en 2010, participa como actor y escribiendo parte de su personaje en el guión colectivo. Tras pasar tres años en calidad de actor en La Joven Compañía inicia en 2011 sus estudios de interpretación en la RESAD a la par que Relaciones Internacionales en la Complutense. (Taideyliopisto). En Helsinki realizará varias asignaturas en la escuela de cine y rodará su primer largo, “Joutomaa”, dirigido por Ulla Heikkila en 2015, participando en calidad de actor y guionista.
De 2013 a 2015 pasa sus dos últimos años de carrera como alumno de intercambio en la Universidad de las Artes de Finlandia (Taideyliopisto). En Helsinki realizará varias asignaturas en la escuela de cine y rodará su primer largo, “Joutomaa”, dirigido por Ulla Heikkila en 2015, participando en calidad de actor y guionista. Este mismo año Diego vuelve a su ciudad natal y comienza su vida actoral profesional. Trabaja con directores de escena como Carlota Ferrer o Víctor Conde, en teatros como La Abadía, Centro Dramático Nacional, Teatros del Canal, Pavón Kamikaze o el Teatro Español entre otros. También dirige y escribe en 2016 su primer cortometraje, “Amor Ferus”, el cual protagoniza junto con Verónica Forqué, María Forqué y Chey Jurado (Festival de Málaga). En 2018 vuelve a dirigir, escribir y actuar en “Ultimate Fantasy”. Y por primera vez también se autoproduce. Este corto se inspira en un relato que publicó en la fanzine Lo Bello Duele. Cuenta con Carolina Yuste, Vicente Navarro y Marta Matute en su reparto.
En julio de 2018 recibe una beca Fulbright para estudiar filmmaking en Los Ángeles, donde se reúne con su mejor amiga (y talentosa fotógrafa) Silvia Grav. Con ella trabajará como asistente de producción para diferentes anuncios como “Blackmagic” de Mezcal el Silencio. También escribe el guión de “Helio” cortomatraje sobre la prostitución masculina heterosexual en California. Asiste también al director Sergi Castella en el rodaje de su primera película: “El niño”. Tras acabar el curso se muda a Nueva York para acabar su beca en The New School, donde estudia derechos humanos con Human Rights Watch y estudios de género y raza. Es en 2019 en la gran manzana donde conoce a Olivia Decamps, alumna de NYU, con la que crea el cortometraje “Aisoleision (Ghosted)”, que ahora mismo está siendo enviado a festivales. En el participa como guionista, coreógrafo y actor.
Tras finalizar la beca, y de vuelta en Madrid es contactado por Primo Content (Argentina) para realizar su primer encargo como guionista en la serie: “Chaperos”, actualmente en fase de desarrollo con Turner – HBO MAX.
Su primera serie como creador, “Ephebo”, coproducida junto a Álvaro Morte y Nanouk Films se encuentra en fase de desarrollo gracias al apoyo económico del programa de MEDIA Europa, habiendo conseguido ser el proyecto con mayor puntuación de España en 2022. El elenco principal lo forman grandes talentos, todos ellos amigos de hace tiempo, que buscan hacer un nuevo proyecto que trate dos temas tabú en la ficción española: la salud mental y la política. La serie es coescribe entre Diego Garrido, Jan Matheu, Carolina Yuste y Enric Auquer entre otros. Su rodaje está previsto para finales de 2023.
Empresa dedicada a la ideación, producción y promoción de actividades artísticas en el ámbito del Teatro, la Danza, la Música y la Ópera. Creada en 1990 y dirigida por Pilar de Yzaguirre, ha presentado un gran número de compañías nacionales e internacionales durante sus 34 años de existencia tanto en territorio nacional como en el extranjero. YSARCA S.L. se ha hecho notable por ser una de las más reconocidas entidades españolas representante de artistas y compañías extranjeras que aportan al panorama cultural español una ventana abierta a la evolución cultural de las artes escénicas fuera de nuestro país.
