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Compañías de Danza

Carlos Acosta, director de la compañía, nació en La Habana en 1973 y se formó en la Escuela Nacional de Ballet de La Habana, en Cuba. Luego de ganar varios premios, incluyendo el Prix De Lausanne de 1990, bailó profesionalmente en las compañías más prestigiosas del mundo. Fue Primer Bailarín del Royal Ballet de Londres, compañía que se convirtió en su hogar.

Luego de haber interpretado la mayoría de los roles clásicos, desde Espartaco a Romeo, Carlos Acosta se retiró del ballet en 2016, después de 28 años de carrera.

Desde su debut escénico, Acosta Danza tiene el objetivo de realizar espectáculos de danza en plena concordancia con las nociones más actuales que se desarrollan en el mundo, no solo en materia del movimiento de los cuerpos sino en todo lo referente a la escena. La compañía se define como un espacio de renovación, de búsqueda y experimentación para artistas cubanos, y también abre puertas a los creadores del mundo, coreógrafos, músicos, diseñadores, artistas de la plástica y de los audiovisuales. Su repertorio coreográfico incluye títulos de Carlos Acosta, Sidi Larbi Cherkaoui, Justin Peck, Marianela Boán, Goyo Montero, Saburo Teshigawara, Pontus Lidberg, Christopher Bruce, Rafael Bonachela, María Rovira, Jorge Crecis, entre otros.

La compañía ha estado afincada entre Europa y África desde el 2009.

Aïda ha sido en dos ocasiones premiada por el Ministerio de Cultura de España y por el AECID (Agencia Española de Cooperación y Desarrollo). En 2009 Aïda es seleccionada para participar en dos encuentros profesionales internacionales: “Transmission of Pina Bausch´ s technique” por Kiomy Ichida, en el Action Dance Marruecos y “A New Step, Training in Traditional and Contemporary African Dance”, en el Ecole des Sables, Senegal.

Desde entonces la compañía ha favorecido e impulsado el desarrollo de la danza contemporánea en el continente africano.

La compañía creó su primer solo en el 2009 “Creating my Alone, about Germaine Acognýs technique”, presentado en Marruecos, Senegal, Nigeria, Cabo Verde, Ghana, y España. Su segundo solo “Working on ça… sensaciones” fue presentado en Tanzania, Cabo Verde y España. Creó tres piezas de callle para la Biennal Dak´Art del 2012 “Sens dessus-dessous”, “Chances” y “Graff- D”. Ha realizado creaciones coreográficas en colaboración con coreógrafos y bailarines africanos. Ha desarrollado su proyecto pedagógico “África en Danza – Training Program” en nueve países africanos. Ha trabajado con compañías locales para realizar cursos de formación dedicadas a los bailarines africanos y ha participado en festivales de todo el continente. Además ha creado piezas coreográficas para bailarines africanos que han realizado giras internacionales, como el solo MISS ME, con la bailarina Pili Maguzo, o el cuarteto EMPTY SPACE de gira por Suiza. Aïda fue invitada como coreógrafa por la organización japonesa Arigato International en el Forth Forum Global Network of Religions for Children, Dar es Salaam 2012, y colaboró como invitada especial en el “Día internacional del niño africano” organizado por las Naciones Unidas en Praia, Junio 2010.

Aida trabaja como profesora en el Ecole des Sables en cursos internacionales. Aïda es la única española en obtener la titulación en la técnica de Germaine Acogny, obtenida por la misma Germaine, solo hay 18 personas en todo el mundo. Ha creado el proyecto Lanla, proyecto que co dirije para expandir esta técnica a un nivel internacional. Ha creado el curso internacional THE MARCH en el 2014 que co-dirige con LANLA ACOGNY DANCE TECHNIQUE en colaboración con el Ecole des Sables.Curso que reúne cada año a 40 bailarines de todo el mundo.

Además ha sido bailarina en el Proyecto KM.O en el solo “Preludio” creado por la coreógrafa española Paloma Sánchez de Andrés, co- producido por la Nívola y Yakart, en colaboración con el Espacio en Blanco de Madrid, solo que bailó en festivales de Nigeria, Zimbabwe y Senegal.

Ahora está inmersa en su nuevo proyecto ELLA POEMA, proyecto presentado mundialmente en Nueva York en el Kinetic Cinema, un tributo a la mujer artista africana a través de la literatura que pretende dar visibilidad de la mujer africana como creadora, un proyecto de empoderamiento femenino realizado ya en Senegal, Cabo Verde, Nigeria, Camerún, Niger, Kenia y Tanzania.

El director artístico y de coreografía del Ballet Basel Richard Wherlock (Theater Basel, Suiza) nació en Bristol (Inglaterra). Al terminar sus estudios en la renombrada Escuela de Ballet Rambert, empezó a actuar en la compañía. En 1981 actuó como solista en la formación Tanzforum Köln y, más tarde, creó muchos trabajos originales para el repertorio de la compañía en calidad de coreógrafo residente. De 1991 a 1996 fue director artístico del ballet del Theater Hagen (Alemania). Durante los tres años siguientes dirigió el Luzerner Ballet (Suiza). Después ha sido director artístico y director de coreografía del ballet de la Komishe Oper Berlin.

Como coreógrafo invitado ha trabajado para las siguientes compañías: Tanzforum Köln, Ballet Rambert Junior Company, Ballet de la Ópera de Normandía, Scapino Ballet Rotterdam, English Dance Theatre, London City Dancers, Finnish Dance Theatre Helsinki, ch tanztheater Zürich, Ballett Staatstheater Braunschweig, Zürcher Ballett Juniors, Internationale Musikfestwochen Luzern (Monteverdi:Tancredi), Ballet Nacional de Rumania, Innsbrucker Ballett en el Tiroler Landestheater, The Icelandic Ballet, Ballet Nacional de Nancy y Lorraine, Ballet Nacional de Marsella, Ballet de la Ópera de Niza, Aalto Ballett Theater en Essen, “Europa Danse“ (UNESCO), Ballet de la Ópera de Düsseldorf, Singapore Dance Theatre, Ballett der Vereinigten Bühnen Graz (Austria), Intro Dans en Arnhem (los Países Bajos) y Ballett des Badischen Staatstheaters en Karlsruhe.

Para “Les Etoiles de l’Opéra National de Paris”, realizó la coreografía para un programa de ballet, además de un solo en un programa vespertino para Marie-Claude Pietragalla, Etoile de la Ópera de París y directora del Ballet Nacional de Marsella, en una gira por Japón en 1999.

Entre sus trabajos para el cine y la televisión se incluyen la coreografía para el largometraje Hasards ou Coïncidances de Claude Lelouch, presentado en los festivales de Venecia (Bienal de 1998), Montreal y Chicago, y la coreografía para la película de baile Passengers, galardonada en varias ocasiones (por ejemplo, Prix Italia 2000) y producida por la Swiss Television DRS, RM Associates y 3sat (1999). Su nueva película, One bullett left, producida también por la Swiss Televisión DRS, se estrenó en todo el mundo en octubre de 2003 y en ese mismo año fue laureada con el premio Rosa de Oro en el Festival Internacional de Televisión de Entretenimiento. Elegido para el premio Benois de la Danse de 1999, Richard Wherlock ha sido miembro del jurado de varios prestigiosos certámenes internacionales, tales como: el VIII Concurso Internacional de Danza de París y el XII Concurso Internacional de Coreógrafos de Hannover.

En junio de 2003, realizó la coreografía de West Side Story para el Bregenzer Festspiele (Austria), que se retomó con gran éxito en el verano de 2004. Richard Wherlock fue nombrado director artístico del festival bienal de danza internacional Basel Tanzt en el año 2005. Durante su estancia en Basilea, Richard Wherlock ha presentado cerca de 15 producciones originales tales como: Peer Gynt, La consagración de la primavera, Romeo y Julieta, La muerte y la doncella, Cascanueces, y en enero de 2006 James or La Sylphide.

A través de de la escritura coreógrafica de Scholz, el Ballet de Leipzig ganó en los últimos años un perfil artístico único. Tanto en Leipzig como en las diferentes giras que realiza la compañía, el Ballet presenta una danza neoclásica de alto nivel.

Uwe Scholz, studio en la Escuela de John Cranko School en Stuttgart, fué nombrado por Marcia Haydée – a la edad de 21 años – coreógrafo residente del Ballet de Stuttgart tras la muerte de Cranko. En 1991 –con 26 años – se convirtió en el director del ballet y jefe coreográfico del Ballet de Zürich. Allí creó piezas maestras como Like The Creation (Joseph Haydn), The Sleeping Beauty, Piano concerto Nr. 3 (Rachmaninov), Suite for two pianos (Rachmaninov), Firebird, Petruschka, Symphony in three movements (Stravinsky), Symphony Nr. 2 (Robert Schumann), Toccata (Carlos Chavez), Cello concerto (Friedrich Gulda) etc. Para el Ballet de Stuttgart coreografió Symphony Nr.7 (Beethoven) y para Les Ballets de Monte Carlo Jeunehomme-Pianoconcerto (Mozart).

En 1991 Uwe Scholz fue a ocupar el puesto de director en el Ballet de Leipzig. Sus coreografías pertenecen al repertorio de las grandes compañías de ballet de todo el mundo.

Tras una larga enfermedad, Uwe Scholz falleció en el 21 de noviembre de 2004. Desde que en 2005/06 el canadiense Paul Chalmer se hizo cargo de la dirección del Ballet de Leipzig, preserva el patrimonio de Uwe Scholz, pero también crea nuevos acentos y conducirá al Ballet de Leipzig Ballet, una de las pocas compañías neoclásicas, a un éxito rotundo.

Acto primero

Pu Yi, el último emperador, pasea lentamente. Una mariposa vuela delante de él que, hundido en sus pensamientos, la persigue. No puede dejar de seguir las evoluciones de esta mariposa, que le hacen recordar su pasado…

Pu Yi, con tres años, acaba de ponerse el vestido amarillo de emperador y se encuentra sentado en el sillón del dragón, ante los príncipes y los ministros, y ante su pesada misión. Sirvientes y eunucos de la Ciudad Prohibida le colman de atenciones. Privado de su madre, Pu Yi siente una profunda tristeza al irse su nodriza.

