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Obra de juventud de Anton Chéjov titulada Pieza inacabada para un piano mecánico.
Texto teatral desaparecido durante años y considerado inacabado por el propio autor, y que, con un título provisional, apareció en 1922, en una caja fuerte de un banco de Moscú.
Platonov es una obra sobre la caída de un hombre y sobre la extinción de un mundo.
Pieza primeriza y ya magistral, Chéjov descubre en ella personajes, espacios, atmósferas y tensiones que dominarán sus obras de madurez. Pero Platonov está atravesada por una línea de fiebre, de locura, de vértigo, que le da un carácter singular frente al posterior teatro chejoviano. La febre de un hombre que viaja hacia el abismo y que arrastra con él a cuantos se cruzan en su camino.
Platonov es un fresco apasionante donde los personajes sienten el dolor de vivir como en las grandes obras posteriores. Un gran teatro del mundo donde aparecen todos y cada uno de los prototipos sociales y culturales de la sociedad rusa de fnales del XIX. Un mundo en el que, bajo los barnices de la buena sociedad, los seres humanos se devoran los unos a los otros. Un mundo que sueña con durar para siempre pero que está mortalmente herido, mortalmente enfermo y que tendrá que desaparecer violentamente.
JUAN MAYORGA / GERARDO VERA
Declan Donnellan es director, escritor y dramaturgo. En 1981 fundó, junto con el diseñador Nick Ormerod, la Compañía Cheek by Jowl que se convirtió en poco tiempo en una de las más importantes del teatro inglés contemporáneo. Se ha presentado en más de cuarenta países y ha recibido numerosos premios internacionales.
Donnellan quería ofrecer al público británico obras de autores clásicos europeos que nunca se habían presentado en el Reino Unido como Adrómaca de Racine, Un asunto de familia de Ostrovosky, Sara de Lessing, El Cid de Corneille, Fuente ovejuna de Lope de Vega y Peer Gynt de Ibsen. También produjo diversas piezas de Shakespeare. Este artista fue, además, Director Asociado del Royal National Theatre, Director Fundador de la Royal Shakespeare Company Academy de Stratford Upon Avon y ha trabajado con importantes compañías internacionales como director invitado. Rusia ha sido su hogar espiritual, siendo varias las producciones que ha realizado allí a pesar de no hablar ese idioma. En el pasado Festival Iberoamericano presentó Boris Godunov de Pushkin, obra que estrenó en el Teatro de Arte de Moscú con la Confederación Internacional Rusa de Asociaciones de Teatro.
El Festival de Teatro Internacional Chekhov
Desde su creación por la Confederación Internacional de Asociaciones Teatrales en 1992, el Festival de Teatro Internacional Chekhov ha crecido hasta convertirse en uno de los eventos teatrales más importantes y prestigiosos del mundo.
En el transcurso de seis festivales en Moscú, el programa ha dado una plataforma al trabajo de directores tan diversos y eminentes como Robert Wilson, Tadashi Suzuki, Heiner Goebbels, Peter Fomenko, Luc Bondy, Peter Stein, Giorgio Strehler, Eimuntas Nekrosius, Robert Sturua, Luca Ronconi, Theodoros Terzopoulos, Bartabás, Simon McBurney y Declan Donnellan.
El festival también aspira a apoyar y desarrollar el trabajo de practicantes rusos emergentes, y respalda el trabajo pionero y experimental a través de su Programa Experimental y de Juventud.
El festival más reciente (en 2005), fue un escaparate para el Théâtre de Complicité, para las New adventures de Matthew Bourne, para el Cloudgate Theatre de Taiwán, para una nueva producción de Psicosis 4.48, de Sarah Kane, y para la producción en lengua rusa -encargada especialmente- Las tres hermanas, de Chekhov, dirigida por Decían Donnelian.
El Festival Chekhov trata de capturar y celebrar el espíritu único del teatro ruso y promueve Moscú como fuerte candidata a ser capital teatral del mundo.
“Este tipo de forum teatral es ante todo una necesidad para nuestro propio arte escénico, pues ayuda a nuestros profesionales teatrales a identificar su posición y a sí mismos dentro del proceso teatral del mundo.
En 1993, cuando Robert Lepage propuso a sus colaboradores encontrar una nueva identidad a su próximo grupo de trabajo, puso una condición; la palabra teatro no debería aparecer en el nombre de la nueva compañía.
Así, Ex Machina es una compañía multidisciplinaria que aglutina a comediantes, autores, escenógrafos, técnicos, cantantes de opera, marionetistas, infografístas, cameraman video, productores de películas, contorsionistas, acróbatas y músicos.
Los creadores de Ex Machina creen que el teatro necesita sangre nueva. Sostienen que es necesario mezclar las artes de la escena como el baile, el canto lírico y la música, con las artes de grabación como el cine, el video y el multimedia. Que es necesario provocar encuentros entre científicos y autores dramáticos, entre pintores de decorados y arquitectos, entre artistas extranjeros y quebequenses.
Nuevas formas artísticas surgirán, sin duda, de esas confluencias. Es el desafío que hace Ex Machina : llegar a ser el laboratorio-la incubadora-de un teatro que pueda interpelar a los espectadores del nuevo milenio.
El estilo creativo de Robert Lepage se basa en la intuición y da mucha libertad a los comediantes, diseñadores y técnicos que juntos inventan los espectáculos.
Las confluencias culturales, la diversidad de experiencias y el carácter barroco constituyen el centro mismo del trabajo de Lepage. Esta tendencia tiene una resonancia en el proceso de creación que, en vez de fundarse en temas, en principios y en sujetos, mas bien hace uso de todo tipo de recursos: objetos, lugares, anécdotas, acontecimientos históricos o de otro tipo, recuerdos…
La libre asociación de ideas permite a los creadores descubrir relaciones poéticas entre estos elementos aparentemente discordantes. Los espectáculos se desarrollan de una manera orgánica, como un árbol que ve sus ramas crecer en direcciones inesperadas…
A menudo, los resultados tienen características similares: un marco visual influenciado por el cine, un sentido del ritual (Lepage cree que el teatro es un lugar de comunión) cuya forma esta particularmente desarrollada, ya que todos los tipos de elementos habitualmente decorativos se ven de repente cargados de sentido o de emoción.
La compañía nace del deseo de continuar desarrollando proyectos artísticos que profundicen el «Teatro de la caricia», la técnica del gesto invisible y del estado de ligereza.
A lo largo de los años, estos conceptos han generado una estética particular que se manifiesta en todas las dimensiones: un estilo de creación y de puesta en escena, una manera particular de concebir la producción, una filosofía de entrenamiento para el actor, el acróbata, el músico, el bailarín y el técnico, así como un planteo en cuanto a la forma de habitar el espacio y de recuperar la memoria que hace surgir la nostalgia y puede conmover.
En octubre de 2012 Daniele gana el anillo Hans Reinhart, el más importante premio teatral Suizo. El 2012 es el año de la creación del espectáculo La Verità, un espectáculo que se encuentra en gira internacional. En 2014 Daniele crea y dirige la Ceremonia de Clausura de los Juegos Olímpicos y la Ceremonia de Apertura de los Juegos Paralímpicos de Sochi, Rusia.
Entre tantos proyectos Daniele continúa viajando por el mundo con su espectáculo Ícaro. Actualmente está trabajando en su primer guión de película, Piazza San Michele, producido por Julie Hamelin Finzi. Tantos otros grandes proyectos están en carrera, entre ellos una nueva creación clownesca. Se llama Bianco su Bianco y debutará en octubre de 2014. Daniele fue además elegido para crear y dirigir la próxima edición de la Fète des Vignerons 2019 en Vevey, Suiza, un evento organizado cada cuarto de siglo de siglo el cual atrae a miles de espectadores.
Review of Flute Theatre’s Hamlet, Who’s There?
April 24, 2016 Last updated: April 25, 2016 12:41 pm By Chris Omaweng
Hamlet without an interval? To quote another of the Bard’s plays, King Lear, “O, that way madness lies,” a phrase, that in this powerful and intense adaptation from Flute Theatre, proves in the end to be rather more apt than I could ever have envisaged. Hamlet, Who’s There? shines through in the plethora of Bard plays and Bard adaptations touring the country (and, in this case, four others as well) as part of #Shakespeare400. So much is stripped away that there is neither Rosencrantz nor Guildernstern nor Horatio. Except there is, sort of, but I won’t give too much away. Polonius (Steven Beard) is either relieved or deprived, depending on your point of view, of those long, unwieldy ramblings where he uses far more words than is necessary.