Asimismo YSARCA S.L. se ha especializado en promover el teatro y la danza española en el extranjero a través de sus producciones y giras. PRODUCCIONES TEATRALES: YSARCA ha producido, y girado posteriormente, obras como “La Celestina ” dirigida por Robert Lepage (2004) e interpretada por Nuria Espert; “Incendios ” de Wajdi Mouawad dirigida por Mario Gas (2016) con una gira en 2017 por la Comunidad de Madrid y toda España con más de 100 actuaciones ; “El Grito ” (2021) de Itziar Pascual y Amaranta Osorio, dirigido por Adriana Roffi e interpretado por Ana Fernández entre otros y en el año 2023 la producción de gira de “UBU” de Robert Wilson con elenco español.
YSARCA es representante y productor de giras de diversas compañías EXTRANJERAS de teatro entre las cuales destacan: Ex Machina (Canadá)- compañía dirigida por Robert Lepage ; “UBU” de Robert Wilson ; Abé Carré ce Carré y Au Carré de l’Hypoténuse dirigidas por Wanda Mouawad (Líbano/Canadá); La Colline théâtre National de Paris dirigido por Wanda Mouawad; Toneelgroep Amsterdam dirigida por Ivo van Hove ; THE ACTORS´ GANG (Estados Unidos) director Artístico: Tim Robbins; HANDSPRING PUPPET COMPANY (Sudáfrica) director Artístico: William Kentridge y Jakop Ahlbom Company (Suecia) entre otras.
Pilar de Yzaguirre ha sido nombrada Directora Artística del “Festival de Otoño” de la Comunidad de Madrid este año como reconocimiento a su amplia carrera como gestora teatral nacional e internacional
Jakop Ahlbom ha trabajado durante años en su marca teatral única, en la que se unen el teatro, la mímica, la danza, la música y el mundo de las ilusiones como si fueran una. Con su manera fragmentaria de trabajo y su propia mezcla de disciplinas crea imágenes más inmensas que el teatro.
Ahlbom (Suecia, 1971) se instaló en los Países Bajos en los años ’90 para asistir a la Theatre School (Mime) en Amsterdam. En 1998 ganó el premio Top Naeffprijs como alumno más prometedor. El jurado de dicho galardón le describió como un talento entregado, sorprendente y exuberante. Después de graduarse, Jakop trabajó con una gama de individuos únicos y con grupos entre los que se encuentran Karina Holla, Roy Peters, Alex d’Electrique, De Daders, Nieuw West, De Groep van Steen, de PeerGroup/ZappSnacks, Orkater, como coreógrafo en el het Ro Theater y como director en Unieke Zaken. En el 2000 creó la representación STELLA MARIS bajo el amparo del Het Veemtheater en Amsterdam.
Desde entonces ha estado trabajando bajo su propio nombre, construyendo un cuerpo de trabajo distinguido y original.
NUR ZUR ERINNERUNG (2002), LOST (2004), VIELFALT se representaron en los Países Bajos en 2006 así como en Suecia, Dinamarca, Rumanía, Suiza, Alemania y Bélgica en el 2007. DE ARCHITECT (2008) e INNENSCHAU (2010) se representaron en los Países Bajos, Finlandia y Austria. Su estilo es una fusión de elementos emergentes del mundo de la mímica, del teatro, de la danza y del ‘ilusionismo’ que se conjugan en un lenguaje de teatro de firma única. Las creaciones de Jakop Ahlbom han sido propuestas y seleccionadas tanto para galardones nacionales (Dutch Theatre Festival) como para galardones internacionales (Salzburger Festspiele).
Desde Enero de 2009 la Performing Arts Fund NL+ le concedió un subsidió de cuatro años para compañías de teatro. Esto le dio la posibilidad de afianzar su posición única en el mundo del teatro holandés así como de introducir nuevas producciones, hacer la transición para públicos más grandes y construir un grupo permanente de actores con los que trabajar. Este subsidio le da la oportunidad ideal para adaptar sus producciones para escenarios internacionales.