Asaltado por múltiples sentimientos, se acuerda de su profesor Zhuang Shidun, que fue quien le iniciara en la cultura occidental. Según la regla en vigor en la corte, se arregla una boda para dar un heredero a la dinastía. Pero durante la noche de bodas, Pu Yi deja a la emperatriz para hablar con el profesor y muestra su rechazo a plegarse a la tradición cortando su trenza.

La dinastía es derrocada y la familia imperial expulsada. Pu Yi se muda a Tianjin. Asistimos a la última cena en la Ciudad Prohibida.

Acto segundo

Recluida, la emperatriz Wan Rong lleva una vida solitaria y acaba por encontrar consuelo junto a un guardia imperial, de quien se queda embarazada.

Pu Yi se va a Tianjin en companía de la emperatriz y de su segunda esposa, Wen Xiu, que se queda escandalizada por la friadad que le manifiesta su esposo.

Asistimos ahora a la gran fiesta en la que un guardia notifica el despido del profesor Zhuang Shidun.

Pu Yi deja estallar su cólera y acompaña a su profesor. La separación es dolorosa. Al final del baile Wen Xiu se pelea con el emperador y tras una violenta pelea, deciden separarse.

Los soldados japoneses ocupan el nordeste de la China y Pu Yi se convierte en su marioneta. Es nombrado regente y, después, emperador de Manchukuo.

Wan Rong pierde al niño que llevaba en su seno. Su relación con el guardia es descubierta y éste es asesinado por los japoneses. En la ceremonia de consagración, la emperatriz no puede disimular su dolor. Pu Yi parece haber perdido el respeto a su propia persona.

Perdido en sus sueños, Pu Yi no se da cuenta del odio que su pueblo siente por el ocupante japonés.

Es obligado a capitular y durante la caída de Manchukuo, Pu Yi huye. Es hecho prisionero y encarcelado. Wan Rong, desesperada, se da muerte.

Penas y alegrías, separaciones, honores y deshonores, amores y pesares La vida es como un sueño. Miles de sentimientos asaltan a Pu Yi. No disponiendo jamás de su destino, lo convi erte en un personaje condenado por la historia.

El emperador se despierta, la primavera llega. Amnistiado, Pu Yi es, por fin, un ciudadano libre.

El Ballet del Gran Teatro de Ginebra continúa demostrando a la vez su compromiso con la creación contemporánea y la relectura audaz de obras mayores de repertorio. Tras su triunfo en la Maison de la Danse con el programa Teshigawara, Foniadakis y Cherkaoui, triunfal regreso con una Copelia sorprendente. Figura emergente de la coreografía en la Suiza de habla francesa, Cisco Aznar ha enfrentado un buen desafío aceptando revisitar este ballet para Ginebra. Inspirado en el cuento de Hoffman más célebre, esta obra maestra, con partitura de Leo Delibes, se ha beneficiado ya de relecturas notables, empezando por la de Roland Petit en 1975 y la de Maguy Marin en 1993.

De origen catalán, Cisco Aznar y su cómplice Luis Lara, que firma los fantásticos decorados y los trajes, beben del lado de la BD kitsch, de la locura trágica y de Almodóvar. ¡Su delicada misión de traer a la pista a la muñeca Copelia es un logro formidable! Transportan al ballet de Arthur Saint-Léon a un universo de una modernidad y una originalidad asombrosas. El telón de la escena ya da el tono de conjunto: la historia se desplaza a un estudio de TV durante una emisión maliciosamente titulada El día más bonito de mi vida. Y la pareja de presentadores que aparece confirma que la continuación será desternillante. Ballet de obreros de la construcción con casco y de mujeres de la limpieza con escobas, Copelius y Copelia como si hubiesen salido de las manos de Frankenstein, una gitana en trance, zancudos… ¡y en la pantalla Blanca Nieves y los siete enanitos del jardín! Porque la acción escénica y las proyecciones virtuales están en constante diálogo en esta versión vídeo-coreográfica a la vez conmovedora y cruel, como son los cuentos.

El Ballet del Teatro Nacional de Wiesbaden, con su nuevo director, Stephan Toss, al frente, presenta el programa Blanco como la Luna. Se trata de un programa muy elogiado por la crítica, que consta de tres piezas muy variadas y cuyo núcleo es la Visión. La Visión es la Fuente de la Danza, que rapta a la fantasía llevándola a mundos lejanos y, al igual que la mirada nocturna dirigida hacia la blanca Luna, nos invita a ensimismarnos y a abrir la puerta a nuestras ensoñaciones.

El programa se abre con el estreno de Ofrenda Musical según la composición del mismo nombre de Johann Sebastian Bach. El punto de partida es el legendario encuentro del rey de Prusia Federico II con el compositor en mayo de 1747 en el castillo Sanssouci.

La segunda parte está constituida por las Visiones Fugitivas, que se inspiran en una composición saltarina y caprichosa de Sergei Prokofiev. Su atmósfera irreal nos traslada a un mundo nocturno, en figuras liberadoras de energía.

La última parte del programa aparece dominada por la fuerza que la danza extrae de la música. De la mezcla de sonidos de tango, cha-cha-cha, folklore y la evocadora música de Arvo Pärt, Trisagion, se crea un ritmo arrollador al que los bailarines no pueden resistirse.

Stephan Thoss

El nuevo director artístico del Ballet del Teatro Nacional de Wiesbaden terminó su formación en la Escuela Palucca de Dresden con un estudio adicional con Patricio Bunster en Danza expresionista alemana. Como bailarín fue miembro del Ballet de la Opera de Dresden, de la Komische Oper, del Ballet de Kassel, y siempre unido a la Semperoper de Dresde, donde también era coreógrafo. En 1998 tomó la dirección de los Ballets de Kiel, de 2001 a 2006 fue director artístico del Ballet de la Opera de Hannover. Ha sido coreógrafo invitado del Ballet de Stuttgart, del Ballet de Baviera de la Opera de Munich, del Hamburg Ballet, del Balleto die Toscana Florencia, el Nederlands Dans Theater II en La Haya, el Aalto Ballet Theater de Essen y el Teatro coreográfico de Bonn. Su repertorio consta de más de 70 obras. Ha girado con su compañía tanto en Europa, como en Asia y América.

Tim Plegge nació en Berlín. Seguido por un año de intercambio en el École de Cirque de Bordeaux, estudió danza en los Países Bajos y en la Escuela de Ballet John Neumeier de Hamburgo. Tras exitosas puestas en escena como bailarín, estudió coreografía en la Universidad de Arte Dramático Ernst Busch en Berlín, seguido de trabajos como asistente con Helena Waldmann y Christian Spuch. Desde 2006, creó trabajos para Kiel Ballet, el Noverre-Gesellschaft en Stuttgart, así como las compañías de Ballet Estatal en Berlín y Karlsruhe, en cuyo período el estreno mundial de su ballet narrativo «Momo» en Karlsruhe en 2012 atrajo un interés particular. En 2013 causó un agetreo con su pieza «They», que fué presentada en el espectacular club Berghain de Berlín . Creada en colaboración con el pintor Norbert Bisky, ejemplifica el deseo de Plegge para combinar diferentes formas artísticas en un diálogo creativo a través de la danza.

A este respecto, en la temporada de 2013/2014 hizo su debut como director en Karlsruhe con «The Nightingale» de Stravinsky, y trabajo con el artista audiovisual Elke Reinhuber para crear la pieza «Orpheus». En 2013, la revista anual «Tanz» aclamó a Plegge como una de «las grandes esperanzas de la danza…que conformará el futuro».

Lin Hwai-min: Coreógrafo convertido en escritor, Lin Hwai-min a menudo se inspira en las culturas asiáticas y la estética para crear obras con resonancia contemporánea. Fundó Cloud Gate Dance Theatre of Taiwan en 1973 y Cloud Gate 2 en 1999. En 2013, recibió el prestigioso premio Samuel H. Scripps / American Dance Festival Award of Lifetime Achievement. Este premio lo ha recibido artistas tales como Martha Graham, Merce Cunningham, Pina Bausch y William Forsythe. Lin es el primer galardonado con sede en Asia. Entre otros honores recibidos por Lin Hwai-min se encuentran doctorados honorarios de seis universidades de Taiwán y Hong Kong, el 3er premio de John D. Rockefeller, el Distinguished Artist Award de la Sociedad Internacional de Artes Escénicas (ISPA), Caballero de la Orden de Artes y Letras del Ministerio de Cultura de Francia, y un Premio a la Trayectoria del Festival Internacional de Movimentos, Alemania. También ha sido galardonado por Time Magazine como uno de los héroes de Asia.

Gracias a la iniciativa Rolex Mentor and Protégé Arts, Lin Hwai-min es el mentor de la danza de 2012-2013.

Cloud Gate Dance Theatre of Taiwan: Cloud Gate es el nombre de la danza más antigua conocida en China. En 1973, el coreógrafo Lin Hwai-min adoptó este nombre clásico para la primera compañía de danza contemporánea en la gran comunidad de habla china. Los 24 bailarines que comprenden Cloud Gate reciben entrenamiento en meditación; Qi Gong, un antiguo ejercicio de respiración; artes marciales internas; danza moderna; ballet; y caligrafía. A través de las coreografías de Lin Hwai-min, la compañía transforma la estética antigua en una emocionante y moderna celebración del movimiento.

Cloud Gate ha realizado numerosas giras con frecuentes invitaciones en el Next Wave Festival de Nueva York, el Sadler’s Wells Theatre y Barbican Centre en Londres, el Moscow Chekhov International Theatre Festival, el Movimentos Festival (Alemania) y el Internationales Tanzfest NRW dirigido por Pina Bausch.

Marie Chouinard, coreógrafa, es la Ejecutiva y Directora Artística de COMPAGNIE MARIE CHOUINARD, Presidenta Fundadora del Premio de la Danza (Prix de la Danse) de Montreal, Artista de Danza Asociada del Centro Nacional de Artes de Canadá y Directora de Danza en la Bienal de Venecia.

Desde su fundación en 1990, COMPAGNIE MARIE CHOUINARD ha actuado por todo el mundo, y co-produce sus creaciones con socios como la Bienal de Venecia, el Festival de Danza Internacional ImPulsTanz (Viena), el Théâtre de la Ville (Paris), el Festival TransAmériques (Montreal) y el Centro Nacional de Artes (Ottawa).

La COMPAÑÍA tiene un gran repertorio de trabajos, la mayoría sigue representándose a nivel internacional. La Consagración de la Primavera ha sido representada durante más de 25 años y se ha convertido en un clásico en la historia de la danza contemporánea.