And why not? After all, Hamlet is rarely performed in its actual entirety, not least because there is some debate amongst those whose job it is to care about such matters as to what precisely the entirety of Shakespeare’s Hamlet strictly is: various scholars differ as to whether a properly ‘full’ Hamlet would take four or five hours to perform. Either way, most ‘straight’ productions will at the very least excise the odd scene here and there. This adaptation is almost ruthless, but it works. It’s not minimalist, partly because it isn’t afraid to depart from the original text, while retaining more than enough familiarity with the said original. The audience is not left thinking, “That’s not how the story goes!” regardless of how radical the differences become. And it’s partly because this tight cast of just six are so thoroughly engaging, both individually and collectively, and provide intriguing alternative interpretations of such well-known characters.
I must reassure purists that this is all far from disastrous – quite the opposite. This production is the best Hamlet, adapted or not, I have come across to date (I have even seen a rock musical adaptation), and is certainly far better, both dramaturgically and in its casting quality, than the famed ‘Hamlet at the Barbican’ in 2015. All five soliloquies spoken by Hamlet (an utterly mesmerising Mark Quartley) are retained. Those familiar with the story will be able to work out which scenes are excised completely and which are combined, while those coming across the story for the first time need not read up about it beforehand. It is accessible Shakespeare at its finest.
Again and again I found myself impressed at quite how this show manages to keep so much of the main story with such few cast and such little set. While it is a fast-paced production, it is never rattles through too quickly, with scene changes so incredibly smooth and unobtrusive. The whole play flows beautifully.
Quartley’s Hamlet is sometimes still, sometimes running about frantically, and devoid of the various minor characters that may or may not have influenced his mind and behaviour, he is left both vulnerable and on his own. The exploration of his mental state is deep and vivid.
Finlay Cormack plays a more mature and subtle Laertes than I have seen elsewhere – and proves, for reasons I will not reveal here, a highly skilled drummer – though even in this adaptation he still refuses to play the pipe for Hamlet, having “not the skill”. Tom Mannion’s Claudius is profoundly more considerate than threatening, but nonetheless a credible antagonist. Gertrude (Kelly Hunter) and Ophelia (Francesca Zoutewelle) become magnified roles, perhaps because there are so few characters in total; it would seem that cutting them out of the plot was a step too far even for this production.
There’s nothing out of place in this charismatic and energetic show, which turned out to be an incredible experience from start to finish. I sincerely hope this isn’t the last time this production is performed on British shores; this fresh and vibrant tour-de-force spectacle truly deserves to be seen by a much wider audience. An absolute triumph.
En 2007, Grupo Galpão completó veinticinco años de actividad teatral ininterrumpida. En este cuarto de siglo, fueron muchos logros – el grupo se ha consolidado como una referencia en el mundo teatral en Brasil.
Desarrollando un teatro de investigación, o Galpão se constituye como un grupo de actores que invita a los diferentes directores para sus montajes. Su lenguaje de trabajo es el resultado de esta serie de reuniones con directores como Fernando Linares, Polika Paulinho, Ribeiro Eid, Gabriel Villela, Carvalho Caca, José Pablo, Ulises Cruz, Paulo de Moraes y muchos otros.
Los encuentros con grupos y movimientos teatrales difundidos por las cuatro esquinas del país, también eran esenciales para la creación de Galpão. Desde su formación, el grupo, siempre ha buscado las raíces de un teatro popular y de calle. Hoy en día es el grupo que más circula por el país y que es capaz de llegar a todas las regiones del norte hasta el sur de Brasil, y ha actuado en 17 países europeos, Estados Unidos, Canadá y América Latina.
Handspring Puppet Company fue fundada en Cape Town en 1981 por Basil Jones y Adrian Kohler. El enfoque original de la compañía fue la creación de nuevas obras sudafricanas para niños y durante los primeros cinco años estuvieron de gira con espectáculos educativos por las escuelas primarias de todo Sudáfrica. En 1986 se trasladaron a Johannesburgo y comenzaron a trabajar en la televisión educativa para niños. Entre 1990 y 1995 produjeron Spider’s Place, un programa multimedia de educación con un alcance con desarrollo.
Sin embargo, la Handspring siempre sintió el desafío de desarrollar un público adulto para el teatro de marionetas y por tanto, comenzaron a hacer talleres por la noche para adultos.
El primer paso en este territorio virgen fueron episodios de un alzamiento de Pascua en 1995 que tuvieron lugar en Cape Town, Grahamstown y Johannesburgo.
La compañía estuvo sorprendida y encantada con el fuerte apoyo que la producción recibió del público adulto y la prensa. Esto fue clave para sus trabajos de teatro futuros.
La exposición de teatro internacional de marionetas en el 7º festival internacional de teatro de marionetas de Charleville-Mezieres en 1985 reforzó su decisión de trabajar para el público adulto.
Su primer éxito internacional vino en 1991 con Starbrites dirigido por Barney Simon, que estuvo de gira en Europa y tuvo una temporada en Londres. En 1992 empezaron a trabajar con el artista William Kentridge. Su primera colaboración, “Woyzeck on the Highveld” gano muchos galardones en Sudáfrica y fue aclamado por festivales en todo el mundo. Desde entonces la compañía ha colaborado con Kentridge en diversas otras producciones multimedia.
La rica vida teatral que existió en Johannesburgo a finales de los 80 y 90 le dio a Handspring muchas oportunidades de trabajar con los mejores directores de Sudáfrica. Cada uno provocó nuevas e inesperadas formas de hacer y trabajar con marionetas. Sin embargo algunos de los cambios surgieron del trabajo con diferentes materiales y la demanda de la actuación. Para poder manipular las marionetas con más facilidad el peso fue un gran criterio.
Durante las actuaciones para niños este problema fue resuelto en gran parte por utilizar poliésteres cubiertos por capas de papel. Sin embargo Adrian (el diseñador de marionetas) siempre pensó, que esto era un material “antipático”.
Con la colaboración de Kentridge apareció la madera tallada, material con el que creció como titiritero jovencito, y pareció ser el material más apropiado, pero era difícil de tallarlo en las formas deseadas y no superar cierto peso.
Desde entonces una empresa central de diseño se ocupa de hacer este pesado material suficientemente ligero para que los titiriteros pudieran soportar el peso de las marionetas durante las funciones de 90 minutos. Cabezas de madera sólidas son talladas y abiertas por la mitad y vaciadas hasta dejar una estructura “craneal” de 4mm de grosor. Los cuerpos están hechos de una ligera capa. En “Tooth and Nail” Adrian dejó ver esta estructura esquelética a la audiencia y desde entonces sigue desarrollando este estilo.
En el proyecto “The Chimp” todas las marionetas, tanto las humanas como las de animales, tenían estructuras esqueléticas cubiertas de gasa. El resultado fueron marionetas completamente tridimensionales y ligerísimas cuya transparencia evocaba algo fantasmagórico que resultó muy adecuado para esta obra.
Handspring cumple ahora 21 años. Una exhibición celebratoria de sus marionetas en forma de una gira nacional empezó en 2002 en “The South African National Gallery” en Cape Town. Handspring es una compañía de tamaño moderado dirigida por Adrian Kohler y su socio Basil Jones. Actualmente tiene su sede en Kalk Bay, cerca de Cape Town donde está la oficina y organizan talleres. La compañía proporciona una base profesional para un núcleo de actores, diseñadores, artistas de teatro y técnicos que colaboran con ella en diferentes proyectos.
TODO PUEDE PASAR
No tengo ninguna directiva particular ni instrucción manual de cómo las cosas deberían estar hechas. Simplemente sé que hay algo dentro que necesito dejar salir y dejar que eso suceda en público, en frente de todos. Si tuviese que escribir un manifiesto, lo llamaría «Todo puede pasar».
Esto es en lo que creo y esas palabras imploran que me aproxime al mundo y mi profesión, que es difícil de definir con la mente abierta.
En primer lugar soy actriz, pero podría ser bailarina, pintora o un músico. Me convertí en actriz por accidente, gracias a la gente maravillosa que he encontrado – otros artistas que me ayudaron, me inspiraron y me enseñaron tanto.
He colaborado en la creación de varios espectáculos, actuaciones y películas. Todos esos proyectos eran aventuras únicas llenas de peligro, accidentes y placer. Todo eso me afectó de alguna manera, y con los años aprendí a valorar las cicatrices que cada uno dejó en mí, es como vivir con heridas de guerra.
Durante muchos años fui invitada a trabajar de cerca con Robert Lepage. Su voluntad de tomar riesgos y el talento para realizar proyectos ambiciosos, aparentemente imposibles de lograr, me mantuvieron siempre despierta. Me encantaba ser más atrevida con él, y una y otra vez mi espíritu pionero se despertaba y mi convicción de que un artista tiene que ser un aventurero se reforzó. Desde entonces, he seguido siendo fiel a mis convicciones y he evitado el confort que es el opio de los ricos.