La nueva pieza de Ahlbom LEBENSRAUM está inspirada por la obra del actor y director Buster Keaton, pionero en el slapstick y en la comedia física. Por aquel entonces las películas mudas de Keaton estaban acompañadas por música de piano clásico. En la obra LEBENSRAUM Reiner Schimmel, Silke Hundertmark y Jakop Ahlbom están acompañados en directo por Ralph Mulder y Leonard Lucieer y la banda Alamo Race Track. En contraste con el sonido de los años ’20, Alamo y Jakop Ahlbom crean una escenografía moderna pero siempre manteniendo en mente el estilo convencional de los años ’20.
La colaboración previa de Ahlbom y Alamo Race Track en la obra INNENSCHAU culminó en la realización de un CD especial, “Unicorn Loves Deer”, nominado para el galardón 3voor12 en 2011.
Este año Ahlbom recibió una invitación para dirigir la ópera Les Contes d’Hoffman con la Deutsche Oper in Berlin, que se estrena en 2013. En otoño está dirigiendo la obra teatral BUG, pieza del escritor Tracey Letts, protagonizada por Tamar van den Dop y Bram Coopmans. Para 2014 Ahlbom está creando LEBENSRAUM II, con 20 artistas de la escuela de arte y mímica, danza y teatro. Le seguirá el HORROR EVIL ED, un homenaje al género del horror.
Desde 2012 es un artista asociado del ICK/EmioGrecoPC y miembro del consejo artístico, lo que le lleva a una coproducción para el año 2015 con el grupo de ópera Lumpy Gravy con música de Frank Zappa.
A comienzos del año 2013 la Performing Arts Fund NL+ le ha vuelto a otorgar el subsidio de cuatro años para las compañías de teatro.
Wajdi Mouawad es un incendiario. Pero como el ave fénix renace de sus cenizas. Incendios habla de ese renacer, de fuegos que a veces hay que sembrar, del terrible camino que a menudo hace falta recorrer para llegar a uno mismo.
Una mujer acaba de morir y hoy abre la puerta de su silencio y sus secretos. Deja a sus hijos gemelos un traje de tela verde, un cuaderno rojo y dos sobres que son como dos cajas de Pandora de las que surgen males y maravillas, y cuyo contenido lea va a arrastrar a una fabulosa odisea, hacia un continente lejano, hacia un pasado desconocido, hacia un segundo nacimiento.
Wajdi Mouawad nació en 1968, siendo, en sus propias palabras, libanés de infancia, francés de forma de pensar y québécois de su teatro. Eso es lo que le pasa a alguien que pasa su infancia en Beirut, su adolescencia en París y se hace adulto en Montreal. Wajdi Mouawad pertenece a la nueva generación de figuras del teatro que están transformando la escena francófona gracias a una gran fuerza imaginativa y a una escritura de extraordinaria calidad.
«Incendies», segunda parte de su tetralogía, explora los traumatismos y los tormentos de las guerras contemporáneas (Oriente Medio), relacionándolos con historias muy antiguas de odiseas, de incestos y de revueltas de la conciencia individual contra las leyes humanas.
El mensaje de Wajdi Mouawad, sugiere que en Líbano el odio es un instrumento de identificación personal a través de la religión y la caduca cultura comercial americana.
En 1993, cuando Robert Lepage propuso a sus colaboradores encontrar una nueva identidad a su próximo grupo de trabajo, puso una condición; la palabra teatro no debería aparecer en el nombre de la nueva compañía.
Así, Ex Machina es una compañía multidisciplinaria que aglutina a comediantes, autores, escenógrafos, técnicos, cantantes de opera, marionetistas, infografístas, cameraman video, productores de películas, contorsionistas, acróbatas y músicos.
Los creadores de Ex Machina creen que el teatro necesita sangre nueva. Sostienen que es necesario mezclar las artes de la escena como el baile, el canto lírico y la música, con las artes de grabación como el cine, el video y el multimedia. Que es necesario provocar encuentros entre científicos y autores dramáticos, entre pintores de decorados y arquitectos, entre artistas extranjeros y quebequenses.