Los trabajos de la coreógrafa también aparecen en los repertorios de grandes compañías de ballet como el Ballet Nacional de Canadá, São Paulo Companhia dance, Ballets de Monte-Carlo, el Göteborgs Operan y el Gulbenkian Ballet †.

Además, desde 2015, Marie Chouinard ha creado trabajos para otras compañías, como la Martha Graham Dance Company y los Ballets de Monte-Carlo.

Autora, escenógrafa y diseñadora de luces, fotógrafa y directora de cine, su opus incluye trabajos de multimedia (Cantique no 3, Icônes, and CORPS CÉLESTES) películas (bODY_rEMIX/gOLDBERG_vARIATIONS, MARIE CHOUINARD: THE RITE OF SPRING, y el vídeo musical Jamais de Serge Fiori), una colección de poemas titulados Chantier des extases, la instalación fotográfica Paradisi Gloria, una exhibición de arte llamada DRAWINGS y una aplicación para iPad y iPhone, CANTIQUE, gratis en la App Store.

Una verdadera embajadora Cultural para Quebec, Marie Chouinard ha recibido varios premios y distinciones en reconocimiento a su contribución a las artes, incluyen el Bessie Award (New York, 2000), el Order of Canada (2007), el Order des Arts et des Lettres (France, 2009), el Samuel de Champlain Award (France, 2014), el Order national du Québec (2015), el Governor General’s Performing Arts Award for Lifetime Artistic Achievement (Canada, 2016), el Positano «Choreographer of the Year» Award (Italy, 2016) y el Walter Carsen Prize for Excellence in the Performing Arts (Canada, 2016). El nombre de Marie Chouinard pasó a ser una entrada en la edición ilustrada Le Petit Larousse, en 2010 y Le Robert en 2011.

La compañía de danza contemporánea “Compagnie Peter Agardi” fue creada en otoño del año 2013.

Desde el principio el jóven coreógrafo concibió una forma de trabajar en cuál los bailarines, la música y la estética son inseparables e indispensables en su conjunto. Su intención es presentar la danza como algo no etilista.

El objetivo es facilitar el espectador, cualquier espectador, con el placer de Danza, identificando sí mismo con los bailarines y entendiendo las sensaciones que los artistas están experimentando en el escenario.

Para Agardi no hay necesidad de complicar el sentido de Danza.

Cuando algo está bien hecho y honesto afecta al público, estimulando y logrando una mayor conexión con el arte. Agardi está convencido que el entretenimiento del público es tan importante como la expresión artística del coreógrafo.

Su objetivo es encontrar un equilibrio delicado entre esas dos cosas.

Durante su carrera, Peter Agardi ha desarrollado un estilo coreográfico muy singular. El estilo que puede ser descrito como un lenguaje de la energía contenida, con las explosiones y los movimientos potentes conectados orgánicamente, sensual y salvaje.

Es un aprendizaje en sí mismo, un desafío para los bailarines profesionales, un proceso de aprender el universo del vocabulario y la energía completamente diferente, siendo conscientes de las capacidades de cada uno, con la ventaja de la técnica de danza tanto clásica como temporánea.

«Una estrategia corporal inteligente con la calidad y la utilidad».

Del balbuceo de las lenguas, al universo de Shakespeare; del monotipo de la caverna, a la pródiga riqueza de Picasso; del grito gutural, a los prodigiosos refinamientos de Mozart; de las venus calipigias, a la ingravidez de Giacometti… En el paisaje del arte todo fluye, todo cambia, nadie se baña dos veces en el mismo río heraclitano, aunque el río siga siendo río.

Sólo el flamenco —en opinión de sus carceleros, los puristas— se remite una y otra vez a las fuentes, cegándole así todos los caminos.

Pero ahí llega María Pagés: hinca los tacones en la tradición, alza los brazos, convoca en escena a la libertad al mestizaje y al humor, y una luz deslumbrante saca de las tinieblas el caudal fresco e inagotable del río flamenco.

Rafael Azcona

… ella baila y, bailando, mueve todo lo que la rodea. Ni el aire ni la tierra son iguales después de que María Pagés haya bailado.

José Saramago

En la cumbre de su madurez artística esta bailaora y coreógrafa sevillana se encuentra en su mejor momento creativo. Con su personal concepción del Flamenco. María Pagés, bailaora de brazos “infinitos”, que entiende el arte como algo ilimitado ha conquistado un lugar de gran relieve en el panorama de la danza mundial.

“…El flamenco es un claro ejemplo de cómo la unión entre culturas, razas y religiones, puede crear un eco común…”

Utilizando los códigos fundamentales del lenguaje flamenco e investigando dentro y fuera del mismo, María Pagés, supera las diferencias culturales convencida de que los intercambios artísticos favorecen una mayor comprensión entre los seres humanos.

Es reconocida internacionalmente por su personal concepto estético del Arte Flamenco. Utilizando las acentuaciones flamencas clásicas, sus obras confrontan al Flamenco con otras artes, ampliando su horizonte y abriendo un nuevo camino para el futuro de la danza flamenca.

La Compañía María Pagés ha estado presente en los escenarios más prestigiosos de todo el mundo: en USA, Reino Unido, Francia, Italia, Alemania, Japón, Singapur, China, Taiwán, Israel, Egipto, Rusia, Mexico, Honduras, España.

Su último proyecto viene de la mano de Mikhail Baryshnicov que invita a María a bailar en el BAC (Baryshnicov Arts Center) de Nueva York , dicho proyecto, impulsado por el Teatro Español de Madrid, se completa con un trabajo de creación de la coreógrafa en residencia en el BAC.

La joven Compañía Nacho Duato nace con la noble misión de enriquecer la oferta de danza en España y ampliar las oportunidades laborales para los jóvenes bailarines.
Uno de los pilares fundamentales de la compañía es la recuperación del repertorio de Nacho Duato. Sus ballets son auténticas joyas que merecen ser preservadas y compartidas con las nuevas generaciones de espectadores y artistas.
Nuestra  visión abarca la realización de giras nacionales que permitan llevar la magia de la danza a diversos rincones del país, alcanzando así a un público más amplio y diverso.

La Compañía Nacional de Danza fue fundada en 1979 con el nombre de Ballet Nacional de España Clásico, y tuvo como primer Director a Víctor Ullate. Le sucedieron en este puesto María de Ávila y Maya Plisetskaya, hasta que, en 1990, Nacho Duato fue nombrado Director Artístico de la compañía.

La incorporación de Nacho Duato supuso un cambio innovador en la historia de la formación, hasta el año 2010 aportó cuarenta y cinco trabajos como coreógrafo, avalados por la crítica mundial y la CND, sin olvidar los preceptos clásicos, derivó hacia un estilo más contemporáneo.

Tras un año de transición bajo la dirección artística de Hervé Palito, José Carlos Martínez fue nombrado Director de la Compañía Nacional de Danza.

El proyecto del bailarín Estrella del Ballet de la Ópera de París para la Compañía Nacional de Danza se basa en el fomento y la difusión del arte de la danza y su extenso repertorio, reservando un amplio espacio a la nueva creación española, sin olvidar a los grandes coreógrafos de hoy. En el futuro, se irán incluyendo en el repertorio de la CND piezas de otros estilos como el clásico y el neoclásico, siempre sin descuidar la danza contemporánea y de vanguardia.

Se trata de favorecer el acercamiento de nuevos públicos a la danza e impulsar la proyección nacional e internacional de la CND.

JOSE CARLOS MARTÍNEZ

Director de la Compañía Nacional de Danza. Bailarín Estrella de la Ópera de París. Premio Nacional de Danza 1999.

Inicia sus estudios de ballet en Cartagena con Pilar Molina. Entre 1984 y 1987 estudió en el Centre de Danse International Rosella Hightower. Ganó el Prix de Lausanne e ingresó en la Ópera de París. En 1988 fue elegido personalmente por Rudolf Nureyev para formar parte del “Cuerpo de Baile” del Ballet de la Ópera de París.

Tras ganar en 1992 la Medalla de Oro en el Concurso Internacional de Varna, fue nombrado Bailarín Estrella del Ballet de la Ópera de París en 1997, la máxima categoría en la jerarquía del Ballet.

A lo largo de su carrera recibió otros premios importantes como el Prix de l ‘Arop, Prix Carpeaux, Premio Danza & Danza, Premio Léonide Massine-Positano, Premio Nacional de Danza, Medalla de Oro de la ciudad de Cartagena, Premio “Elegance et Talent France/Chine”, Premio de las Artes Escénicas (Valencia), Premio “Benois de la Danza” por su coreografía “Les Enfants du Paradis”, Premio Danza Valencia.

Es “Comendeur” del Orden de las Artes y las Letras (Francia).

Dentro del repertorio de José Carlos destacan los grandes ballets clásicos y neoclásicos, además de haber trabajado con la mayoría de los grandes coreógrafos del siglo XX, desde Maurice Béjart a Pina Bausch, pasando por Mats Ek o William Forsythe, algunos de los cuales han creado piezas para él.

José Carlos Martínez ha bailado también en prestigiosas compañías de todo el mundo en calidad de artista invitado.

Como coreógrafo ha creado: ”Mi Favorita” (2002), “Delibes-Suite” (2003), “Scaramouche” (para los alumnos de la escuela de la Ópera de París), “Parentesis 1″ (2005), “Soli-Ter” y “Mi Favoritita” (2006), “El Olor de la Ausencia” (2007), “Les Enfants du Paradis” para el Ballet de la Ópera de París (2008), “Ouverture en Deux mouvements” y “Scarlatti pas de deux” (2009) y “Marco Polo, The Last Mission” para el Ballet de Shanghai (2010).

José Carlos Martínez es el nuevo Director Artístico de la Compañía Nacional de Danza (España) desde septiembre de 2011.

Nacho Duato, gran estrella de la danza europea, es mundialmente conocido como bailarín y, sobre todo, como coreógrafo. Nacido en Valencia, hunde sus raíces en una cultura dancística centenaria que se puede considerar como el centro oculto de la cultura española. Para él, conectar las formas de expresión clásicas con los elementos vanguardistas del movimiento es, más que un reto artístico, una expresión vital de sí mismo.

El repertorio de la Compañía Nacional de Danza consta de más de 40 coreografías de Nacho Duato, junto con piezas de, entre otros, Jirí Kylián, Mats Ek, William Forsythe, Ohad Naharin y Hans van Manen.