Gracias a la creación de la compañía Infrarouge en el año 2001, me he proporcionado una plataforma que me permite continuar produciendo y creando de forma independiente. Ahora estoy en posición de poder invitar a los artistas para que se unan a mí en el trabajo en algunos proyectos. Son escritores, directores de vídeo, directores de fotografía, músicos, diseñadores de iluminación, escenógrafos y bailarines. Con su talento y colaboración soy capaz de crear las ideas raras e indefinidas que germinan en mi alma. Junto con ellos, intento a crear formas en el espacio que raramente se han visto antes.
Dándole al sonido y a la luz una posición real, somos capaces de crear y recrear en cada actuación momentos que solo pueden tener lugar en tiempo real, en el aquí y ahora.
Marie Brassard
Jakop Ahlbom ha trabajado durante años en su marca teatral única, en la que se unen el teatro, la mímica, la danza, la música y el mundo de las ilusiones como si fueran una. Con su manera fragmentaria de trabajo y su propia mezcla de disciplinas crea imágenes más inmensas que el teatro.
Ahlbom (Suecia, 1971) se instaló en los Países Bajos en los años ’90 para asistir a la Theatre School (Mime) en Amsterdam. En 1998 ganó el premio Top Naeffprijs como alumno más prometedor. El jurado de dicho galardón le describió como un talento entregado, sorprendente y exuberante. Después de graduarse, Jakop trabajó con una gama de individuos únicos y con grupos entre los que se encuentran Karina Holla, Roy Peters, Alex d’Electrique, De Daders, Nieuw West, De Groep van Steen, de PeerGroup/ZappSnacks, Orkater, como coreógrafo en el het Ro Theater y como director en Unieke Zaken. En el 2000 creó la representación STELLA MARIS bajo el amparo del Het Veemtheater en Amsterdam.
Desde entonces ha estado trabajando bajo su propio nombre, construyendo un cuerpo de trabajo distinguido y original.
NUR ZUR ERINNERUNG (2002), LOST (2004), VIELFALT se representaron en los Países Bajos en 2006 así como en Suecia, Dinamarca, Rumanía, Suiza, Alemania y Bélgica en el 2007. DE ARCHITECT (2008) e INNENSCHAU (2010) se representaron en los Países Bajos, Finlandia y Austria. Su estilo es una fusión de elementos emergentes del mundo de la mímica, del teatro, de la danza y del ‘ilusionismo’ que se conjugan en un lenguaje de teatro de firma única. Las creaciones de Jakop Ahlbom han sido propuestas y seleccionadas tanto para galardones nacionales (Dutch Theatre Festival) como para galardones internacionales (Salzburger Festspiele).
Desde Enero de 2009 la Performing Arts Fund NL+ le concedió un subsidió de cuatro años para compañías de teatro. Esto le dio la posibilidad de afianzar su posición única en el mundo del teatro holandés así como de introducir nuevas producciones, hacer la transición para públicos más grandes y construir un grupo permanente de actores con los que trabajar. Este subsidio le da la oportunidad ideal para adaptar sus producciones para escenarios internacionales.
La nueva pieza de Ahlbom LEBENSRAUM está inspirada por la obra del actor y director Buster Keaton, pionero en el slapstick y en la comedia física. Por aquel entonces las películas mudas de Keaton estaban acompañadas por música de piano clásico. En la obra LEBENSRAUM Reiner Schimmel, Silke Hundertmark y Jakop Ahlbom están acompañados en directo por Ralph Mulder y Leonard Lucieer y la banda Alamo Race Track. En contraste con el sonido de los años ’20, Alamo y Jakop Ahlbom crean una escenografía moderna pero siempre manteniendo en mente el estilo convencional de los años ’20.
La colaboración previa de Ahlbom y Alamo Race Track en la obra INNENSCHAU culminó en la realización de un CD especial, “Unicorn Loves Deer”, nominado para el galardón 3voor12 en 2011.
Este año Ahlbom recibió una invitación para dirigir la ópera Les Contes d’Hoffman con la Deutsche Oper in Berlin, que se estrena en 2013. En otoño está dirigiendo la obra teatral BUG, pieza del escritor Tracey Letts, protagonizada por Tamar van den Dop y Bram Coopmans. Para 2014 Ahlbom está creando LEBENSRAUM II, con 20 artistas de la escuela de arte y mímica, danza y teatro. Le seguirá el HORROR EVIL ED, un homenaje al género del horror.
Desde 2012 es un artista asociado del ICK/EmioGrecoPC y miembro del consejo artístico, lo que le lleva a una coproducción para el año 2015 con el grupo de ópera Lumpy Gravy con música de Frank Zappa.
A comienzos del año 2013 la Performing Arts Fund NL+ le ha vuelto a otorgar el subsidio de cuatro años para las compañías de teatro.
La Compañía de Jo Stromgren
La compañía se fundó en 1998 en Bergen, Noruega. A pesar de provenir de un país pequeño y desconocido para algunos, desde los inicios ambicionó una audiencia internacional. Muchos pensaban que tal aspiración era prácticamente imposible, no sólo porque Noruega no forma parte de la Unión Europea, sino también porque el teatro de baile contemporáneo nunca ha sido una característica típica del país, al contrario que el petróleo, el pescado, el esquí y la naturaleza salvaje. En algunos lugares, como en España, la imagen de los noruegos siempre ha sido la de turistas quemados por el sol, “rojos como cangrejos”.
Por todas estas razones, la compañía no sólo ha tenido que realizar actuaciones de alto nivel y superar el aislamiento geográfico y cultural, sino que además ha tenido que hacer frente a la falta de interés que, en general, mucha gente siente hacia los noruegos. ¡Pero todo es posible! Gracias a un estilo artístico claro y pujante, el reconocimiento internacional ha ido aumentando rápidamente, y hace ya tiempo que la compañía sorprende y cautiva audiencias y críticas de todo el mundo. De hecho, sus giras incluyen 47 países de todos los continentes. Estas cifras en sí no sólo demuestran una popularidad abrumadora, sino que también indican que la compañía ha logrado encontrar las claves de una comunicación sin fronteras. Una de las claves es la investigación continua en el desarrollo del lenguaje sin sentido. Todos los espectáculos se desarrollan en lenguaje abstracto, que puede ser entendido y no entendido por igual en cualquier parte del mundo. Incluso los propios actores no entienden lo que están diciendo. Esta peculiaridad artística ha sido acogida con una gratitud sorprendente en todos sitios. Parece que la audiencia pierde la oportunidad de ver teatro y ser capaz a la vez de asociar libremente, como lo harían en un espectáculo de baile o escuchando música. Y es aquí precisamente donde la compañía de Jo Strømgren ha creado su propia marca de identidad – la audiencia entiende todo y nada al mismo tiempo. También es parte de tal identidad el tratamiento satírico de temas controvertidos. La mayor inspiración para la compañía es la obra de Charlie Chaplin, “El Dictador”, que trata a Hitler y a los nazis con una profundidad filosófica y un peligroso humor – y un lenguaje sin sentido. La película se estrenó en 1943, y todavía hoy destaca como una de las críticas políticas más atrevidas que jamás se ha realizado.
Jo Stromgren
Nació en Trondheim, Noruega, en 1970. Se formó en el baile clásico, pero tras unos años como bailarín profesional, inició su carrera como coreógrafo para ampliar más tarde sus estudios en dirección y guión de teatro. Su trayectoria como coreógrafo abarca una gran lista de obras para muchas compañías clásicas, como el Ballet Estatal de la Ópera de Viena, el Real Ballet Danés, el Ballet de la Ópera Nacional del Rhin, y otras, así como para compañías contemporáneas, como Cedar Lake Dance Company, Ballett Nürnberg, Cloud Gate Esemble, y otras. Ha realizado cerca de 50 coreografías, la mitad de ellas grandes acontecimientos. Como director de teatro, ha estado trabajando principalmente en teatros nacionales y municipales en Escandinavia, sobre todo dirigiendo obras de Enrique Ibsen. También ha escrito una larga lista de obras que se han representado en diferentes teatros alrededor del mundo, y es miembro de la Asociación de Guionistas de Noruega. Además de su trabajo de escenario, también ha sido un invitado asiduo en el negocio del cine, tanto detrás de la cámara, dirigiendo una película y varios cortos, como delante de la misma, como actor. A nivel personal, se identifica mucho con España por su año como estudiante de intercambio en Madrid, en 1988-89. La coreografía de “Fiebre”, con IT Dansa, ha sido su única cita artística en España hasta el momento.