Nuevas formas artísticas surgirán, sin duda, de esas confluencias. Es el desafío que hace Ex Machina : llegar a ser el laboratorio-la incubadora-de un teatro que pueda interpelar a los espectadores del nuevo milenio.
El estilo creativo de Robert Lepage se basa en la intuición y da mucha libertad a los comediantes, diseñadores y técnicos que juntos inventan los espectáculos.
Las confluencias culturales, la diversidad de experiencias y el carácter barroco constituyen el centro mismo del trabajo de Lepage. Esta tendencia tiene una resonancia en el proceso de creación que, en vez de fundarse en temas, en principios y en sujetos, mas bien hace uso de todo tipo de recursos: objetos, lugares, anécdotas, acontecimientos históricos o de otro tipo, recuerdos…
La libre asociación de ideas permite a los creadores descubrir relaciones poéticas entre estos elementos aparentemente discordantes. Los espectáculos se desarrollan de una manera orgánica, como un árbol que ve sus ramas crecer en direcciones inesperadas…
A menudo, los resultados tienen características similares: un marco visual influenciado por el cine, un sentido del ritual (Lepage cree que el teatro es un lugar de comunión) cuya forma esta particularmente desarrollada, ya que todos los tipos de elementos habitualmente decorativos se ven de repente cargados de sentido o de emoción.
Obra de juventud de Anton Chéjov titulada Pieza inacabada para un piano mecánico.
Texto teatral desaparecido durante años y considerado inacabado por el propio autor, y que, con un título provisional, apareció en 1922, en una caja fuerte de un banco de Moscú.
Platonov es una obra sobre la caída de un hombre y sobre la extinción de un mundo.
Pieza primeriza y ya magistral, Chéjov descubre en ella personajes, espacios, atmósferas y tensiones que dominarán sus obras de madurez. Pero Platonov está atravesada por una línea de fiebre, de locura, de vértigo, que le da un carácter singular frente al posterior teatro chejoviano. La febre de un hombre que viaja hacia el abismo y que arrastra con él a cuantos se cruzan en su camino.
Platonov es un fresco apasionante donde los personajes sienten el dolor de vivir como en las grandes obras posteriores. Un gran teatro del mundo donde aparecen todos y cada uno de los prototipos sociales y culturales de la sociedad rusa de fnales del XIX. Un mundo en el que, bajo los barnices de la buena sociedad, los seres humanos se devoran los unos a los otros. Un mundo que sueña con durar para siempre pero que está mortalmente herido, mortalmente enfermo y que tendrá que desaparecer violentamente.
JUAN MAYORGA / GERARDO VERA
TEATERI fue fundada en 1997 por varios actores profesionales y directores en Jönköping con diferentes antecedentes nacionales. El grupo actualiza cada año varios programas para la escuela primaria y para adultos jóvenes / adultos.
El repertorio se decide en un consejo, donde los líderes artísticos Vera Veljovic y Christian Arin dirigen el trabajo.
TEATERi participa en el Jönköping Children’s Cultural Group, donde se reúnen los productores culturales y las escuelas, y para un diálogo continuo con los organizadores en las escuelas del condado y las asociaciones de teatro suecas. El grupo de teatro libre pertenece a Young Scene de SUS-Småland, dentro de Smålands Music and Theatre, y también son miembros del Theatre Center West.
Tim Robbins y La Banda han montado una producción sobre 1984, con una adaptación novedosa de Michael Gene Sullivan. El nuevo texto, que se concentra en los elementos más dramáticos de la terrible novela de Orwell, es perfecto para el estilo único de teatro de La Banda. La muy aplaudida dirección es del Ganador de la Medalla de la Academia Tim Robbins, Director Artístico y fundador de La Banda. La obra, de una importancia excepcional, promete ser una experiencia obsesionante de extraordinaria importancia.