Las coreografías de Nacho Duato son parte del repertorio de las mejores compañías del mundo. Sus piezas han sido bailadas por las siguientes compañías: American Ballet Theater, Cullberg Ballet, Nederlands Dans Theater, Les Grands Ballets Canadiens, Les Ballets de Monte-Carlo, Deutsche Opera Ballet, Australian Ballet, Pacific Northwest Ballet, Stuttgart Ballet, Hamburg Ballet, Ballet Gulbenkian, Introdans, Chicago Hubbard Street Dance Co., Ballet Grand Theatre du Genève, Musik Theater Essen, Finish Opera Ballet, Ballet de Zaragoza.

La fascinación que se desprende de las coreografías de Duato procede de una evidencia: se trata de un lenguaje de movimiento que está libre de cualquier temor a poner en contacto lo clásico y la vanguardia, la cultura nacional y las influencias internacionales. Así es como Nacho Duato ha desarrollado un estilo tan propio.

Dave St-Pierre comenzó a bailar a la edad de 5 años. Aprendió claqué durante siete años. Hizo varias grabaciones para televisión, incluyendo la serie TV 101 West Pine Avenue de Radio-Canadá en 1984. En 1990, ingresó en la Facultad de Literatura y Cine, y se incorporó a la compañía de Mia Maure Danse, dirigida por Marie-Stéphane Ledoux y Brochu Jacques.
En 1992, entró en el Ateliers de danse moderne de Montreal como becario, y dejó la escuela en 1993 para trabajar con Brouhaha Danse. En esta compañía colaboró durante más de seis años. Luego bailó con coreógrafos varios, destacando entre otros, Harold Rheaume, Jean-Pierre Perrault, Clareton Estelle, Saboya Pierre-Paul, Alain Francoeur con los que viajó por Canadá, Estados Unidos y Europa. Con las coreografías de Daniel Léveillé, Amour, acide et noix y La pudeur des icebergs, Dave se forjó su renombre internacional. Ha participado en dos producciones de Cinéquanon Film, en una de estas películas, L’enfant de la musique, interpreta el papel principal: Mozart.

Ha creado varias obras coreográficas, como Le no man’s land show en 2003, pero
fue con La pornographie des âmes con la que Dave marcó su huella. En 2004, este trabajo fue presentado en teatros como Tangente, Usine C y l’Agora de la danse. Emprendió su gira europea por Munich, Frankfurt, Berlín, Wolfsburgo, Salzburgo y Amsterdam para regresar con fuerza a Montreal en el Festival de Théâtre des Amériques, justo un año después de la creación de la pieza. La obra ganó el premio Mouson de 2005 en Frankfurt. Es el primer canadiense en recibir este premio. Fue nombrado Personalidad del Año 2004-2005 por Radio-Canada, le Mirror, The Gazette, le ICI, la Presse, le Devoir y la revista alemana BALLETANZ. Dos años después de su creación, un nuevo viento sopla para esta pieza pudiendo representarla en febrero de 2006 en el prestigioso Festival de Luces de Montreal.

En otoño de 2006, la compañía presentó al mismo tiempo La pornographie des âmes (en Milán, Lausana y Copenhague) y la nueva creación Un peu de tendresse bordel de merde! cuyo estreno mundial fue en el Festival de Danza 2006 en Múnich, y después en Frankfurt en Mousonturm.

Los miembros de la compañía Diavolo son bailarines, gimnastas, actores, atletas… y siempre compañeros de equipo. Bajo la dirección del director artístico Jacques Heim, desarrollan colaboradoramente su trabajo en sobredimensionados decorados y estructuras surrealistas. Cosas de todos los días…puertas, sillas, escaleras, proporcionan el telón de fondo para el movimiento dramático – saltando, volando, girando – para crear metáforas sobre el desafío de las relaciones personales, lo absurdo de la vida y la lucha para mantener nuestra humanidad en la sombra del mundo tecnológico. Diavolo fue fundada en Los Ángeles en 1992, por su Director Artístico Jacques Heim. En 1993, la compañía fue nominada para dos galardones Lester Horton en Los Ángeles, y en 1995, Diavolo hizo su debut europeo en el Festival Fringe de Edimburgo donde fueron nombrados como “Mejores del Festival” por el London Independent y elegidos por crítica en The Guardian. También en 1995, la compañía recibió tres premios Lester Horton por el trabajo Tete en L’Air. Desde entonces, la compañía ha sido nominada varias veces a numerosos galardones, incluyendo en 2001 cuatro Premios Lester Horton y otros dos Premios Lester Horton en 2003. Además tuvieron el honor de actuar en directo en la X edición anual de los American Choreography Awards en 2004. En 1998, la compañía inició la serie de representaciones en el nuevo Getty Center Museum en Los Ángeles. 1999 fue testigo de la creación del primer trabajo de Diavolo representado durante toda la noche: Catapult que también coincidió con la primera gira completa de Diavolo por América del Norte. Durante el verano de 2001, Diavolo invitó a Jelon Viera, director artístico de DanceBrazil y la Capoeria Foundation, a Los Ángeles para realizar un intensivo taller de capoeira con la compañía. En la primavera de 2002, Diavolo creó una segunda compañía más pequeña para actuar en un tipo de espectáculo de cabaret que se mantuvo en cartel durante ocho semanas en el Hotel New Shinagawa Prince en Tokio, Japón. La rama comercial de la compañía, Diavolo Creative Productions, también ha creado eventos de representaciones únicos para sus clientes corporativos como Wells Fargo Bank, Honda, Sebastian Inc. y General Motors. Debido a la inusual e innovadora manera en que trabaja Diavolo con estructuras arquitectónicas, el equipo creativo del Cirque du Soleil contrató a Jacques Heim para coreografiar un espectáculo en Las Vegas, titulado “Ka”, que se estrenó en febrero de 2005 y aún hoy se sigue representando. En 2007, la Filarmónica de Los Ángeles encargó a Diavolo la creación del espectáculo “Foreign Bodies” para el director musical Esa-Pekka Salonen y está trabajando ahora en un segundo encargo para ellos que se basa en “Fearful Symmetries,” de John Adams que se estrenará en el Hollywood Bowl en septiembre de 2010. El periódico LA Times calificó su estreno en el The Hollywood Bowl como “uno de esos poco frecuentes acontecimientos que definen el arte de esta ciudad cuando los niveles de la visión y el apoyo son igualmente excepcionales.” La temporada de 2009-10 marca la onceava gira de Diavolo por Estados Unidos. Además, Diavolo ha actuado internacionalmente en Escocia, Japón, Chile, Méjico, Canadá, Corea del Sur, Brasil e Italia.

TODO PUEDE PASAR

No tengo ninguna directiva particular ni instrucción manual de cómo las cosas deberían estar hechas. Simplemente sé que hay algo dentro que necesito dejar salir y dejar que eso suceda en público, en frente de todos. Si tuviese que escribir un manifiesto, lo llamaría «Todo puede pasar».

Esto es en lo que creo y esas palabras imploran que me aproxime al mundo y mi profesión, que es difícil de definir con la mente abierta.

En primer lugar soy actriz, pero podría ser bailarina, pintora o un músico. Me convertí en actriz por accidente, gracias a la gente maravillosa que he encontrado – otros artistas que me ayudaron, me inspiraron y me enseñaron tanto.

He colaborado en la creación de varios espectáculos, actuaciones y películas. Todos esos proyectos eran aventuras únicas llenas de peligro, accidentes y placer. Todo eso me afectó de alguna manera, y con los años aprendí a valorar las cicatrices que cada uno dejó en mí, es como vivir con heridas de guerra.

Durante muchos años fui invitada a trabajar de cerca con Robert Lepage. Su voluntad de tomar riesgos y el talento para realizar proyectos ambiciosos, aparentemente imposibles de lograr, me mantuvieron siempre despierta. Me encantaba ser más atrevida con él, y una y otra vez mi espíritu pionero se despertaba y mi convicción de que un artista tiene que ser un aventurero se reforzó. Desde entonces, he seguido siendo fiel a mis convicciones y he evitado el confort que es el opio de los ricos.

Gracias a la creación de la compañía Infrarouge en el año 2001, me he proporcionado una plataforma que me permite continuar produciendo y creando de forma independiente. Ahora estoy en posición de poder invitar a los artistas para que se unan a mí en el trabajo en algunos proyectos. Son escritores, directores de vídeo, directores de fotografía, músicos, diseñadores de iluminación, escenógrafos y bailarines. Con su talento y colaboración soy capaz de crear las ideas raras e indefinidas que germinan en mi alma. Junto con ellos, intento a crear formas en el espacio que raramente se han visto antes.

Dándole al sonido y a la luz una posición real, somos capaces de crear y recrear en cada actuación momentos que solo pueden tener lugar en tiempo real, en el aquí y ahora.

Marie Brassard

Senegal

La Compañía Jant-Bi fue creada en 1998 con bailarines que participaron en un taller de formación profesional del Centro Internacional de Danzas tradicionales y contemporáneas de Africa, L´Ecole des Sables (La Escuela de las arenas) de Toubab Dialaw (Senegal) bajo la dirección artística de la bailarina y coreógrafa senegalesa Germaine Acogny.

La primera coreografía de la compañía « Le Coq est Mort » fue realizada en 1999 para ocho bailarines (6 senegaleses, 1 congolés y 1 nigeriano) por la coreógrafa alemana Susanne Linke y el co-coreógrafo israelita Avi Kaiser.

Esta primera creación ha girado con gran éxito en Europa, Estados Unidos, Canada por teatros y festivales prestigosos como el Théâtre de la Ville – Paris, el Festival de Nouvelle Danse (Montreal), e incluso el Festival Jacob´s Pillow en Estados Unidos, lo que ha permitido un reconocimiento del trabajo realizado por L´Ecole des Sables. Al mismo tiempo una nueva imagen de la creación contemporánea en Africa ha podido encontrar camino a través del mundo.

Muy afectada por los eventos del genocidio en Ruanda Germaine Acogny decide en 2003 hacer una nueva creación, elevar su voz a través de la danza y llevar al pueblo africano y al mundo en general una toma de conciencia para que atrocidades de esa índole no se reproduzcan más.

En un aco-coreografía con Kota Yamazaki (Japón), efectua una sínteses entre el Butoh y las danzas tradicionales y contemporáneas de Africa para encontrar un lenguaje simbolico de sufrimiento y de esperanza.

