Compañías de Danza

El Ballet Nacional de España (BNE), dirigido por Rubén Olmo desde septiembre de 2019, es la compañía pública referente de la danza española desde que se fundó en 1978 bajo el nombre de Ballet Nacional Español, con Antonio Gades como primer director. Forma parte de las unidades de producción del Instituto Nacional de la Artes Escénicas y de la Música (INAEM), perteneciente al Ministerio de Cultura.

La finalidad del BNE se centra en preservar, difundir y transmitir el rico patrimonio coreográfico español, recogiendo su pluralidad estilística y sus tradiciones, representadas por sus distintas formas: académica, estilizada, folclore, bolera y flamenco. Asimismo, trabaja para facilitar el acercamiento a nuevos públicos e impulsar su proyección nacional e internacional en un marco de plena autonomía artística y de creación.

Disponer de una programación que combine la creación con la preservación del repertorio tradicional de la danza española y la incorporación continuada de nuevas creaciones se halla dentro de las líneas maestras del Plan Director actual. En este sentido, el BNE ha puesto en marcha una nueva línea de creación abierta a las vanguardias y las nuevas tendencias, invitando a coreógrafos internacionales y nuevos creadores a colaborar con el BNE. Dentro de este contexto de aprendizaje, el BNE desarrolla además talleres que fomentan la especialización y el perfeccionamiento de los profesionales de la danza en el ámbito de la interpretación y de la creación.

Para promover la difusión de la danza española, el BNE fomenta la movilidad tanto nacional como internacional alternando espectáculos de gran formato con producciones más ajustadas y abiertas a la experimentación. Alienta la gestión económica sostenible de todas las producciones e impulsa la cooperación entre las diferentes unidades de producción del INAEM y otras instituciones públicas de todas las comunidades autónomas, así como la colaboración público-privada a nivel nacional e internacional.

En los últimos años, el BNE ha desarrollado iniciativas y colaboraciones en el mundo de la moda y potenciado las visitas de conservatorios y escuelas de toda España a sus ensayos. Dentro de su proyecto pedagógico, ha organizado distintas master class con grupos de niños de diversas capacidades y publicado el primer libro y videojuego de Danza Española para niños, titulado Bailando un Tesoro. En esta línea de difusión, el BNE ha creado su Círculo de Amigos y cuenta desde 2015 con una tienda online de venta de productos y merchandising. Para mejorar su difusión internacional, el BNE  firmó un convenio con España Global para impulsar conjuntamente el patrimonio cultural y artístico de la danza española.

El BNE ha obtenido a lo largo de su existencia diversos premios nacionales e internacionales, entre los que destacan el Premio a la Crítica al Mejor Espectáculo Extranjero (1988) del Metropolitan de Nueva York; Premio de la Crítica Japonesa (1991); Premio de la Crítica al Mejor Espectáculo (1994) en el Teatro Bellas Artes de México; Premio del Diario El País (1999) al espectáculo Poeta; Premios de la Crítica y del Público (2002) a la coreografía Fuenteovejuna, de Antonio Gades, en el VI Festival de Jerez; Premio del Público (2018) del Festival de Jerez; Premio Cerinos (2018) del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida; premios del público Teatro de Rojas (Toledo) al Mejor Espectáculo de Danza en 2008, 2010, 2012 y 2014; y en 2010, el Festival Internacional del Cante de las Minas le concedió el Premio Extraordinario a las Artes Escénicas por su “magnífica contribución a la preservación y difusión del mejor flamenco”.

Disfrute de la magia del Ballet Nacional de Ucrania, una de las mejores compañías de ballet del mundo y la compañía oficial de ballet del país, en su primera gira por Estados Unidos, la primera en más de 30 años desde la disolución de la URSS. Directamente desde la histórica Ópera Nacional Taras Shevchenko de Kiev, estos bailarines de talla mundial le cautivarán con un impresionante programa que incluye clásicos atemporales como «El cisne moribundo», «Don Quijote» y «Giselle». El programa narra historias de amor, pérdida y triunfo, y le dejará hipnotizado por la gracia y la fuerza incomparables de la compañía. Prepárese para dejarse llevar mientras los bailarines desafían la gravedad, elevando sus cuerpos por encima del escenario con movimientos de danza llenos de intensidad, emoción y perfecta armonía.