The Actor´s Gang
En una época en que el ciberespacio y las ondas que viajan por el aire están llenos de debates sobre bancos de datos universales, seguridad de los gobiernos, vigilancia electrónica y terrorismo patrocinado por los gobiernos, la misión de La Banda de Actores de mostrar a un amplio público teatro socialmente relevante parece salida de un mundo orwelliano revisitado y visto sobre un escenario. El estilo único de La Banda, en esta ocasión dirigida por Tim Robbins, encaja con las demandas multimedia de 1984. La compañía de artistas está disponible para actuar y dirigir talleres y clases magistrales, y para organizar otras actividades por el estilo.
Historia de la Compañía
La Banda de Actores es una de las compañías teatrales más estables de Los Ángeles. Fundada en 1981 por un grupo de artistas renegados, la misión de La Banda es crear obras valientes y originales para la escena, así como interpretaciones atrevidas de los clásicos. Nuestro trabajo es crudo, inmediato, con mentalidad social, fruto de un oficio del más alto nivel artístico.
En el transcurso de nuestros primeros 20 años hemos producido 72 obras y ganado más de 100 premios, recibiendo grandes aclamaciones por nuestras interpretaciones de Shakespeare, Bruchner, Brecha, Moliere, Esquilo, Ibsen y Chejov. Desarrollamos en taller nuevas obras que miran al mundo de hoy a través de un prisma de sátira y cultura popular, con escenografías estridentes, manejando nuevos textos importantes de los escritores más provocadores de hoy día, en relación con temas candentes de nuestro tiempo para todos los públicos de la Nación.
Por medio de coproducciones, la Banda de Actores presentó el estreno en la Costa Oeste de Suburbio de Eric Bogosian con la Compañía de Teatro Namaste, A Huey P. Newton Store de Roger Guenver Smith, Jails, Hospitals, Hip Hop de Danny Hoch con el Grupo del Teatro Central y Medea/Macbeth/Cenicienta con la Compañía de Teatro Cornerstone. La Banda de Actores ha hecho giras con producciones representando a los Estados Unidos en el Festival de Edimburgo y en el Teatro Público de Nueva Cork con Carnage, A Comedy, con El enfermo imaginario en el Festival Rushmore de Nueva York, y en 2001 Bat Boy, A Musical desarrollada por La Banda ganó el premio Lucille Lortel and Outer Critics al mejor nuevo musical Off-Broadway en Nueva York. El Embedded de Tim Robbins que se estrenó en Los Ángeles y giró por todo el país, también estuvo largo tiempo en Nueva York (en el Teatro Público) y en Londres, tras haber sido filmado para el Festival Internacional de Cine de Venecia y transmitido por televisión en USA. La temporada pasada, la muy aplaudida Self Defense ha merecido tres Premios de la Semana de Los Ángeles.
The Lucidity Suitcase Intercontinental es un colectivo teatral fundado por Thaddeus Phillips. En sus trabajos se incluyen: Red-Eye to havre de grace, The tempest, Planetlear, Lost Soles, The Earth´s sharp edge. Sus creaciones se han representado por todo el mundo; El Conquistador ha recibido una gran aceptación tanto por el público como por la crítica.
Thaddeus Phillips
Desde 2002 es miembro de Pew Fellowship in the Arts y Pennsylvania Counciñ of the Arts Fellowship. Es el Director Artístico de la Compañía Lucidity Suitcase Intercontinental (LSI) y ha concebido todos sus espectáculos. Trabajó como escritor y actor en La Geometría de los milagros de Robert Lepage, acercando este proyecto a Toronto, Madrid, Lisboa, Barcelona, Londres (The Royal National Theater), Glasgow, Undine, París, Mauberge, Bogotá, Chicago, Iowa City, Minneapolis, Montreal y Nueva York.