Con este nuevo espectáculo, José Luis Gómez devuelve al Cantar de Mio Cid su verdadera naturaleza.
El Cantar de Mio Cid es un poema anónimo, de tradición oral, dividido en tres cantos, que narra las hazañas acontecidas a Rodrigo Díaz de Vivar en el siglo XI. La lectura moderna del Cantar, silenciosa e individual, distorsiona la recepción para la que el texto fue creado.
Con un trabajo inusitado de juglaría, poniendo cuerpo y voz a las palabras germinales de la literatura hispánica y emitiendo el sonido de nuestra lengua medieval, el mayor poema épico de la literatura hispánica sube al escenario.
La primera semilla de este proyecto se plantó en 2014, cuando Gómez ideó el ciclo «Cómicos de la lengua», con motivo del tercer centenario de la RAE. Eran diez «lecturas en vida», acompañadas de un comentario académico, que juntas reflejaban el devenir de la lengua castellana desde el siglo XI hasta comienzos del XX. La primera lectura era, precisamente, el Cantar de Mio Cid, a cargo de Gómez, acompañado de la académica Inés Fernández-Ordóñez. Estas lecturas se presentaron en la sede de RAE, el Teatro Español, el María Guerrero, la sede temporal de la Compañía Nacional de Teatro Clásico (Teatro Pavón) y el Teatro de La Abadía. Al hilo de la extraordinaria acogida se volvió a presentar el ciclo entero al año siguiente y parte de él, en el Festival de Almagro y en otras ciudades. Desde entonces, Gómez dirigió Celestina asumiendo, además, el personaje de la protagonista, y realizó un espectáculo sobre los últimos meses de vida de Unamuno. Gómez siempre se ha esforzado por la palabra encarnada, la palabra entrañada, la palabra en acción, afrontando con placer la dificultad de transmitir el significado que puedan plantear textos como los de Valle-Inclán o Agustín García Calvo. Precisamente por ese interés fue elegido para entrar a la Real Academia Española y precisamente a la oralidad dedicó su discurso de ingreso.
Ahora vuelve a la figura del Cid y, sobre todo, al lenguaje de este texto clave de nuestro idioma. Con motivo de la celebración del 25º aniversario de La Abadía presentó el trabajo en proceso, a modo de ensayo abierto. Bajo el título Mio Cid a secas, acompañado de una pianista que saca sonoridades sorprendentes al piano, Gómez plantea una interpretación depurada y muy personal, como un juglar del siglo XXI.
Klaus Maria Brandauer (1943) es un actor y director austríaco.
Brandauer nació en un pueblo de Estiria, Austria. Llegó a ser actor en 1962, trabajando en cine y teatro. Su debut fue en 1981, con la película Mephisto, del director húngaro István Szabó, ganadora del Óscar a Mejor Película extranjera en 1982. Con esta película saltó a la escena internacional.
Más tarde actuó en Nunca digas nunca jamás (1983), de la saga de James Bond, donde trabajaría con Sean Connery, interpretando al villano de la película Maximilian Largo, y en Memorias de África (1985), con la que fue nominado al Óscar. También volvería con István Szabó en Coronel Redl (1985) y Hanussen (1988). En 1991 protagonizó la adaptación al cine de Colmillo Blanco y en fecha reciente ha participado en la película Tetro de Francis Ford Coppola. Ha actuado en 4 lenguas: alemán, húngaro, francés e inglés.
Peter Stein
El teatro despertó su curiosidad desde su época en Fráncfort, por lo que empezó a trabajar en un teatro en Múnich. Fue contratado como director para la obra Saved de Edward Bond. Esta pieza teatral lo lanzó al centro de la atención y fue aclamado por la crítica. Motivado por sus posiciones políticas, Stein empezó a dirigir muchas piezas cargadas de elementos políticos, incluyendo Discurso sobre Vietnam de Peter Weiss, Early Morning de Edward Bond, Cock-a-Doodle Dandy de Sean O’Casey, The Changeling de Thomas Middleton y Torquato Tasso de William Rowley y Goethe.
El teatro en que Stein trabajó originalmente en Berlín Occidental fue llamado el Schaubühne am Halleschen Ufer. En 1970, Stein fue seleccionado por políticos en Berlín para que tomara el control del Schaubühne y lo dirigiera como una democracia igualitarista socialista. En 1992, se le concedió la Legión de Honor.
Con una tradición que abarca casi 80 años, el Teatro Dramático Nacional de Lituania ha sido el hogar de trabajo de artes escénicas locales más destacado, así como la discusión artística sobre el mundo contemporáneo. A lo largo de las décadas, el teatro mismo ha sido, con su icónica escultura de las «Tres Musas» coronando la entrada principal, un símbolo del legado cultural nacional. Desde 2010, LNDT se ha centrado en el futuro del teatro en su apertura a nuevas formas, disciplinas y campos artísticos. Se ha invitado a artistas locales e invitados de todo el mundo a crear aquí, compartir sus perspectivas con el público y entablar un diálogo intenso, aunque a veces provocador, con el mundo contemporáneo. El teatro considera crucial su papel como un ágora, un lugar para reunirse y discutir el aquí y el ahora al profundizar en temas candentes de la modernidad, un individuo y la sociedad. El teatro ha producido recientemente obras de Krystian Lupa, Árpád Schilling, Łukasz Twarkowski, Saara Turunen, Anna Smolar y Jo Strømgren. Sus direcciones de gira recientes incluyen festivales como Festival d’Avignon y Festival d’Automne à Paris (Francia), Festival de Teatro Wuzhen (China), Festival Kontakt (Polonia), Festival Otoño Madrid (España), etc.
Jo Strømgren Kompani (JSK) fue fundada en 1998 y desde su base en Noruega ha crecido hasta convertirse en uno de los grupos independientes más exitosos en Escandinavia. La compañía ha estado de gira por más de 50 países hasta el momento, y se realizan anualmente alrededor de 150 representaciones tanto en grandes teatros nacionales como en pequeños lugares alternativos en todo el mundo. El escenario de JSK en Oslo es la Ópera de Noruega, donde Jo Strømgren es Coreógrafo Residente. El estilo de JSK se caracteriza por una mezcla peculiar de danza y teatro, con un humor distinto y a menudo muy físico combinado con matices políticos más oscuros. Otra marca registrada es el uso extensivo de lenguaje sin sentido, y en los últimos años un uso lúdico de voz en off. JSK ofrece un repertorio permanente de 10-12 actuaciones diferentes, que cubren una amplia gama de géneros. Las variaciones del teatro-danza son nuestra fórmula más común, pero también tenemos representaciones teatrales puras y obras de marionetas. JSK también ofrece actuaciones para audiencias jóvenes. No importa qué forma o género, todas las actuaciones están diseñadas para una gira mundial apacible y flexible y se pueden adaptar a casi cualquier idioma.
Se crea en Santiago en el año 1986. Desde entonces ha desarrollado un lenguaje propio, un teatro no basado en el texto literario, que funde distintos lenguajes escénicos. Un teatro que se aparta de los personajes para reflejar las personas que somos y la vida que vivimos, un teatro de la sugerencia que comunica directamente con el espectador por medio del movimiento, la palabra, la ironía, la música, el humor, la complicidad y la imagen.
Ha puesto en escena 23 espectáculos, numerosas performances y colaboraciones con otras compañías. Ha presentado sus espectáculos en Francia, Portugal, USA, Inglaterra, Yugoslavia, Italia y Alemania.
En 1993, Matarile Teatro creó el teatro galán en Compostela, dedicado desde entonces a la exhibición y difusión de espectáculos de teatro y danza contemporáneos.
Ana Vallés: «El teatro es una profesión de resistentes»
LA DIRECTORA DE ‘HISTORIA NATURAL’ CERRÓ LAS ‘TEATRULIAS’ DEL FESTIVAL DEL GAYARRE
Con un encendido, pero comedido elogio del entusiasmo, se cerró el pasado viernes el ciclo de teatrulias programadas por el Teatro Gayarre dentro del festival Otras miradas, otras escenas . En este tiempo, el director Lluís Pasqual, el director Andrés Lima y los actores de Animalario, el director Pippo Delbono y, por último, la directora Ana Vallés, responsable de Historia natural (elogio del entusiasmo), han sido los encargados de completar, con sus distendidas charlas, las funciones ofrecidas dentro del certamen.
Así, en la noche del viernes, Ana Vallés reconoció que «esta profesión es de resistentes y todo lo que encuentras son obstáculos y desánimo, por eso hay que elogiar el entusiasmo porque si no es imposible. Y como hay un paralelismo claro entre el teatro y la vida, es lo mismo. Nada de lo que hayamos hecho importante en la vida lo hemos conseguido sin entusiasmo».