A la Compañía Nacional de Ballet de Ucrania se une en esta innovadora gira el conjunto de danza folclórica ucraniana Shumka Dancers, de renombre internacional. Fundado en 1959, Shumka ha deslumbrado al público durante décadas con su electrizante mezcla de danza tradicional, música y narración. La palabra «Shumka» significa «torbellino» en ucraniano, una descripción muy acertada para las actuaciones llenas de energía del grupo, que combinan pasos precisos, saltos que desafían la gravedad y una vitalidad contagiosa que palpita en cada movimiento.

Marie Chouinard, coreógrafa, es la Ejecutiva y Directora Artística de COMPAGNIE MARIE CHOUINARD, Presidenta Fundadora del Premio de la Danza (Prix de la Danse) de Montreal, Artista de Danza Asociada del Centro Nacional de Artes de Canadá y Directora de Danza en la Bienal de Venecia.

Desde su fundación en 1990, COMPAGNIE MARIE CHOUINARD ha actuado por todo el mundo, y co-produce sus creaciones con socios como la Bienal de Venecia, el Festival de Danza Internacional ImPulsTanz (Viena), el Théâtre de la Ville (Paris), el Festival TransAmériques (Montreal) y el Centro Nacional de Artes (Ottawa).

La COMPAÑÍA tiene un gran repertorio de trabajos, la mayoría sigue representándose a nivel internacional. La Consagración de la Primavera ha sido representada durante más de 25 años y se ha convertido en un clásico en la historia de la danza contemporánea.

Los trabajos de la coreógrafa también aparecen en los repertorios de grandes compañías de ballet como el Ballet Nacional de Canadá, São Paulo Companhia dance, Ballets de Monte-Carlo, el Göteborgs Operan y el Gulbenkian Ballet †.

Además, desde 2015, Marie Chouinard ha creado trabajos para otras compañías, como la Martha Graham Dance Company y los Ballets de Monte-Carlo.

Autora, escenógrafa y diseñadora de luces, fotógrafa y directora de cine, su opus incluye trabajos de multimedia (Cantique no 3, Icônes, and CORPS CÉLESTES) películas (bODY_rEMIX/gOLDBERG_vARIATIONS, MARIE CHOUINARD: THE RITE OF SPRING, y el vídeo musical Jamais de Serge Fiori), una colección de poemas titulados Chantier des extases, la instalación fotográfica Paradisi Gloria, una exhibición de arte llamada DRAWINGS y una aplicación para iPad y iPhone, CANTIQUE, gratis en la App Store.

Una verdadera embajadora Cultural para Quebec, Marie Chouinard ha recibido varios premios y distinciones en reconocimiento a su contribución a las artes, incluyen el Bessie Award (New York, 2000), el Order of Canada (2007), el Order des Arts et des Lettres (France, 2009), el Samuel de Champlain Award (France, 2014), el Order national du Québec (2015), el Governor General’s Performing Arts Award for Lifetime Artistic Achievement (Canada, 2016), el Positano «Choreographer of the Year» Award (Italy, 2016) y el Walter Carsen Prize for Excellence in the Performing Arts (Canada, 2016). El nombre de Marie Chouinard pasó a ser una entrada en la edición ilustrada Le Petit Larousse, en 2010 y Le Robert en 2011.

Fundado en 1957 por Ludmilia Chiriaeff, Les Grands Ballets Canadiens de Montreal desempeña un papel fundamental en la evolución de la danza canadiense. Se caracteriza por su habilidad inusual de mezclar la danza clásica con la contemporánea, gracias a su original repertorio. La compañía, bajo la dirección artística de Gradimir Pankov, ha conseguido una gran reputación internacional.

Les Grands Ballets Canadiens tienen en su historia actuaciones que han marcado un gran hito. Están basadas en importantes clásicos del siglo XIX, tales como Coppelia, Giselle y extractos de El Lago de los Cisnes. Sin embargo, a partir de los años setenta, el repertorio de la compañía empieza a incluir trabajos del siglo XX.

Junto a Fernand Nault, varios coreógrafos canadienses comienzan a trabajar con Les Grands Ballets Canadiens de Montréal; entre ellos cabe destacar a Brian Macdonald, director artístico de la compañía de 1974 a 1978, que creó importantes ballets folclóricos tales como Tam Ti Delam y Double Quatuor. James Kudelka, coreógrafo residente de 1984 a 1990, añadió al repertorio trabajos tales como In Paradisium.