El Conquistador Es la historia de Polonio Castro, un campesino colombiano se dirige a la gran ciudad con el sueño de ser estrella de telenovela. Al llegar a la ciudad Polonio no encuentra trabajo en la televisión como sueña, sino como un portero del edificio El Nuevo Mundo donde viven los personajes más disparatados que se comunican con el portero sólo por medio de un citófono de vídeo. Grandes actores colombianos como Cristina Campuzano, Luís Fernando Hoyos, Helena Mallarino, Tatiana Mallarino, Víctor Mallarino y Antonio Sanint encarnan a los residentes de este edificio que le demostrarán a Polonio que a veces la vida real es más intrigante, complicada, cómica y absurda que cualquiera de las telenovelas que ha visto o ha podido soñar.
El Conquistador fue creado durante la permanencia en la Casa del arte de Bogotá, Colombia en agosto de 2004. Todas las imágenes y secuencias de la película fueron tomadas en Bogotá, los campos que rodean Cartagena de Las Indias en la costa caribeña. Es un espectáculo en castellano que gracias a los subtítulos ha girado por todo el mundo.
The Reykjavik City Theatre (RCT), (Borgarleikhúsid), en una de las instituciones culturales más prestigiosas de Islandia, y la compañía islandesa de teatro más importante actualmente. La compañía produce aproximadamente 15 nuevas producciones al año, representándolas a más de 200.000 asistentes en Reykjavik así como en el extranjero. Da empleo a 200 personas entre las que se incluyen un conjunto permanente de 25 actores. Se basa en una rica variedad de repertorio de trabajos nacionales e internacionales. Son los pioneros incluso cuando producen obras clásicas. Bajo la dirección artística de Magnus Geir Thordarson, la compañía se enorgullece de su fuerte equipo dedicado a la emancipación de jóvenes escritores y el descubrimiento de nuevos directores.
Cada año, el teatro acoge producciones internacionales invitadas mientras exporta progresivamente el teatro islandés a festivales y teatros de la escena internacional. La RCT goza de ser el principal colaborador del innovador y aclamado grupo teatral Vesturport con quien ha colaborado en multitud de producciones: Romeo y Julieta y Woyzeck se han representado por todo el mundo; y Fausto se presentó durante cinco semanas, con la sala totalmente abarrotada, en el Young Vic de Londres este otoño y está programada en Europa y Asia durante el 2011.
Recientemente the Reykjavik City Theatre Company ha visto en aumento su colaboración internacional y se dedica a fomentar los vínculos y relaciones con colegas de renombre en el extranjero. Entre sus colaboradores internacionales (además de Vesturport) se incluyen: The Barbican Centre, Reino Unido; Het Muziek Theater, Holanda; BAM Festival, Estados Unidos; Ruhrfestspiele, Alemania; Tampere Teaterfestival, Finlandia; The Young Vic Theatre, Reino Unido; ILT09 Teaterfestival, Alemania; y Oscaras Korsunovas Theatre, Lituania.
El Théâtre de Quat’Sous es uno de los teatros más antiguos de Montreal. Presenta desde hace más de cincuenta años creaciones originales y atrevidas. Dirigida desde el 2004 por el creador y dramaturgo Eric Jean, ha sabido aportarle su saber hacer, su osadía y carácter innovativo. Además ha dado el empujón definitivo al proyecto de reconstrucción del teatro, iniciado por los anteriores directores Pierre Bernard y Wajdi Mouawad. Sin perder su esencia, esta sala íntima se ha convertido en un crisol cultural y un lugar de intercambios y de encuentros.
Modernidad Holandesa- Toneelgroep Amsterdam.
Nacido en 1987, Toneelgroep Amsterdam es la mayor compañía de repertorio de los Países Bajos. Con base en el Amsterdam’s Stadsschouwburg, Toneelgroep cuenta con una compañía fija de 21 actores. Su teatro es absolutamente contemporáneo, lo que no excluye trabajos a partir de textos de repertorio, siempre en contacto con organizaciones teatrales extranjeras que ven el arte dramático de manera similar. Toneelgroep Amsterdam explora comportamientos y pensamientos creados por la globalización y la consecuente porosidad de las culturas nacionales y de los géneros artísticos. Ivo van Hove ha sido el director general de Toneelgroep Amsterdam a partir de 2001.