La directora de Historia natural , del grupo Matarile, hizo un repaso a la metodología de su proceso creativo en general y, en particular, el seguido en la obra vista en Pamplona, que fue premiada como espectáculo más original e innovador del Festival Internacional de Teatro y Artes de calle de Valladolid. «Durante el proceso los actores tienen muchas preguntas y muchas dudas. Empezamos desde cero, sin un texto. Ellos no tienen el armazón, no es un teatro convencional con un texto al que agarrarse. Yo misma convivo esos días con el caos; pero es que el teatro debe hacerse con los actores sobre el escenario y cada uno aporta sus particularidades. Hay un núcleo de actores, pero para cada montaje contamos con actores nuevos que pongan en tela de juicio lo que hacemos. No me gusta la comodidad», dijo Vallés. Aunque reconoció que en esta obra sí existía un texto previo que fue tomando forma a lo largo de los dos meses de ensayos, aclaró que esta historia, como su teatro, es un hecho vivo que pone sobre las tablas a «personas que hablen de personas, ante personas». De este modo, Ana Vallés da mucha importancia al público al que va dirigida la obra que actúa más como un interlocutor que como un espectador.
El Proceso es una de las obras póstumas inacabadas de Franz Kafka (1883-1924), escrita entre 1942 y 1917 y no publicada hasta 1925, un año después de su muerte, por su amigo Max Brod (pese al deseo del autor de que sus obras fueran destruidas). Compuesto por distintos fragmento, El Proceso es una especie de rompecabezas literario que, junto con El Castillo, La Metamorfosis y Amércia, forman parte de las grandes obras de un autor que inventó un estilo único y no desprovisto de humos para expresar las angustias y las incomprensiones del ser humano en la cotidianeidad de un mundo que suscita aislamiento e inquietud, un mundo frío y opresivo.
Andreas Kriegenburg
Originario de la antigua República Democrática Alemana, decidió incorporarse al teatro de su ciudad natal, Magdenburgo, como posible espacio de libertad. Fue técnico antes de convertirse, a los 21 años, en ayudante de dirección en 1984. Después de la caída del muro, trabajó en la Vilksbühne de Berlín entre 1991 y 1996. Pasó de la Schauspiel de Hanóver y posteriormente por el célebre Burgtheater de Viena, que abandonó en 2001 para convertirse en el principal director de escena del Thali Theater de Hamburgo.
Tras 3 años de trabajo conjunto nace en 2009 “Onira Teatro” , fundada por las actrices creadoras: Alexandra Calvo, Ana López, Belén Boluda y Sabrina Lüngen.
Durante su trayectoria, estas cuatro actrices han potenciado en su labor aspectos como la tolerancia, la conciencia social, la comunicación y la repercusión desde planteamientos humanos y existenciales.
Onira Teatro desea con su última creación “Juicio a los humanos” transmitir aquello que está más allá de las palabras.
José Pirirs, Director
Artista polifacético; e la actualidad es uno de os profesionales del gesto más representativo de nuestro país. Trabaja como director y creador de obras teatrales, con una fuerte influencia visual, obras de teatro del mimo y del gesto, aunque también ha dirigido teatro tradicional, ópera, máscara, circo, danza, cine, performance, TV y espectáculos de calle. Se formó en L´Ecole Intercationale de Mimodrame de París.
Es en discípulo dilecto en España del prestigioso mimo internacional Marcel Marceau, con quién se formó entre el año 1994 y 1999 en París.
Tomaz Pandur, director de teatro nacido en Eslovenia, fue presentado en España por Ysarca Art Promotions. Tras un contacto con el Centro Dramático Nacional, su director Gerardo Vera, hizo la producción de Inferno (de La Divina Comedia de Dante Alighieri) dirigida por Pandur y traducida y adaptada al teatro por Luis García Montero. El Teatro María Guerrero dio cabida a la obra del 25 de Mayo al 10 de Julio de 2005.
En los meses de enero y febrero de 2006, Ysarca organizó una gira con Tomaz Pandur por varias ciudades españolas (Madrid, Málaga, Sevilla, Córdoba y Santa Cruz deTenerife) y su obra 100 Minutos, basada en Los Hermanos Karamazov de Dostoyevski (1880).
Barroco es una adaptación teatral de la novela Las amistadas peligrosas de Pierre Chordelos de Laclos (1782) y la obra de teatro Quartet de Heiner Müller (1980), creada por Darko Lukic y Tomaz Pandur , coreografiada por Nacho Duato y traducida por Álvaro García Meseguer. Se estrenó en el Centro Cultural de la Villa hoy llamado Teatro Fernán Gómez y estuvo en cartel del 12 de septiembre de 2007 al 21 de octubre del mismo año.
Empresa dedicada a la ideación, producción y promoción de actividades artísticas en el ámbito del Teatro, la Danza, la Música y la Ópera. Creada en 1990 y dirigida por Pilar de Yzaguirre, ha presentado un gran número de compañías nacionales e internacionales durante sus 34 años de existencia tanto en territorio nacional como en el extranjero. YSARCA S.L. se ha hecho notable por ser una de las más reconocidas entidades españolas representante de artistas y compañías extranjeras que aportan al panorama cultural español una ventana abierta a la evolución cultural de las artes escénicas fuera de nuestro país.
Asimismo YSARCA S.L. se ha especializado en promover el teatro y la danza española en el extranjero a través de sus producciones y giras. PRODUCCIONES TEATRALES: YSARCA ha producido, y girado posteriormente, obras como “La Celestina ” dirigida por Robert Lepage (2004) e interpretada por Nuria Espert; “Incendios ” de Wajdi Mouawad dirigida por Mario Gas (2016) con una gira en 2017 por la Comunidad de Madrid y toda España con más de 100 actuaciones ; “El Grito ” (2021) de Itziar Pascual y Amaranta Osorio, dirigido por Adriana Roffi e interpretado por Ana Fernández entre otros y en el año 2023 la producción de gira de “UBU” de Robert Wilson con elenco español.
YSARCA es representante y productor de giras de diversas compañías EXTRANJERAS de teatro entre las cuales destacan: Ex Machina (Canadá)- compañía dirigida por Robert Lepage ; “UBU” de Robert Wilson ; Abé Carré ce Carré y Au Carré de l’Hypoténuse dirigidas por Wanda Mouawad (Líbano/Canadá); La Colline théâtre National de Paris dirigido por Wanda Mouawad; Toneelgroep Amsterdam dirigida por Ivo van Hove ; THE ACTORS´ GANG (Estados Unidos) director Artístico: Tim Robbins; HANDSPRING PUPPET COMPANY (Sudáfrica) director Artístico: William Kentridge y Jakop Ahlbom Company (Suecia) entre otras.
Pilar de Yzaguirre ha sido nombrada Directora Artística del “Festival de Otoño” de la Comunidad de Madrid este año como reconocimiento a su amplia carrera como gestora teatral nacional e internacional
Director Do-Wan IM
Fundador y Director, graduado en L’Ecole Internationale de Theatre Jaques Lecoq, en La Troisieme annee Pedagogique (Set Design y Teaching Method) y en Laboratoire d’etude du Movement, en el departamento de escenografía de la escuela.
Sadari Movement Laboratory desarrollada a partir del Sadari Theater Company, fundada en 1988 por Im Do Wan y You Hong Young. Después de completar sus estudios en L’École Internationale de Théatre Jaques Lecoq en Paris, Im Do Wan regresó a Corea donde comenzó sus experimentos con el teatro físico no verbal. En 1999 fundó el Sadari Movement Laboratory.
Una de las características principales del Sadari Movement Laboratory es la plena colaboración de todos los miembros de la compañía durante el proceso creativo, a partir del análisis del texto y su traducción, al traer el texto a la vida a través de imágenes cinéticas, produciendo una experiencia teatral en la versatilidad del movimiento.
AsiaNow
AsiaNow es una compañía fundada en 2005 para desarrollar, producir y presentar creativamente un innovador y excitante teatro físico asiático contemporáneo, danza y artes interdisciplinares.
La compañía está totalmente involucrada en el desarrollo creativo, consulta y gestión de las artes escénicas.
El Woyzeck de Georg Büchner sigue siendo uno de los más enigmáticos e influyentes trabajos del teatro moderno. El Sadari Movement Laboratory acepta crear una nueva interpretación dinámica de la pieza, subrayando los potenciales ocultos originales mientras anticipa un nuevo lenguaje físico teatral. El SML se basa en las aportaciones creativas de todos los miembros de la compañía.
El Sadari Movement Laboratory pone de moda nuevas técnicas al de redescubrir y revitalizar esta obra expresionista sobre la vida de un pobre soldado que es conducido a la locura por el orden social que le domina. Utilizando sillas como una metáfora cambiable, los artistas configuran el espacio dramático y revelan los estados emocionales de los personajes, mientras el tango de Astor Piazzolla se convierte en parte integral del flujo narrativo.