La Compañía de Jo Stromgren

La compañía se fundó en 1998 en Bergen, Noruega. A pesar de provenir de un país pequeño y desconocido para algunos, desde los inicios ambicionó una audiencia internacional. Muchos pensaban que tal aspiración era prácticamente imposible, no sólo porque Noruega no forma parte de la Unión Europea, sino también porque el teatro de baile contemporáneo nunca ha sido una característica típica del país, al contrario que el petróleo, el pescado, el esquí y la naturaleza salvaje. En algunos lugares, como en España, la imagen de los noruegos siempre ha sido la de turistas quemados por el sol, “rojos como cangrejos”.

Por todas estas razones, la compañía no sólo ha tenido que realizar actuaciones de alto nivel y superar el aislamiento geográfico y cultural, sino que además ha tenido que hacer frente a la falta de interés que, en general, mucha gente siente hacia los noruegos. ¡Pero todo es posible! Gracias a un estilo artístico claro y pujante, el reconocimiento internacional ha ido aumentando rápidamente, y hace ya tiempo que la compañía sorprende y cautiva audiencias y críticas de todo el mundo. De hecho, sus giras incluyen 47 países de todos los continentes. Estas cifras en sí no sólo demuestran una popularidad abrumadora, sino que también indican que la compañía ha logrado encontrar las claves de una comunicación sin fronteras. Una de las claves es la investigación continua en el desarrollo del lenguaje sin sentido. Todos los espectáculos se desarrollan en lenguaje abstracto, que puede ser entendido y no entendido por igual en cualquier parte del mundo. Incluso los propios actores no entienden lo que están diciendo. Esta peculiaridad artística ha sido acogida con una gratitud sorprendente en todos sitios. Parece que la audiencia pierde la oportunidad de ver teatro y ser capaz a la vez de asociar libremente, como lo harían en un espectáculo de baile o escuchando música. Y es aquí precisamente donde la compañía de Jo Strømgren ha creado su propia marca de identidad – la audiencia entiende todo y nada al mismo tiempo. También es parte de tal identidad el tratamiento satírico de temas controvertidos. La mayor inspiración para la compañía es la obra de Charlie Chaplin, “El Dictador”, que trata a Hitler y a los nazis con una profundidad filosófica y un peligroso humor – y un lenguaje sin sentido. La película se estrenó en 1943, y todavía hoy destaca como una de las críticas políticas más atrevidas que jamás se ha realizado.

Jo Stromgren

Nació en Trondheim, Noruega, en 1970. Se formó en el baile clásico, pero tras unos años como bailarín profesional, inició su carrera como coreógrafo para ampliar más tarde sus estudios en dirección y guión de teatro. Su trayectoria como coreógrafo abarca una gran lista de obras para muchas compañías clásicas, como el Ballet Estatal de la Ópera de Viena, el Real Ballet Danés, el Ballet de la Ópera Nacional del Rhin, y otras, así como para compañías contemporáneas, como Cedar Lake Dance Company, Ballett Nürnberg, Cloud Gate Esemble, y otras. Ha realizado cerca de 50 coreografías, la mitad de ellas grandes acontecimientos. Como director de teatro, ha estado trabajando principalmente en teatros nacionales y municipales en Escandinavia, sobre todo dirigiendo obras de Enrique Ibsen. También ha escrito una larga lista de obras que se han representado en diferentes teatros alrededor del mundo, y es miembro de la Asociación de Guionistas de Noruega. Además de su trabajo de escenario, también ha sido un invitado asiduo en el negocio del cine, tanto detrás de la cámara, dirigiendo una película y varios cortos, como delante de la misma, como actor. A nivel personal, se identifica mucho con España por su año como estudiante de intercambio en Madrid, en 1988-89. La coreografía de “Fiebre”, con IT Dansa, ha sido su única cita artística en España hasta el momento.

LA VERONAL

Como Kieslowski hizo en los ochenta, La Veronal desde hace años se dispone a crear un decálogo donde cada pieza se sitúa o toma como punto de partida un país o ciudad del mundo, creando una analogía entre danza y geografía. Las piezas no pretenden constituirse como obras documentales que describan el país de forma directa, sino que se sirven de los elementos que el topónimo proporciona para llevar a cabo el desarrollo de una idea, de un argumento. Este NIPPON-KOKU, obra de creación original para la Compañía Nacional de Danza, se enmarcaría en ese decálogo general del grupo, y supone la primera colaboración entre la CND y La Veronal. La Veronal está formada por artistas procedentes de la danza, el cine, la literatura y la fotografía. La finalidad de su equipo artístico reside directamente en una constante búsqueda de nuevos soportes expresivos y referencias culturales -cine, literatura, música y fotografía, principalmente- que apuestan por un fuerte lenguaje narrativo con la intención de formar espacios artísticos globales.

SOBRE MARCOS MORAU

Marcos Morau se licencia en Coreografía con la máxima calificación y obteniendo el premio extraordinario en el Institut del Teatre de Barcelona y el MovementResearch de Nueva York.

Realiza su proyecto de ayudantía coreográfica en el prestigioso NederlandsDansTheater II de Holanda y en la compañía IT Dansa de Barcelona bajo la dirección de Catherine Allard.

Sus conocimientos artísticos no se limitan a la danza, Marcos Morau se forma en fotografía y en dramaturgia.

En 2005 crea La Veronal, colectivo formado por artistas procedentes de la danza, el cine, la literatura y la fotografía. La finalidad de su equipo artístico reside directamente en una constante búsqueda de nuevos soportes expresivos y referencias culturales – cine, literatura y fotografía principalmente- que apuestan por un lenguaje narrativo con la intención de formar espacios artísticos globales.

La Veronal está creando una serie de trabajos que toman como punto de partida un país o ciudad del mundo, creando una analogía entre danza y geografía. Las piezas no

pretenden constituirse como obras documentales que describan el país de forma directa, sino que se sirven de los elementos que el topónimo proporciona para llevar a cabo el desarrollo de una idea, de un argumento. Este imaginario ha llevado a la compañía a diferenciarse en el mapa de la creación contemporánea internacional como una voz propia.

Recientemente Marcos Morau ha obtenido el Premio Time Out al mejor creador del año otorgado y el considerado Premio SebastiàGasch, otorgado por la fundación FAD de las Artes y el Diseño.

Con sus creaciones ha conseguido ganar premios en todos los certámenes coreográficos nacionales e internacionales a los que se han presentado: Certamen Coreográfico Internacional de Hannover, Certamen Coreográfico de Copenhague, Concurso Coreográfico de Madrid, Masdanza/Festival Internacional de Danza de Canarias, Mejor espectáculo en FiraTàrrega, Valencia Crea, Bienal Internacional de Jóvenes Creadores de Europa…

Marcos Morau y su equipo han empezado a exportar su sello a otras compañías de reconocida reputación internacional y en el calendario para las próximas temporadas crearán nuevos trabajos para la Compañía Nacional de Danza dirigida por José Martínez, el Scapino Ballet de Rotterdam, SkånesDansteateryNorrdans, ambas en Suecia, Ballet de Teatres de la Generalitat Valenciana y el Royal DanishTheatre de Copenhague y CarteBlanche Compañía Nacional de Danza de Noruega entre otros.

La Veronal está presente en algunos de los Festivales y Teatros más importantes del mundo con son el ThéâtreNational de Chaillot de París, la Biennale di Venezia, DanceSalad Festival de Houston, Temporada Alta, Festival Roma Europa, SIDance Festival de Seoul, DansensHus de Estocolmo,Sadlers Wells de Londres, JuliDans de Holanda entre muchos otros.

SOBRE LAVERONAL

La Veronal se confronta entre la abstracción pura del cuerpo en escena y la construcción de un referente estético inteligible. Sus propuestas radican en la abstracción pura del movimiento, pero sin embargo apelan a una edificación en pro de un espectáculo con una dramaturgia concreta, la cual cierre de significado toda la masa dancística que se genera en escena.

La Veronal apoya su creación en elementos visuales y literarios. Para ello en sus piezas hay una clara referencialidad al mundo cinematográfico donde el coreógrafo se reafirma para ir marcando las bases y el ritmo del espectáculo. Parafraseando a Truffaut “Las películas avanzan como los trenes en la noche”, y así es como se plantean sus trabajos: incidiendo en el proceso de eliminación de los elementos superfluos para retratar una danza despojada, donde todo se intuya sin renunciar al simple recreo visual de la contemplación escénica.

El propósito y la finalidad del trabajo coreográfico de La Veronal consiste en reproducir el mundo que le rodea como si fuera el reflejo de un mundo interior propio. Buscando de esta manera nuevos soportes expresivos que, junto a referentes culturales extraídos principalmente del cine, la literatura, la música y la fotografía, apuesten por un fuerte lenguaje narrativo con la intención de armar espacios artísticos panorámicos. Una voluntad predominante en el trabajo es la aproximación al significado mediante el movimiento contemporáneo, pero sabiendo aun así, que la mera aproximación- la tentativa de querer significar- deja más abierto si cabe, la dramaturgia total del espectáculo. Detenerse en este punto de abstracción fronteriza entre el concepto que se desprende de la pieza y la simple organización estético-contemplativa de lo que se presencia en escena, es una de los propósitos de la compañía. No querer profundizar en significado, y sí por el contrario en los límites, es una las constantes del pensamiento en la contemporaneidad.

De esta forma la nueva lectura que se hace de la técnica sirve para acercarse a las preocupaciones actuales de la escena actual.

La La La Human Steps fue fundada en 1980 después de una serie de tres semanas de actuaciones en el teatro l´Eskabel del distrito de St-Henri de Montreal, lo que llevó a la compañía a The Kitchen en la ciudad de Nueva York, epicentro de la danza contemporánea en ese momento. Desde entonces La La La Human Steps se ha convertido en una de las compañías de danza más reconocidas del mundo, gracias al lenguaje coreográfico único que ha desarrollado y reinventado desde sus comienzos.

La complejidad coreográfica, la alteración de estructuras balletísticas y la interacción de tendencias coreográficas, musicales y cinemáticas se encuentran entre los elementos que crean un sentido de distorsión perceptivo y de renovación, que anima al público a reinventar y redescubrir el cuerpo y su danza.

La compañía exige que sus bailarines se redefinan constantemente, se cuestionen y renueven ellos mismos, para sacar a la luz actuaciones que van desde el extremo a la lírica.