Ivo Van Hove – Eclectismo y consecuencias.
Al igual que otros artistas como Luc Perceval y Guy Cassiers, Ivo van Hove es un hombre de teatro que ha permitido a la cultura flamenca -Holandesa y Belga- volverse en una de las más dinámicas de Europa en los últimos treinta años. Nacido en Bélgica en 1958, Ivo van Hove empezó su carrera de director en 1981 proponiendo sus propios escritos (Germs, Rumours). Se hizo director artístico de compañías del teatro Antwerpt como la AKT, Akt-Vertikaal y De Tijd (Time) – la misma compañía ampliada por dos fusiones. Desde 1990 hasta 2000, van Hove ha sido el director artístico de Zuidelijk Toneel, un importante teatro regional holandés. Desde que se hizo director de Toneelgroep Amsterdam, Ivo van Hove ha estado persiguiendo junto al escenógrafo Jan Versweyveld, un riguroso enfoque donde el teatro se hace fórum de preguntas sobre las tensiones entre el individuo privado y el individuo cívico. Esa búsqueda ha sido representada por una variedad ecléctica de escritos escenificados por van Hove. Sus setenta y más funciones incluyen influencias de autores como Marguerite Duras, Schiller, Susan Sontag, Chekhov e incluso François Mauriac. Van Hove expresa, de todas formas, una preferencia por Shakespeare (Macbeth, Richard II, Hamlet, The Taming of the Shrew, Othello) y Eugene O’Neil (Mourning Becomes Electra, More Stately Mansions y Desire Under the Elms). Ha realizado puestas en escena de operas como Lulu de Bergs y más recientemente Ring de Wagner, y se interesa particularmente en llevar al teatro obras cinematográficas; ha llevado a escena The Servant, de Pinter y Losey, así como Faces y Opening Night, de Cassavetes, Rocco and his brothers, de Visconti y Cries and Whispers de Bergman.
Roman Tragedies.
Para los contemporáneos de Shakespeare, las tragedias de la Roma antigua representan su propio género. Los Elizabetianos asociaban las ficciones Romanas a cuestiones de integridad moral, de coraje militar y elocuencia pública. En las tragedias Romanas Julius Caesar (1599), Antonio y Cleopatra (1606-1607) y Coriolanus (1607-1608)- a excepción de Titus Andronicus, que es un caso especial- Shakespeare investigaba valores políticos con una libertad que no hubiera podido expresar en las ficciones históricas inspiradas en la realidad de la Corona Inglesa. En las tragedias Romanas, Shakespeare examina conceptos básicos como la lucha interior entre la conciencia de la moral individual y los actos inmorales necesarios para conseguir el poder, la relación entre vida privada y vida pública, el papel de las personas en el mundo de los gobiernos y las actitudes individuales de cada personaje frente a las circunstancias políticas. Ivo van Hove presenta todas esas temáticas en Coriolanus, Julius Caesar y Antonio y Cleopatra en ese mismo orden, respetando a su vez el orden cronológico de escritura. “Quiero que el público se dé cuenta de la evolución histórica que ha habido desde los difíciles inicios de la democracia en Coriolanus hasta el nacimiento de un sistema bipartito en Julius Caesar y el consecuente mundo globalizado de Antonio y Cleopatra”. A eso, él y el escenógrafo Jan Versweyveld, estructuran la escena en una estupenda sala de encuentros- un espectacular y anónimo auditorium que pudiera encontrarse en Washington, Sao Paulo o Bruselas- lleno de omnipresentes pantallas televisivas, sofás al estilo Sueco, ordenadores, una sala de prensa, plantas verdes, bar, mesas para conferencias y cámaras. Similarmente a los personajes del drama, los espectadores se encuentran libres de vagar adonde ellos quieran. Pueden asistir a la acción quedándose cerca de los miembros de la compañía o a través de las pantallas, tomándose algo en el bar o consultando su correo electrónico mientras eventos políticos en directo de la CNN se arremolinan a su alrededor. Ivo van Hove no ha añadido nada a los textos de Shakespeare, pero hace dos importantes modificaciones. Todas las escenas de batalla han sido substituidas por impresionantes secuencias sonoras acompañadas por los textos de canales de noticias 24-horas, mientras que las escenas donde se expresa la plebe han sido cortadas. Los que quedan son políticos en concilios secretos, ruedas de prensa, noticiarios u ocupados en comisiones, grabados por cámaras incluso en sus vidas privadas. Él también ha asignado algunos papeles – Cassius y Octavius Caesar – a mujeres para reflejar mejor el mundo político de hoy en día.