Desde 1990, Les Grands Ballets Canadiens de Montréal han añadido a su repertorio un gran número de trabajos originales de grandes coreógrafos como: Edouard Lock; Jean Grand-Maître; Mark Morris, Nacho Duato; Jiri Kiylìan y Ohad Naharin, entre otros muchos. La compañía ha acogido a talentos tanto nacionales como internacionales.

GRADIMIR PANKOV – Director Artístico

Originalmente de Macedonia, Gradimir Pankov se ha dedicado a la danza durante más de 40 años. Después de una brillante carrera como bailarín en ex-Yugolasvia y Alemania, asumió sucesivamente el papel de director artístico en el Nederlands Dans Theater II (Países Bajos), en el Ballet Nacional de Finlandia, en el Cullberg Ballet (Suecia) y en el Ballet del Grand Théâtre de Ginebra. Gradimir Pankov ha sido también profesor invitado en algunas de las compañías de ballet más prestigiosas del mundo, particularmente el Ballet de la Opera Nacional de París, el Nederlands Dans Theater y el American Ballet Theater de Nueva York. Su trabajo como director artístico y profesor le ha dado la oportunidad de desarrollar lazos estrechos con muchos coreógrafos, incluyendo a Jirí Kylián, Mats Ek, Ohad Naharin y Christopher Bruce. Gradimir Pankov es director artístico de los Grands Ballets Canadiens de Montreal desde enero de 2000. Por su propia admisión, quiso convertir a los Grands Ballets Canadiens en una de las más excitantes compañías del mundo del ballet. Para hacerlo, planea reforzar la reputación de excelencia del grupo y crear un equilibrio entre ballet clásico y contemporáneo – entre respeto a la tradición y una voluntad de innovar.

GöteborgsOperans Danskompani es una de las compañías de danza contemporánea más importantes de Europa. Cada uno de sus 38 bailarines, procedentes de más de 20 países, aporta su arte único. Juntos forman un conjunto creativo y dinámico que atrae a Gotemburgo a los coreógrafos más importantes del mundo para crear obras nuevas y revolucionarias.

LA VERONAL

Como Kieslowski hizo en los ochenta, La Veronal desde hace años se dispone a crear un decálogo donde cada pieza se sitúa o toma como punto de partida un país o ciudad del mundo, creando una analogía entre danza y geografía. Las piezas no pretenden constituirse como obras documentales que describan el país de forma directa, sino que se sirven de los elementos que el topónimo proporciona para llevar a cabo el desarrollo de una idea, de un argumento. Este NIPPON-KOKU, obra de creación original para la Compañía Nacional de Danza, se enmarcaría en ese decálogo general del grupo, y supone la primera colaboración entre la CND y La Veronal. La Veronal está formada por artistas procedentes de la danza, el cine, la literatura y la fotografía. La finalidad de su equipo artístico reside directamente en una constante búsqueda de nuevos soportes expresivos y referencias culturales -cine, literatura, música y fotografía, principalmente- que apuestan por un fuerte lenguaje narrativo con la intención de formar espacios artísticos globales.

SOBRE MARCOS MORAU

Marcos Morau se licencia en Coreografía con la máxima calificación y obteniendo el premio extraordinario en el Institut del Teatre de Barcelona y el MovementResearch de Nueva York.

Realiza su proyecto de ayudantía coreográfica en el prestigioso NederlandsDansTheater II de Holanda y en la compañía IT Dansa de Barcelona bajo la dirección de Catherine Allard.

Sus conocimientos artísticos no se limitan a la danza, Marcos Morau se forma en fotografía y en dramaturgia.

En 2005 crea La Veronal, colectivo formado por artistas procedentes de la danza, el cine, la literatura y la fotografía. La finalidad de su equipo artístico reside directamente en una constante búsqueda de nuevos soportes expresivos y referencias culturales – cine, literatura y fotografía principalmente- que apuestan por un lenguaje narrativo con la intención de formar espacios artísticos globales.

La Veronal está creando una serie de trabajos que toman como punto de partida un país o ciudad del mundo, creando una analogía entre danza y geografía. Las piezas no

pretenden constituirse como obras documentales que describan el país de forma directa, sino que se sirven de los elementos que el topónimo proporciona para llevar a cabo el desarrollo de una idea, de un argumento. Este imaginario ha llevado a la compañía a diferenciarse en el mapa de la creación contemporánea internacional como una voz propia.