La compañía de Montreal ha colaborado con instituciones y artistas tan diversos y eclécticos como la Ópera de París y Frank Zappa.

En los últimos 30 años La La La Human Steps ha encargado composiciones originales de compositores alternativos y contemporáneos como Rober Racine, West India Company, Einstürzende Neubauten y David Van Tieghem, Iggy Pop, Shellac de Norte América, My Bloody Valentine, Gavin Bryars y David Lang, ganador del premio Pulitzer.

Desde “Human Sex” en 1985, la compañía ha estado a la vanguardia de la escena de danza internacional, girando con cada producción durante dos años, en las mayores capitales de Europa, Asia y América.

Edouard Lock

Fundador de La La La Human Steps, comenzó su carrera coreográfica con 20 años, creando piezas del 1974 a 1978 para Le Groupe Nouvelle Aire y en 1979 para Les Grands Ballets Canadiens de Montreal. En 1980 fundó La La La Human Steps.

A lo largo de los años el Sr. Lock ha sido invitado a crear trabajos para algunas de las compañías más importantes del mundo, incluyendo el Ballet de la Opera de París, el el Het Nationale Ballet de Holanda y el Nederlands Dans Theater. Sus trabajos han obtenido muchos galrdones, incluyendo el premio coreográfico Chalmers (1982, 2001), el New York Dance and Performance Award o el Bessie (1986); el premio Denise-Pelletier (2001), el premio del National Arts Centre (2001) y el premio coreográfico Benois 2003 en Moscú por «AndréAuria» creado para el Ballet de la Ópera de París en octubre de 2002. En 2010, recibió el Performing Arts Award del Gobernador General por toda su realización artística. Ese mismo año fue beneficiario del premio Canada Council for the Arts Molson.

La Universidad de Quebec en Montreal le galardonó como doctor Honoris causa (2010).

Co-concibió y fue el director artístico de la gira mundial de David Bowie, “Sonido y Visión” (1990). También ha colaborado con Frank Zappa en el concierto del “Yellow Shark” junto al Ensemble Modern de Alemania.

Invitado por Robert Carsen y la Ópera de París, el Sr Lock coreografió la producción de “Les Boréades” en 2003, interpretado por La La La Human Steps en el Palais Garnier.

Se han producido varias películas artísticas basadas en el trabajo del Sr. Lock incluyendo «Le Petit Musée de Vélasquez» (1994), dirigido por Bernar Hébert, y el documental «Inspirations» por el director británico Michael Apted, contando con Édouard Lock y Louise Lecavalier junto a otros como Roy Lichtenstein y Tadao Ando.

El Sr. Lock es Caballero de la Orden de Quebec desde 2001, Oficial de la Orden de Canadá desde 2002.

La historia de Legend Lin Dance Theater tiene mucho que ver con la historia de su directora artística y coreógrafa, Lee-Chen Lin. Graduada por la Chinese Culture University, la Sra. Lin fundó esta compañía de repertorio con el propósito de presentar espectáculos de gran formato que reflejaran el espíritu y la cultura de su nativa Taiwán. Inspirada por rituales de religión local y ritos ceremoniales, celebra los ritmos de la naturaleza y nuestro lugar formando parte de ella, la habilidad de Legend Lin Dance Theater radica en que mezcla unas imágenes estéticamente exuberantes con una brillante, original y exquisita coreografía que otorga un nuevo significado a la frase: poesía en movimiento.

En sus muchas apariciones en el extranjero, la compañía ha ganado el reconocimiento tanto de la crítica como del público. Con “Himno a las flores que se marchitan”, que rinde homenaje al ciclo de las estaciones y a los principios complementarios del Yin y el Yan, obtuvieron el Premio del Público en la 9ª Bienal de la Danza de Lyon en el año 2000. En 2001 se representó por 1ª vez en nuestro país en el Teatro Cuyás de las Palmas de Gran Canaria y batieron record de asistencia en el Festival de Otoño. Posteriormente se ha representado en el Teatro Nuevo Giovanni da Udine, Movimentos Internacionales TanzFestival en Wolfsburg, Dresden Ballet Gala, TanzFestival Bregenzer Frühling, Tanzsommer Innsbruck, The Association of Performing Arts Presenters en Nueva York y el Palacio de Bellas Artes en Méjico.

Un aclamado espectáculo en el Festival de Avignon en 1998, “Miroirs de Vie” estaba inspirado por el Jiao, una ceremonia Taoísta al aire libre celebrada durante el séptimo mes del año lunar en el Ghost Festival, en la que los enfadados espíritus de los muertos que no han sido atendidos son temporalmente aceptados a regresar al mundo de los vivos. Habiendo crecido en la ciudad portuaria de Keelung, donde el Jiao ha sido practicado durante siglos, la Sra. Lin ha sido testigo del poder y la belleza de esta apaciguada ceremonia y su “Miroirs de vie” es un tributo estético a su cultura tradicional local.

Una compañía de danza puede ser una institución – y después de 40 años es de hecho en lo que BJM se ha convertido -El Ballet Jazz de Montréal- pero ante todo, se trata de un organismo, y como cualquier organismo, envejece. Salvo que, a diferencia del común de los mortales, envejecer, para uno compañía de baile, es un motivo de alegría más que una fuente de ansiedad. En el precario mundo de las artes escénicas, donde las compañías, hasta las más exitosas, nacen y desaparecen, la longevidad es en sí una gran realización.

El BJM ha superado los más serios obstáculos estando siempre alertas, flexibles y abiertos a los cambios, sin dejar de ser fiel a la profunda convicción de que la danza, interpretada con pasión, posee el poder de encarnar el espíritu humano y elevarlo. Al contrario de lo que las críticas han a veces afirmado, eso no significa que el BJM sea una simple compañía popular, “a feel-good company”. Junto a los ballets modernos, optimistas y muy enérgicos que componen su repertorio, que cuenta con casi 120 obras, están las creaciones vanguardistas y desestabilizadoras que estimulan el espíritu y los sentidos. Sin embargo, es cierto que el Ballet Jazz de Montreal, más allá de su repertorio, está animado por el deseo de comunicar algo que sea verdad, de conmover a las personas y representar la danza como una fuerza positiva en nuestras vidas.

La compañía se incorpora en el año 1972 con el nombre de Ballet-Jazz Contemporáneo y el 22 de enero de 1973, un lunes nevoso, hace su debut oficial en el Teatro del Nuevo Mundo de Montreal. El BJM del 2012 es, a pesar de su vínculo genético, una compañía muy diferente a la de 1972. Es una compañía actual, compuesta por bailarines particularmente fascinantes que interpretan obras inimaginables hace 40 años. Sin embargo, en 1972, El Ballet Jazz de Montreal está en perfecta sincronía con el espíritu de su tiempo.

El Ballet Jazz de Montreal aparece en escena en una época en la que la danza en Montreal está esencialmente dividida entre el clasicismo del Gran Ballet Canadiense de Ludmilla Chiriaeff y las imperiosas exploraciones modernistas de las compañías más recientes, como las del Grupo Nouvelle Aire y el Grupo de la Plaza Real. El Ballet Jazz, identificado desde el primer como una compañía de amplio público, expone un punto de vista refrescante, dinámico y diferente.

UN TEXTO DE MICHAEL CRABB.

Fundado en 1957 por Ludmilia Chiriaeff, Les Grands Ballets Canadiens de Montreal desempeña un papel fundamental en la evolución de la danza canadiense. Se caracteriza por su habilidad inusual de mezclar la danza clásica con la contemporánea, gracias a su original repertorio. La compañía, bajo la dirección artística de Gradimir Pankov, ha conseguido una gran reputación internacional.

Les Grands Ballets Canadiens tienen en su historia actuaciones que han marcado un gran hito. Están basadas en importantes clásicos del siglo XIX, tales como Coppelia, Giselle y extractos de El Lago de los Cisnes. Sin embargo, a partir de los años setenta, el repertorio de la compañía empieza a incluir trabajos del siglo XX.

Junto a Fernand Nault, varios coreógrafos canadienses comienzan a trabajar con Les Grands Ballets Canadiens de Montréal; entre ellos cabe destacar a Brian Macdonald, director artístico de la compañía de 1974 a 1978, que creó importantes ballets folclóricos tales como Tam Ti Delam y Double Quatuor. James Kudelka, coreógrafo residente de 1984 a 1990, añadió al repertorio trabajos tales como In Paradisium.

Desde 1990, Les Grands Ballets Canadiens de Montréal han añadido a su repertorio un gran número de trabajos originales de grandes coreógrafos como: Edouard Lock; Jean Grand-Maître; Mark Morris, Nacho Duato; Jiri Kiylìan y Ohad Naharin, entre otros muchos. La compañía ha acogido a talentos tanto nacionales como internacionales.

GRADIMIR PANKOV – Director Artístico

Originalmente de Macedonia, Gradimir Pankov se ha dedicado a la danza durante más de 40 años. Después de una brillante carrera como bailarín en ex-Yugolasvia y Alemania, asumió sucesivamente el papel de director artístico en el Nederlands Dans Theater II (Países Bajos), en el Ballet Nacional de Finlandia, en el Cullberg Ballet (Suecia) y en el Ballet del Grand Théâtre de Ginebra. Gradimir Pankov ha sido también profesor invitado en algunas de las compañías de ballet más prestigiosas del mundo, particularmente el Ballet de la Opera Nacional de París, el Nederlands Dans Theater y el American Ballet Theater de Nueva York. Su trabajo como director artístico y profesor le ha dado la oportunidad de desarrollar lazos estrechos con muchos coreógrafos, incluyendo a Jirí Kylián, Mats Ek, Ohad Naharin y Christopher Bruce. Gradimir Pankov es director artístico de los Grands Ballets Canadiens de Montreal desde enero de 2000. Por su propia admisión, quiso convertir a los Grands Ballets Canadiens en una de las más excitantes compañías del mundo del ballet. Para hacerlo, planea reforzar la reputación de excelencia del grupo y crear un equilibrio entre ballet clásico y contemporáneo – entre respeto a la tradición y una voluntad de innovar.