Fundado en 1998, el Sadari Movement Laborator es una de las más celebres compañías de teatro contemporáneo de Corea. Esta producción se representó en el 2008 en el Edimburgh Fringe Festival, ganando un Herald Angel y un Total Theatre Awards. Realiza giras en todo el mundo, New York, Londres, Moscú y Beijing.
Su práctica combina las artes plásticas, el video y la literatura. Sus obras toman diferentes formas, tales como una subasta (la gran subasta de ideas brillantes pero no realizadas (2009), una instalación de video y performance (I Screamed and I Screamed and I Screamed, 2013) o una serie de intrusiones artísticas (Lecture for Everyone, 2013).
A menudo creado in situ, sus obras están interesadas en la interacción entre el espectador y los ambientes que ella ha creado, desdibujando las fronteras entre ficción y realidad, para empujar los límites de la imaginación y reconsiderar las preguntas convenciones sociales, invitando a desarrollar un estado de alerta de la mente y los sentidos. Vanhee pregunta sobre los esquemas dominantes que influyen en la manera de pensar, hablar, moverse y nuestra relación a los demás y el mundo.
Desde el año 2009, comienza una exitosa colaboración con CAMPO, en Gante creando varios proyectos. Su trabajo se distribuye ampliamente en el mundo, tanto en el ámbito de la escena como en el de las artes visuales.
Para su primera visita al FTA, Vanhee ha presentado OBLIVION, creado en el año 2015 y que continúa dando la vuelta a todo el mundo. Una exhibición de la basura personal de todo un año, la obra difiere de los puntos habituales de vista como la ecología y el consumo, da una singular espiritualidad a lo que normalmente consideramos una basura. La artista busca un mundo invisible, y más recientemente ahonda en otro reino escondido a través de su película The Making of Justice, 2017, creada en colaboración con siete presos.
La SITI Company se construyó sobre el cimiento de un conjunto. Creemos que a través de la práctica de la colaboración, un grupo de artistas que trabajan juntos, con el tiempo, puede tener un impacto significativo tanto en el teatro contemporáneo como en el mundo en general.
A través de nuestras actuaciones, programas educativos y colaboraciones con otros artistas y pensadores, la compañía continúa desafiando el status quo, para ejercitar y alcanzar la excelencia artística en todos los aspectos de nuestro trabajo, y ofrecer nuevas formas de ver y de ser como artistas y como ciudadanos del mundo.
La SITI Company se compromete a proporcionar un gimnasio para el alma donde la interacción del arte, los artistas, el público y las ideas inspiran para la posibilidad del cambio, el optimismo y la esperanza.
Fundada en 1992 por Anne Bogart y Tadashi Suzuki, la SITI Company comenzó con el objetivo de redefinir y revitalizar el teatro contemporáneo en los EEUU, a través de un énfasis en el intercambio y la colaboración cultural internacional. Originalmente ideada como un instituto de verano en Saratoga Springs, Nueva York, la SITI creció para convertirse en una compañía con actividad todo el año, con sede en Nueva York, y con una temporada de verano en Saratoga. La compañía es conocida nacional e internacionalmente como el más elevado colectivo artístico que genera un teatro innovador mientras forma a artistas de todo el mundo.
Además de la Directora Artística Anne Bogart, la SITI Company consta de diez actores, cuatro diseñadores, un dramaturgo y un director ejecutivo. La compañía representa un cambio en el pensamiento sobre las relaciones entre artistas e instituciones. La SITI Company ha establecido relaciones con teatros y espacios de todo el mundo que han presentado los trabajos de la compañía. Entre ellas se encuentran, Actors Theatre de Lousville; the Brooklyn Academy of Music; New York Live Arts; the Krannert Center; Carolina Performing Arts; Clarice Smith Performing Arts Center; Walker Art Center; y the Wexner Center for the Arts. Las afiliaciones de la SITI con universidades incluyen: New York University; The Juilliard School; Columbia University; Princeton University; The Ohio State University; y Arizona State University. Cada junio la compañía continúa reuniéndose para realizar su curso de verano intensivo en el Skidmore College en Saratoga Springs. Internacionalmente, la SITI ha actuado e instruido en Japón, Alemania, Francia, Republica Checa, Galles, Republica de Georgia, Irlanda, Turquía, Italia, Australia, Canadá, Colombia, Escocia, Inglaterra, Israel, Singapur, Noruega, España, Dinamarca y Holanda.
Recientemente la SITI ha estrenado American Document (con la Martha Graham Dance Company), Antigone en Dance Theater Workshop, Freshwater en Women’s Project, Who Do You Think You Are en ASU Gammage y Under Construction en Actors Theatre of Louisville’s Humana Festival of New American Plays. Como futuros proyectos: Trojan Women en the Getty Villa en Malibú, Cafe Variations en ArtsEmerson en Boston y Rite of Spring (con Bill T. Jones/Arnie Zane Dance Company) en Carolina Performing Arts en Chapel Hill.
ANNE BOGART
Es la directora artística de SITI Company, que ella misma fundó junto al director japonés Tadashi Suzuki en 1992. Anne ha recibido 2 Obie Awards, un Bessie Award, un Guggenheim y una beca Rockefeller además de ser profesora en la Columbia University, donde dirige el Graduate Directing Program. Entre sus producciones más recientes con la SITI Company se encuentran Hotel Cassiopeia, Intimations for Saxophone, Death and the Ploughman; A Midsummer Night’s Dream; La Dispute; Score; bobrauschenbergamerica; Room; War of the Worlds; Cabin Pressure; The Radio Play; Alice’s Adventures; Culture of Desire; Bob; Going, Going, Gone; Small Lives/Big Dreams; The Medium; Noel Coward’s Hayfever and Private Lives; August Strindberg’s Miss Julie; y Charles Mee’s Orestes. Es la autora de un libro de ensayos titulado A Director Prepares: Seven Essays on Art and Theater y es la coautora, junto a Tina Landau, de The Viewpoints Book: A Practical Guide to Viewpoints and Composition. Pronto se publicará por Routledgge Press un nuevo libro de ensayos: And Then You Act: Making Art in a Unpredictable World.
TEATERI fue fundada en 1997 por varios actores profesionales y directores en Jönköping con diferentes antecedentes nacionales. El grupo actualiza cada año varios programas para la escuela primaria y para adultos jóvenes / adultos.
El repertorio se decide en un consejo, donde los líderes artísticos Vera Veljovic y Christian Arin dirigen el trabajo.
TEATERi participa en el Jönköping Children’s Cultural Group, donde se reúnen los productores culturales y las escuelas, y para un diálogo continuo con los organizadores en las escuelas del condado y las asociaciones de teatro suecas. El grupo de teatro libre pertenece a Young Scene de SUS-Småland, dentro de Smålands Music and Theatre, y también son miembros del Theatre Center West.
Tim Robbins y La Banda han montado una producción sobre 1984, con una adaptación novedosa de Michael Gene Sullivan. El nuevo texto, que se concentra en los elementos más dramáticos de la terrible novela de Orwell, es perfecto para el estilo único de teatro de La Banda. La muy aplaudida dirección es del Ganador de la Medalla de la Academia Tim Robbins, Director Artístico y fundador de La Banda. La obra, de una importancia excepcional, promete ser una experiencia obsesionante de extraordinaria importancia.
The Actor´s Gang
En una época en que el ciberespacio y las ondas que viajan por el aire están llenos de debates sobre bancos de datos universales, seguridad de los gobiernos, vigilancia electrónica y terrorismo patrocinado por los gobiernos, la misión de La Banda de Actores de mostrar a un amplio público teatro socialmente relevante parece salida de un mundo orwelliano revisitado y visto sobre un escenario. El estilo único de La Banda, en esta ocasión dirigida por Tim Robbins, encaja con las demandas multimedia de 1984. La compañía de artistas está disponible para actuar y dirigir talleres y clases magistrales, y para organizar otras actividades por el estilo.
Historia de la Compañía
La Banda de Actores es una de las compañías teatrales más estables de Los Ángeles. Fundada en 1981 por un grupo de artistas renegados, la misión de La Banda es crear obras valientes y originales para la escena, así como interpretaciones atrevidas de los clásicos. Nuestro trabajo es crudo, inmediato, con mentalidad social, fruto de un oficio del más alto nivel artístico.