«Yohangza» significa «viajero», por lo que no es de extrañar que esta compañía de teatro coreano haya viajado por todo el mundo desde su creación en 1997. El fundador y director Jung-Ung Yang ha ganado varios premios y fue capaz de tener eco en las dos Coreas e internacionalmente. Claramente con sabor coreano, Yohangza presenta un choque emocionante del pasado y el presente: una reelaboración de estilos coreanos existentes y temas infundidos con elementos contemporáneos y conducidos por una sed de experimentación. El resultado es una mezcla atractiva y fresca de danza enérgica, voz y percusión con un entretejido de historias del folclore, la mitología y la historia de Corea. Cada pieza es un viaje sensorial y estético que atrae a la audiencia hacia el pasado y el futuro mientras que permanece fuertemente conectada a la identidad y espíritu de Corea. La compañía ha sido invitada a diversos festivales de Shakespeare y Centros de Artes mundiales, en Australia, Cuba, Alemania, Polonia, Singapur, Hong Kong, Taipei y el Reino Unido así como en el Barbican Centre y el Globe de Shakespeare. Sus distinguidos logros han marcado las pautas de grupos teatrales asiáticas que están persiguiendo el reconocimiento mundial, manteniendo el patrimonio cultural.
Jung-Ung YANG
Yang Jung Ung fundó la Compañía de Teatro Yohangza en 1997. Saltó a la fama con las sillas en 2001, en la que se colocó el énfasis en el uso moderado de lenguaje y las imágenes. Su filosofía estética ha sido la creación de imágenes que se producen a través de la armonía entre los movimientos del cuerpo, de la iluminación y el sonido. Se ha ampliado el horizonte del lenguaje dramático, con su excepcional cargo de director, que se basa en la armonización de la filosofía oriental con la estética de las imágenes y el espacio. Recibió el Gran Premio de Karma (2003) en la 15ª Festival Internacional de Drama del Cairo. La compañía fue la primera empresa de Corea que actuó en el Barbican (2006) y Globe de Shakespeare (2012) en Londres. El sueño de una noche de verano pasó a recibir el Gran Premio y el Premio del Público en el 10º Festival de Shakespeare de Gdansk. Como director, ha estado explorando nuevos géneros con el Peer Gynt teatro, óperas Woyzeck y Chun-Saeng-yon-bun y el musical del ballet de Shim-chung.
Una historia sobre la verdad
El grito es la cuarta obra que coescribimos tras las experiencias de Moje holka, moje holka (Mi niña, niña mía) (VII Premio Jesús Domínguez, de la Diputación de Huelva); Vietato dare de mangiare (incluido en el espectáculo Home, del Teatro Español) y Clic (cuando todo cambia), (II Premio de Literatura Dramática del Teatro Calderón, de Valladolid). Se trata de un texto concebido a petición de Pilar de Yzaguirre, impulsora y adalid de esta propuesta.
Nuestra historia tiene lugar en alguna ciudad española de la costa mediterránea, en un periodo aproximado de ocho años, durante la crisis económica del 2008. Aina Lóguez Amat, la protagonista, emprenderá una extenuante travesía de soledades, reproches y vulnerabilidad, atendiendo sola el cuidado de sus hijos mellizos y de su madre, mientras vive una batalla jurídica demoledora. Solo el respaldo de Patricia Palau, su abogada de ofici