Nacida en Montreal, Louise Lecavalier ha sido una bailarina profesional desde 1977. Se incorporó a La la la Human Steps en 1981, en “Oranges” en la que pasó a desempeñar cada una de la producciones de la compañía hasta 1999. En 1985 se convierte en la primera canadiense que consigue un Premio Bessie en Nueva York, por su actuación en Businessman in the Process of Becoming an Angel (1983) “. Ella protagonizó Human Sex (1985), New Demons (1987), Infante (1991), y finalmente en 2 (1995) y Salt (1998), trabajos en los que logró una notable madurez como artista. Como símbolo de la compañía durante dos décadas. Louise entregó su corazón y alma a su arte, expresando una danza llevada al límite con pasión y generosidad desenfrenada. Asimismo participó en todas las grandes colaboraciones de La la la Human Steps, incluida la gira de David Bowie “Sound and Vision” en 1990. Human Sex (1985), New Demons , The Yellow Shark concierto de Frank Zappa y Ensemble Modern of Germany en Otoño, 1992, y la película de Michael Apted “Inspirations” en (1996). En Mayo de 1999, Louise Lecavalier recibe el Premio Nacional A. Chalmers, el más distinguido premio de danza de Canadá. Era la primera vez que este premio era otorgado a un baliarín. En febrero de 2003, Louise recibió una subvención del Consejo de las Artes y las Letras de Québec. Regularmente da cursos de entrenamiento y clases magistrales en los festivales de danza en Europa, así como en la Universidad de Nueva York.

En 2003, Louise Lecavalier trabajó con el coreógrafo Tedd Robinson, quién creó “Cobalt rouge” para ella y tres bailarines masculinos. Esta obra fue estrenada en el Centro Nacional de las Artes y representada en el Teatro Outremont como parte del Festival de Montreal HighLights en febrero de 2005. Tras la creación del solo, «I» Is Memory, coreografiado por Benoît Lachambre en 2006, colaboró con el coreógrafo canadiense Crystal Pite para crear el solo, “Lone Epic”. Lone Epic, «I» Is Memory, y “Lula and the sailor”- un dúo de “Cobalt Rouge” – son los tres componentes de un programa de ha estado de gira por Canadá, Europa y Japón durante las temporadas 2006-2007 y 2007-2008. Louise Lecavalier está trabajando actualmente con Benoît Lachambre sobre la creación de un dueto titulado Is you me, que se presentará en Montreal y en Europa a partir de esta primavera.

España

Mónica Runde: objeto de creación, sujeto de inspiración Mónica Runde representa una excepción en el panorama de la danza contemporánea española. Su rigor, vigencia y creatividad se deben a unos presupuestos conceptuales que van más allá de la capacidad creadora y organizativa. Su trayectoria a lo largo de veinticinco años se basa en la profunda creencia de pertenecer al desarrollo del movimiento coreográfico madrileño, trascendiendo su localismo para asumir lo esencial de éste y trascender estos rasgos peculiares. De está manera navegó en un principio por los conceptos más esteticistas de la mis en scene de la nueva danza francesa sin esclavizarse a esta tendencia, desarrollando elegancia y exquisitez cómo podemos ver en la obra Haz de luz (1993) o Petrus (1996) en sus trabajos con la compañía 10&10 Danza junto a Pedro Berdayes (periodo 1989-2001).

Sus raíces germánicas la dotan, probablemente, de sensibilidad hacia el expresionismo y la danza teatro desde dónde elabora discursos paralelos que nunca cae en lo exagerado. Así el cuidado de lo dramatúrgico y del ritmo escénico se convierten en seña de identidad. Admirada también por los creadores y maestros de la danza iberoamericana, profundiza en aspectos más sociales y comprometidos, donde lo femenino se presenta y representa como algo central, tal y como se aprecia en la creación Hebras de mujer (2005) con la participación de Marcela Aguilar Su capacidad de sentirse parte de la llevan a desarrollar constantes iniciativas de colaboración con otras coreógrafas. Desde éste compartir Runde se renueva de manera constante como ocurre en Cartas al director (2009), obra crítica e irónica creada junto a Carmen Werner y Teresa Nieto.

Finalmente nos sorprende, en el momento de mayor madurez personal, con una obra que aparentemente vuelve al principio, al solo interpretativo, a la expresión máxima de individualidad. Pero no se dejen engañar: Episodios (Temporada 25) es un canto a la libertad y para demostrarlo se deja manipular, recrear, intimar y traspasar por otras miradas. Mónica Runde, objeto de creación, se vuelve sujeto de inspiración, y en una inesperada pirueta, se desprende de los manidos homenajes retrospectivos para entregarse como una niña en manos de los otros, sin ningún prejuicio ni condición. Materia creativa para otros, impone dulcemente su inmensa re-creación y pareciera que es ella quien coreografía la materia gris de Carmen Werner, Pedro Berdayes, Daniel Abreu, Luis Luque y de la dramaturgia de Carla Facci.

Creo que Episodios no es un solo… Es un regalo que resume y trasciende los principios de la danza contemporánea madrileña desde un sentimiento de colectividad, de cooperación, de inteligencia. Y Mónica Runde, tal vez sin saberlo, cómo en un juego de niños, se transmuta en intérprete coral y, sin renunciar a sus más íntimos y personales sentimientos, nos regala una obra calidoscópica, exigente, colectiva, solitaria y honesta.

-«Buenas noches, damas y caballeros, espero que hoy tengan una velada agradable, porque soy el Director de NEUER TANZ…En cualquier caso. Nos sentimos obligados a advertirles que algunas de las sensaciones, algunas de las reacciones físicas que los bailarines sentirán en escena, serán también experimentadas por primera vez en la historia de la danza por ciertos miembros del público. Digo ciertos miembros porque algunas personas son más sensibles que otros a estos impulsos misteriosos, electrónicos. Esta gente desgraciada, sensible, a veces sentirá un extraño hormigueo. Otros lo sentirán menos fuertemente. Ahora no se alarmen, porque ésta es la parte importante y realmente necesitan entender esto para comprender el espectáculo. Ahora presten atención, si en algún momento sienten un extraño hormigueo, pueden obtener un alivio inmediato gritando. No se avergüencen de abrir la boca y desenfrenarse, porque la persona que se siente al lado suyo, probablemente esté gritando también. Y recuerden, un grito, en el momento justo, puede salvar su vida. Éste ha sido un aviso de Forces Station, Radio uno, punto com. Utilicen tapones y escuchen atentamente.»

«El Club de Golf Cinillager está haciendo coacciones veraniegas dirigidas a niños, soldados y dependientes. Lo que hacemos es salir de noche. Está muy oscuro y jugamos al golf usando una especie de…bolas de golf luminosas…El golf nocturno es uno de los deportes que crece más rápido en el ejército, ¡y a los niños les encanta! Oh, lo que hacemos cuando acabamos es una barbacoa, nos sentamos alrededor de la hoguera y cantamos canciones.»
-«Amnistía para las armas, Amnistía para las armas.
La gran amnistía para las armas del BFG está lista para sus armas ilegales durante septiembre. Llévelas a su estación de policía militar más cercana, al juzgado. La gran amnistía para las armas del BFG, Deshágase, Sin nombres, Sin hacer preguntas.»

-«Me puedes llamar tonto del culo, pero deletrea bien mi nombre, NEUER TANZ.Com.»

-«Este momento se lo ha ofrecido la Forces Station NEUER TANZ.Com. Esperamos que pueda olvidar sus problemas, póngase cómodo, ¡relájese y disfrute esta PRODUCCIÓN DE DANZA amorosamente construida!»

El Out Innerspace Dance Theatre (OIS), con sede en Vancouver, fue fundado por David Raymond y Tiffany Tregarthen en tierras indígenas no cedidas de los pueblos Coast Salish y lleva más de 10 años dedicado a crear experiencias de danza extraordinarias a través de un rigor sin concesiones y un ingenio sin reservas. Las creaciones de OIS han realizado giras nacionales e internacionales durante 8 años. Sus obras han sido galardonadas con The 2014 CanDance Creation Fund, The 2019 Crystal Dance Prize y Artista Asociado de Agora de la Danse en Montreal para los próximos 3 años. Entrando en su 17º año de colaboración, David y Tiffany están creando obras para Ballet BC (Canadá), Netherlands Dance Theatre 2, Hessisches Staats Ballett (Alemania) y LUCODA Collective (Luxemburgo). Bygones ha sido invitada a Tanzmesse (Düsseldorf), Julidans (Ámsterdam), Torino Danza, Teatro de Friburgo, Cinars (Montreal), Festival Milanoltre (Milán), Centro Nacional de las Artes de Canadá y salas de Francia, Hungría, Corea del Sur y todo Canadá. Su programa educativo Modus Operandi ofrece un desarrollo relevante de la danza y una tutoría individualizada que genera algunos de los jóvenes artistas de la danza más radicales e inspirados de Canadá.

«La danza es atlética, satisfactoria y lograda. La visión de Tregarthen y Raymond es asombrosamente original… abstracta, visceral y desafiante. Es danza contemporánea audaz y emocionante». – Times Colonist

Sudáfrica

Una irónica y cómica visión de cómo África hace que cobre sentido la ópera y el arte del «primer mundo», creando imágenes gracias a objetos simples, y dando la vuelta al sentido de sus célebres arias. Se pregunta sobre el sentido de la ópera vista por una africana (aunque ésta sea de raza blanca). Otra forma de desembalar Europa apuntalando sus valores. Pero, también, una forma nueva de comprender África o un desempaque de Europa; o una forma de entender África.

El teatro está desnudo, sin atrezo, sin accesorios. Una figura silenciosa, que luce un elegante traje de noche – que en su primera vida fue un viejo jersey de una tienda de segunda mano del centro de Johannesburgo aparece de la oscuridad llevando una pequeña vela posada sobre una tabla a modo de patíbulo, sobre su cabeza. La figura camina hacia el público, mientras balancea esta tabla, con una barra de pan blanco bajo su brazo. Se detiene en su camino, deja caer la tabla delante de ella y sitúa la barra de pan sobre su cabeza mientras canta el famoso solo tenor O Sole Mio.

En esta pieza, When I take off my skin… , cantantes de ópera sudafricanos interpretan varios extractos muy conocidos de la ópera del «primer mundo», como simple atrezo que ofrecerá un significado diferente a estas tan bien conocidas piezas.

Robyn Orlin

España

El término danzaora nació de la necesidad de definir la expresión de un nuevo lenguaje en el universo de la danza y del baile: el lenguaje danzaor de Rocío Molina.