En el transcurso de nuestros primeros 20 años hemos producido 72 obras y ganado más de 100 premios, recibiendo grandes aclamaciones por nuestras interpretaciones de Shakespeare, Bruchner, Brecha, Moliere, Esquilo, Ibsen y Chejov. Desarrollamos en taller nuevas obras que miran al mundo de hoy a través de un prisma de sátira y cultura popular, con escenografías estridentes, manejando nuevos textos importantes de los escritores más provocadores de hoy día, en relación con temas candentes de nuestro tiempo para todos los públicos de la Nación.
Por medio de coproducciones, la Banda de Actores presentó el estreno en la Costa Oeste de Suburbio de Eric Bogosian con la Compañía de Teatro Namaste, A Huey P. Newton Store de Roger Guenver Smith, Jails, Hospitals, Hip Hop de Danny Hoch con el Grupo del Teatro Central y Medea/Macbeth/Cenicienta con la Compañía de Teatro Cornerstone. La Banda de Actores ha hecho giras con producciones representando a los Estados Unidos en el Festival de Edimburgo y en el Teatro Público de Nueva Cork con Carnage, A Comedy, con El enfermo imaginario en el Festival Rushmore de Nueva York, y en 2001 Bat Boy, A Musical desarrollada por La Banda ganó el premio Lucille Lortel and Outer Critics al mejor nuevo musical Off-Broadway en Nueva York. El Embedded de Tim Robbins que se estrenó en Los Ángeles y giró por todo el país, también estuvo largo tiempo en Nueva York (en el Teatro Público) y en Londres, tras haber sido filmado para el Festival Internacional de Cine de Venecia y transmitido por televisión en USA. La temporada pasada, la muy aplaudida Self Defense ha merecido tres Premios de la Semana de Los Ángeles.
The Lucidity Suitcase Intercontinental es un colectivo teatral fundado por Thaddeus Phillips. En sus trabajos se incluyen: Red-Eye to havre de grace, The tempest, Planetlear, Lost Soles, The Earth´s sharp edge. Sus creaciones se han representado por todo el mundo; El Conquistador ha recibido una gran aceptación tanto por el público como por la crítica.
Thaddeus Phillips
Desde 2002 es miembro de Pew Fellowship in the Arts y Pennsylvania Counciñ of the Arts Fellowship. Es el Director Artístico de la Compañía Lucidity Suitcase Intercontinental (LSI) y ha concebido todos sus espectáculos. Trabajó como escritor y actor en La Geometría de los milagros de Robert Lepage, acercando este proyecto a Toronto, Madrid, Lisboa, Barcelona, Londres (The Royal National Theater), Glasgow, Undine, París, Mauberge, Bogotá, Chicago, Iowa City, Minneapolis, Montreal y Nueva York.
El Conquistador Es la historia de Polonio Castro, un campesino colombiano se dirige a la gran ciudad con el sueño de ser estrella de telenovela. Al llegar a la ciudad Polonio no encuentra trabajo en la televisión como sueña, sino como un portero del edificio El Nuevo Mundo donde viven los personajes más disparatados que se comunican con el portero sólo por medio de un citófono de vídeo. Grandes actores colombianos como Cristina Campuzano, Luís Fernando Hoyos, Helena Mallarino, Tatiana Mallarino, Víctor Mallarino y Antonio Sanint encarnan a los residentes de este edificio que le demostrarán a Polonio que a veces la vida real es más intrigante, complicada, cómica y absurda que cualquiera de las telenovelas que ha visto o ha podido soñar.
El Conquistador fue creado durante la permanencia en la Casa del arte de Bogotá, Colombia en agosto de 2004. Todas las imágenes y secuencias de la película fueron tomadas en Bogotá, los campos que rodean Cartagena de Las Indias en la costa caribeña. Es un espectáculo en castellano que gracias a los subtítulos ha girado por todo el mundo.
The Reykjavik City Theatre (RCT), (Borgarleikhúsid), en una de las instituciones culturales más prestigiosas de Islandia, y la compañía islandesa de teatro más importante actualmente. La compañía produce aproximadamente 15 nuevas producciones al año, representándolas a más de 200.000 asistentes en Reykjavik así como en el extranjero. Da empleo a 200 personas entre las que se incluyen un conjunto permanente de 25 actores. Se basa en una rica variedad de repertorio de trabajos nacionales e internacionales. Son los pioneros incluso cuando producen obras clásicas. Bajo la dirección artística de Magnus Geir Thordarson, la compañía se enorgullece de su fuerte equipo dedicado a la emancipación de jóvenes escritores y el descubrimiento de nuevos directores.
Cada año, el teatro acoge producciones internacionales invitadas mientras exporta progresivamente el teatro islandés a festivales y teatros de la escena internacional. La RCT goza de ser el principal colaborador del innovador y aclamado grupo teatral Vesturport con quien ha colaborado en multitud de producciones: Romeo y Julieta y Woyzeck se han representado por todo el mundo; y Fausto se presentó durante cinco semanas, con la sala totalmente abarrotada, en el Young Vic de Londres este otoño y está programada en Europa y Asia durante el 2011.
Recientemente the Reykjavik City Theatre Company ha visto en aumento su colaboración internacional y se dedica a fomentar los vínculos y relaciones con colegas de renombre en el extranjero. Entre sus colaboradores internacionales (además de Vesturport) se incluyen: The Barbican Centre, Reino Unido; Het Muziek Theater, Holanda; BAM Festival, Estados Unidos; Ruhrfestspiele, Alemania; Tampere Teaterfestival, Finlandia; The Young Vic Theatre, Reino Unido; ILT09 Teaterfestival, Alemania; y Oscaras Korsunovas Theatre, Lituania.
El Théâtre de Quat’Sous es uno de los teatros más antiguos de Montreal. Presenta desde hace más de cincuenta años creaciones originales y atrevidas. Dirigida desde el 2004 por el creador y dramaturgo Eric Jean, ha sabido aportarle su saber hacer, su osadía y carácter innovativo. Además ha dado el empujón definitivo al proyecto de reconstrucción del teatro, iniciado por los anteriores directores Pierre Bernard y Wajdi Mouawad. Sin perder su esencia, esta sala íntima se ha convertido en un crisol cultural y un lugar de intercambios y de encuentros.
Wajdi Mouawad es un incendiario. Pero como el ave fénix renace de sus cenizas. Incendios habla de ese renacer, de fuegos que a veces hay que sembrar, del terrible camino que a menudo hace falta recorrer para llegar a uno mismo.
Una mujer acaba de morir y hoy abre la puerta de su silencio y sus secretos. Deja a sus hijos gemelos un traje de tela verde, un cuaderno rojo y dos sobres que son como dos cajas de Pandora de las que surgen males y maravillas, y cuyo contenido lea va a arrastrar a una fabulosa odisea, hacia un continente lejano, hacia un pasado desconocido, hacia un segundo nacimiento.
Wajdi Mouawad nació en 1968, siendo, en sus propias palabras, libanés de infancia, francés de forma de pensar y québécois de su teatro. Eso es lo que le pasa a alguien que pasa su infancia en Beirut, su adolescencia en París y se hace adulto en Montreal. Wajdi Mouawad pertenece a la nueva generación de figuras del teatro que están transformando la escena francófona gracias a una gran fuerza imaginativa y a una escritura de extraordinaria calidad.
«Incendies», segunda parte de su tetralogía, explora los traumatismos y los tormentos de las guerras contemporáneas (Oriente Medio), relacionándolos con historias muy antiguas de odiseas, de incestos y de revueltas de la conciencia individual contra las leyes humanas.
El mensaje de Wajdi Mouawad, sugiere que en Líbano el odio es un instrumento de identificación personal a través de la religión y la caduca cultura comercial americana.
Modernidad Holandesa- Toneelgroep Amsterdam.
Nacido en 1987, Toneelgroep Amsterdam es la mayor compañía de repertorio de los Países Bajos. Con base en el Amsterdam’s Stadsschouwburg, Toneelgroep cuenta con una compañía fija de 21 actores. Su teatro es absolutamente contemporáneo, lo que no excluye trabajos a partir de textos de repertorio, siempre en contacto con organizaciones teatrales extranjeras que ven el arte dramático de manera similar. Toneelgroep Amsterdam explora comportamientos y pensamientos creados por la globalización y la consecuente porosidad de las culturas nacionales y de los géneros artísticos. Ivo van Hove ha sido el director general de Toneelgroep Amsterdam a partir de 2001.
Ivo Van Hove – Eclectismo y consecuencias.
Al igual que otros artistas como Luc Perceval y Guy Cassiers, Ivo van Hove es un hombre de teatro que ha permitido a la cultura flamenca -Holandesa y Belga- volverse en una de las más dinámicas de Europa en los últimos treinta años. Nacido en Bélgica en 1958, Ivo van Hove empezó su carrera de director en 1981 proponiendo sus propios escritos (Germs, Rumours). Se hizo director artístico de compañías del teatro Antwerpt como la AKT, Akt-Vertikaal y De Tijd (Time) – la misma compañía ampliada por dos fusiones. Desde 1990 hasta 2000, van Hove ha sido el director artístico de Zuidelijk Toneel, un importante teatro regional holandés. Desde que se hizo director de Toneelgroep Amsterdam, Ivo van Hove ha estado persiguiendo junto al escenógrafo Jan Versweyveld, un riguroso enfoque donde el teatro se hace fórum de preguntas sobre las tensiones entre el individuo privado y el individuo cívico. Esa búsqueda ha sido representada por una variedad ecléctica de escritos escenificados por van Hove. Sus setenta y más funciones incluyen influencias de autores como Marguerite Duras, Schiller, Susan Sontag, Chekhov e incluso François Mauriac. Van Hove expresa, de todas formas, una preferencia por Shakespeare (Macbeth, Richard II, Hamlet, The Taming of the Shrew, Othello) y Eugene O’Neil (Mourning Becomes Electra, More Stately Mansions y Desire Under the Elms). Ha realizado puestas en escena de operas como Lulu de Bergs y más recientemente Ring de Wagner, y se interesa particularmente en llevar al teatro obras cinematográficas; ha llevado a escena The Servant, de Pinter y Losey, así como Faces y Opening Night, de Cassavetes, Rocco and his brothers, de Visconti y Cries and Whispers de Bergman.
Roman Tragedies.
Para los contemporáneos de Shakespeare, las tragedias de la Roma antigua representan su propio género. Los Elizabetianos asociaban las ficciones Romanas a cuestiones de integridad moral, de coraje militar y elocuencia pública. En las tragedias Romanas Julius Caesar (1599), Antonio y Cleopatra (1606-1607) y Coriolanus (1607-1608)- a excepción de Titus Andronicus, que es un caso especial- Shakespeare investigaba valores políticos con una libertad que no hubiera podido expresar en las ficciones históricas inspiradas en la realidad de la Corona Inglesa. En las tragedias Romanas, Shakespeare examina conceptos básicos como la lucha interior entre la conciencia de la moral individual y los actos inmorales necesarios para conseguir el poder, la relación entre vida privada y vida pública, el papel de las personas en el mundo de los gobiernos y las actitudes individuales de cada personaje frente a las circunstancias políticas. Ivo van Hove presenta todas esas temáticas en Coriolanus, Julius Caesar y Antonio y Cleopatra en ese mismo orden, respetando a su vez el orden cronológico de escritura. “Quiero que el público se dé cuenta de la evolución histórica que ha habido desde los difíciles inicios de la democracia en Coriolanus hasta el nacimiento de un sistema bipartito en Julius Caesar y el consecuente mundo globalizado de Antonio y Cleopatra”. A eso, él y el escenógrafo Jan Versweyveld, estructuran la escena en una estupenda sala de encuentros- un espectacular y anónimo auditorium que pudiera encontrarse en Washington, Sao Paulo o Bruselas- lleno de omnipresentes pantallas televisivas, sofás al estilo Sueco, ordenadores, una sala de prensa, plantas verdes, bar, mesas para conferencias y cámaras. Similarmente a los personajes del drama, los espectadores se encuentran libres de vagar adonde ellos quieran. Pueden asistir a la acción quedándose cerca de los miembros de la compañía o a través de las pantallas, tomándose algo en el bar o consultando su correo electrónico mientras eventos políticos en directo de la CNN se arremolinan a su alrededor. Ivo van Hove no ha añadido nada a los textos de Shakespeare, pero hace dos importantes modificaciones. Todas las escenas de batalla han sido substituidas por impresionantes secuencias sonoras acompañadas por los textos de canales de noticias 24-horas, mientras que las escenas donde se expresa la plebe han sido cortadas. Los que quedan son políticos en concilios secretos, ruedas de prensa, noticiarios u ocupados en comisiones, grabados por cámaras incluso en sus vidas privadas. Él también ha asignado algunos papeles – Cassius y Octavius Caesar – a mujeres para reflejar mejor el mundo político de hoy en día.
«Yohangza» significa «viajero», por lo que no es de extrañar que esta compañía de teatro coreano haya viajado por todo el mundo desde su creación en 1997. El fundador y director Jung-Ung Yang ha ganado varios premios y fue capaz de tener eco en las dos Coreas e internacionalmente. Claramente con sabor coreano, Yohangza presenta un choque emocionante del pasado y el presente: una reelaboración de estilos coreanos existentes y temas infundidos con elementos contemporáneos y conducidos por una sed de experimentación. El resultado es una mezcla atractiva y fresca de danza enérgica, voz y percusión con un entretejido de historias del folclore, la mitología y la historia de Corea. Cada pieza es un viaje sensorial y estético que atrae a la audiencia hacia el pasado y el futuro mientras que permanece fuertemente conectada a la identidad y espíritu de Corea. La compañía ha sido invitada a diversos festivales de Shakespeare y Centros de Artes mundiales, en Australia, Cuba, Alemania, Polonia, Singapur, Hong Kong, Taipei y el Reino Unido así como en el Barbican Centre y el Globe de Shakespeare. Sus distinguidos logros han marcado las pautas de grupos teatrales asiáticas que están persiguiendo el reconocimiento mundial, manteniendo el patrimonio cultural.
Jung-Ung YANG
Yang Jung Ung fundó la Compañía de Teatro Yohangza en 1997. Saltó a la fama con las sillas en 2001, en la que se colocó el énfasis en el uso moderado de lenguaje y las imágenes. Su filosofía estética ha sido la creación de imágenes que se producen a través de la armonía entre los movimientos del cuerpo, de la iluminación y el sonido. Se ha ampliado el horizonte del lenguaje dramático, con su excepcional cargo de director, que se basa en la armonización de la filosofía oriental con la estética de las imágenes y el espacio. Recibió el Gran Premio de Karma (2003) en la 15ª Festival Internacional de Drama del Cairo. La compañía fue la primera empresa de Corea que actuó en el Barbican (2006) y Globe de Shakespeare (2012) en Londres. El sueño de una noche de verano pasó a recibir el Gran Premio y el Premio del Público en el 10º Festival de Shakespeare de Gdansk. Como director, ha estado explorando nuevos géneros con el Peer Gynt teatro, óperas Woyzeck y Chun-Saeng-yon-bun y el musical del ballet de Shim-chung.
Una historia sobre la verdad
El grito es la cuarta obra que coescribimos tras las experiencias de Moje holka, moje holka (Mi niña, niña mía) (VII Premio Jesús Domínguez, de la Diputación de Huelva); Vietato dare de mangiare (incluido en el espectáculo Home, del Teatro Español) y Clic (cuando todo cambia), (II Premio de Literatura Dramática del Teatro Calderón, de Valladolid). Se trata de un texto concebido a petición de Pilar de Yzaguirre, impulsora y adalid de esta propuesta.
Nuestra historia tiene lugar en alguna ciudad española de la costa mediterránea, en un periodo aproximado de ocho años, durante la crisis económica del 2008. Aina Lóguez Amat, la protagonista, emprenderá una extenuante travesía de soledades, reproches y vulnerabilidad, atendiendo sola el cuidado de sus hijos mellizos y de su madre, mientras vive una batalla jurídica demoledora. Solo el respaldo de Patricia Palau, su abogada de oficio, y el aliento de su madre, Empar Amat, le ayudarán a enfrentar este duro proceso.
El grito habla de sueños, de amor y superación; de la importancia de no dejarnos amilanar y seguir luchando por todas las personas que nos apoyaron y nos ayudaron a crecer. y por los niños y jóvenes que esperan de nosotros lo mejor.
Esta obra quiere rendir homenaje a esas mujeres tenaces que han sabido enfrentar grandes dificultades en el proceso de su maternidad y quiere compartir algunas preguntas esenciales con el público: ¿Por qué la sociedad es incrédula ante los testimonios de las mujeres? ¿Por qué duda de sus intenciones y sospecha de sus conductas? Uno de los personajes de esta obra, la jueza Sau, cree que los prejuicios instalados en las creencias y en las mentalidades nos alejan del principio de igualdad, de la dignidad de la persona y de los derechos fundamentales que garantiza nuestra Constitución. Tal vez por ello tantas y tantas mujeres, aún hoy, necesitan gritar para que la verdad sea escuchada.
Queremos dar las gracias a todas las personas que han creído en El grito, desde Pilar de Yzaguirre, su familia y todo el equipo de Ysarca Producciones a Laila Ripoll, que apoyó este proyecto con entusiasmo desde el primer momento.
Itziar Pascual y Amaranta Osorio