No se trata solamente de un titulo o de un espectáculo, se trata de un lenguaje personal que es capaz de integrar distintas escuelas artísticas como el baile flamenco, la danza clásica, el baile clásico español o las escuelas de bailes bolera y folclóricas populares, pero que no debe confundirse con la danza contemporánea.

Si llamáramos a Rocio Molina bailaora la definición sería injusta por incompleta e inexacta. Solo la definiríamos a medias puesto que el peso de las escuelas de danza en su expresión es muy poderoso. Y si, por el contrario, la definiéramos como danzarina o bailarina ensombreceríamos la riqueza de su condición y formación flamenca.

La danzaora es capaz de asimilar todas estas fuentes e integrarlas de manera original armoniosa y estética, basándose en las interrelaciones que existen, o se pueden establecer, entre sus elementos de origen.

“El todo es mayor que la suma de sus partes” (Aristóteles).

Danzaora es más que una escuela, es una actitud, una filosofía que concibe el universo bailable o danzable desde un punto de vista holístico, es decir, donde son tan importantes los elementos que lo componen como la interrelación e integración que se establece entre ellos para crear ése todo, ése nuevo universo, ese nuevo lenguaje; un lenguaje que resume así su mirada personal en el baile y en la danza. Ahora existe también el reto de ir un poco más allá, de trabajar sobre la deformación de la técnica para tomar más conciencia de su lenguaje. Siempre investigando con actitud integradora y con la vista puesta en los orígenes y la historia. Quizás ahí esté la clave que explique cómo alguien tan joven puede transmitir esencias tan añejas y tan originales.

Ana Olabarria. Noviembre 2010

Con este proyecto abierto, Rocío Molina se toma la libertad de presentar sus nuevas ideas, a medida que surgen, en cada actuación, sin el compromiso de presentar un trabajo cerrado

El grupo israelí Sheketak fue fundado en 1997, por Danny Rachom y Zahi Patish.

La palabra sheket en hebreo significa silencio, y el sonido takes lo que se obtiene al tocar un tambor (darbuka o tabla, importante instrumento de percusión dentro de la música árabe) con la mano izquierda.

Sheketak es también una de las muchas frases “similar-sonido” utilizadas cuando Danny y Zahi se comunican mientras trabajan en la combinación de movimientos y la creación de sonidos y ritmos.

El grupo Sheketak comenzó con cinco miembros, todos hombres. Hoy en día cuentan con 20 artistas, hombres y mujeres, de distintas áreas. La compañía reside en Tel Aviv, Israel, dónde tiene un estudio de danza, oficinas y una instalación para grabación/vídeo y edición. El primer show que fue creado por Danny y Zahi combinó en vivo, música, danza, ritmo y mucha energía.

El espectáculo se convirtió en un éxito internacional y sus creadores idearon más programas, trabajos para la televisión, teatro y eventos en vivo en todo el mundo.

En 2003, Danny y Zahi crearon Rhythm in Motion, un gran espectáculo con doce artistas, que combina también videoarte y efectos especiales.

Rhythm in Motion y otros proyectos de Sheketak se han presentado exitosamente en más de 30 países.

Los creadores de Sheketak y el propio grupo fueron nominados y ganaron varios premios en Israel y en el extranjero, como son: The Young ArtistAward, Premio Teatro Israelí, LEAAward, en Alemania, y muchos más.

Sheketak fue el grupo elegido por el Ministerio de Relaciones Exteriores de Israel para realizar y representar al país en la Expo de Shanghai, en 2010, y en la Expo de Corea del Sur, en 2012.

El grupo de bailarines y músicos participan regularmente en diversos proyectos, entre los que se cuentan: El rey Salomón y Shalmai el zapatero, en el Habimah (Teatro Nacional de Israel), exhibiciones y eventos en todo el mundo, así como programas de televisión.

El estudio que sirve a la compañía se alquila para clases de baile, Yoga, etc. El estudio de grabación permite a los creadores de Sheketak trabajar en diversos proyectos y también crear y editar para otros artistas y organizaciones. Entre estos se encuentran “Habima National Theatre”, “The Kameri Theatre”, “Belt Lesin Theatre”, el Ministerio de asuntos exteriores de Israel, “Massua Museum”, varias compañías de producción y creadores de danza y de teatro independientes.

Sutra, la premiada colaboración entre el coreógrafo Sidi Larbi Cherkaoui, el escultor Antony Gormley y 19 monjes Budistas del Templo de Shaolin en China, es un impresionante espectáculo de gran componente físico que explora la filosofía y la fe que impulsa a la tradición Shaolin y su relación con el kung fu en un contexto contemporáneo.

Con el asombroso set compuesto con 21 cajas de madera de Antonio Gormley y la interpretación en vivo de la música especialmente pensada por el compositor polaco Szymon Brzóska, Sutra es un trabajo incomparable que ha atrapado los corazones y alimentado la imaginación de personas en todo el mundo, como una de las producciones escénicas más sofisticadas. Una verdadera obra de arte.

La creación es una de las habilidades humanas más básicas. Ante el aburrimiento, la creación nos agita; cuando perdemos el rumbo, la creación nos señala el nuevo camino. En el proceso creador superamos de alguna manera las barreras que nos retienen en la vida cotidiana y nos superamos a nosotros mismos. TAO Dance Theater se creó en marzo de 2008 en Beijing y, a pesar de que somos individuos, nos hemos juntado por un deseo común; el de utilizar el cuerpo para la creación. Cada cuerpo tiene sus secretos que lo hacen único, y a través de una investigación corpórea rigurosa y sincera esperamos poder estirar los contornos de la carne. En este proceso de excavación esperamos descubrir las posibilidades desconocidas del cuerpo. Esta exploración del cuerpo y sus posibilidades es sagrada para nosotros, ya que en el proceso de la utilización del cuerpo para crear hemos encontrado nuestra propia fe. En nuestra búsqueda de lo corpóreo nuestro espíritu se ha liberado.

Tao Ye

Desde su fundación en 2008, TAO Dance Theater ha revolucionado el panorama de la danza en China. La compañía ha colaborado con artistas de primera línea chinos procedentes de diversos géneros incluyendo teatro, música experimental, cine, artes visuales e instalaciones. TAO ha destacado tanto en actuaciones como en coreografía y en la enseñanza en residencias por todo el mundo, incluyendo Sadler’s Wells (UK), Europalia (BE), M.A.D.E. Festival (SE), Singapore Arts Festival, Fall for Dance (US), American Dance Festival (US), Lincoln Center Festival (US), y Spring Dance Festival en la Òpera de Sydney(AU).

El fundador Tao Ye ha bailado con Jin Xing Dance Theater en Shangai y después en la Beijing Modern Dance Company hasta que decidió trabajar por su cuenta. El bailarín Wang Hao, especialista en danza folclórica mongol y graduado en la Central University of Nationalities Dance Academy, le acompañó para fundar TAO Dance Theater en 2008. Duan Ni bailó con dos leyendas de la danza moderna- Shen Wei (US) y Akram Khan (UK)- antes de regresar a China para trabajar en exclusiva con Tao Ye. En la actualidad, los bailarines llegan de distintos lugares de China para aprender de la compañía su técnica de movimiento única.

Los artistas de TAO no se dejan llevar por la “moda China” ni por las tentaciones de una vida en el extranjero, centran toda su energía en su trabajo. Cada uno posee una técnica y un virtuosismo de alto nivel, pero no están interesados en el truco ni el artificio. Al contrario que muchas líneas de coreografía chinas, Tao Ye evita modas representativas o narrativas, está explorando la forma como un contenido, investigando la interacción musical y física y experimentando con el minimalismo así como la densidad de las pautas del gesto y las variaciones de la locomoción.

Tao Dance Theater es una educación en danza devota que ha sido invitada a enseñar en la Central University of Nationalities de China, Beijing Languages University, Shaanxi Normal University, Yan’an University, International School of Beijing, Henny Jurriens Stichtin en Amsterdam, Dance en Olten Festival en Suiza, entre otras escuelas, universidades y festivales. Asimismo ofrecen clases y talleres, entre otros lugares, en la Beijing Dance Academy, Chaoyang District Culture Center, Beijing Contemporary MOMA Art Center, y ULLENS Center for Contemporary Art (UCCA) en Beijing.

Tao Ye: Director Artístico/Coreógrafo

Tao Ye se graduó en la Chongqing Dance School en Chongqing, China. Tras haber bailado con la Shangai Army Song & Dance Ensemble, se unió al Jin Xing Dance Theater en 2003, donde permaneció hasta 2006. En 2004 empezó a coreografiar sus propias piezas y junto a sus cinco artistas independientes cofundó la compañía “Zuhe Niao” con base en Shanghai, cuya primera producción fue Tongue’s Memory of Home. En 2005, el dueto de Tao One Person fue interpretado en el Shangai Arts Center. Tao se unió a la Beijing Modern Dance Company (BMDC) en el año 2006 participando en giras nacionales e internacionales. Como miembro de la BMDC, coreografió el dueto masculino In•In en el 2006, así como el trabajo de la compañía Fantasy en el 2007.

En marzo de 2008 fundó TAO Dance Theater. Sus piezas capitales son Weight x 3; Sketch; moment; left & right; 2; 4. En 2011 fue invitado como coprotagonista en el filme The Blue Bone, de Christopher Doyle (Du Kefeng), dirigido por la leyenda del rock Cui Jian. En 2012 la revista de estilo masculina líder en Asia, Men’s UNO, premió a Tao Ye con el premio a la Elegancia 2012, y Sadlers Wells le nombró como uno de sus artistas “New Wave Associates”.

Liderando una compañía de once bailarinas y bailarines, la sudafricana Dada Masilo, una de las bailarinas coreógrafas jóvenes más célebre de su país, se apropia de este gran clásico, con sus temas, la música de Tchaïkovski, sus tutús y sus zapatillas de punta. Ella “sudafricaniza” el ballet, pero desde un profundo respeto, dándole un nuevo soplo y una nueva vida al cruzar la cuestión de los sexos, los géneros y la homofobia en un país devastado por el SIDA.

Esta relectura del “Lago de los cisnes” ha triunfado en la Bienal de danza de Lyon y después en el Musée du quai Branly, gracias a una coreografía que mezcla virtuosamente la danza de puntas y la danza contemporánea con poderosas influencias africanas. Los solos de Dada Masilo son sencillamente asombrosos. Swan Lake es la revisión apasionada de una pieza inolvidable, repleta de danza jubilosa, inteligente, explosiva y con buenas dosis de humor.