Recientemente Marcos Morau ha obtenido el Premio Time Out al mejor creador del año otorgado y el considerado Premio SebastiàGasch, otorgado por la fundación FAD de las Artes y el Diseño.

Con sus creaciones ha conseguido ganar premios en todos los certámenes coreográficos nacionales e internacionales a los que se han presentado: Certamen Coreográfico Internacional de Hannover, Certamen Coreográfico de Copenhague, Concurso Coreográfico de Madrid, Masdanza/Festival Internacional de Danza de Canarias, Mejor espectáculo en FiraTàrrega, Valencia Crea, Bienal Internacional de Jóvenes Creadores de Europa…

Marcos Morau y su equipo han empezado a exportar su sello a otras compañías de reconocida reputación internacional y en el calendario para las próximas temporadas crearán nuevos trabajos para la Compañía Nacional de Danza dirigida por José Martínez, el Scapino Ballet de Rotterdam, SkånesDansteateryNorrdans, ambas en Suecia, Ballet de Teatres de la Generalitat Valenciana y el Royal DanishTheatre de Copenhague y CarteBlanche Compañía Nacional de Danza de Noruega entre otros.

La Veronal está presente en algunos de los Festivales y Teatros más importantes del mundo con son el ThéâtreNational de Chaillot de París, la Biennale di Venezia, DanceSalad Festival de Houston, Temporada Alta, Festival Roma Europa, SIDance Festival de Seoul, DansensHus de Estocolmo,Sadlers Wells de Londres, JuliDans de Holanda entre muchos otros.

SOBRE LAVERONAL

La Veronal se confronta entre la abstracción pura del cuerpo en escena y la construcción de un referente estético inteligible. Sus propuestas radican en la abstracción pura del movimiento, pero sin embargo apelan a una edificación en pro de un espectáculo con una dramaturgia concreta, la cual cierre de significado toda la masa dancística que se genera en escena.

La Veronal apoya su creación en elementos visuales y literarios. Para ello en sus piezas hay una clara referencialidad al mundo cinematográfico donde el coreógrafo se reafirma para ir marcando las bases y el ritmo del espectáculo. Parafraseando a Truffaut “Las películas avanzan como los trenes en la noche”, y así es como se plantean sus trabajos: incidiendo en el proceso de eliminación de los elementos superfluos para retratar una danza despojada, donde todo se intuya sin renunciar al simple recreo visual de la contemplación escénica.

El propósito y la finalidad del trabajo coreográfico de La Veronal consiste en reproducir el mundo que le rodea como si fuera el reflejo de un mundo interior propio. Buscando de esta manera nuevos soportes expresivos que, junto a referentes culturales extraídos principalmente del cine, la literatura, la música y la fotografía, apuesten por un fuerte lenguaje narrativo con la intención de armar espacios artísticos panorámicos. Una voluntad predominante en el trabajo es la aproximación al significado mediante el movimiento contemporáneo, pero sabiendo aun así, que la mera aproximación- la tentativa de querer significar- deja más abierto si cabe, la dramaturgia total del espectáculo. Detenerse en este punto de abstracción fronteriza entre el concepto que se desprende de la pieza y la simple organización estético-contemplativa de lo que se presencia en escena, es una de los propósitos de la compañía. No querer profundizar en significado, y sí por el contrario en los límites, es una las constantes del pensamiento en la contemporaneidad.

De esta forma la nueva lectura que se hace de la técnica sirve para acercarse a las preocupaciones actuales de la escena actual.

El Out Innerspace Dance Theatre (OIS), con sede en Vancouver, fue fundado por David Raymond y Tiffany Tregarthen en tierras indígenas no cedidas de los pueblos Coast Salish y lleva más de 10 años dedicado a crear experiencias de danza extraordinarias a través de un rigor sin concesiones y un ingenio sin reservas. Las creaciones de OIS han realizado giras nacionales e internacionales durante 8 años. Sus obras han sido galardonadas con The 2014 CanDance Creation Fund, The 2019 Crystal Dance Prize y Artista Asociado de Agora de la Danse en Montreal para los próximos 3 años. Entrando en su 17º año de colaboración, David y Tiffany están creando obras para Ballet BC (Canadá), Netherlands Dance Theatre 2, Hessisches Staats Ballett (Alemania) y LUCODA Collective (Luxemburgo). Bygones ha sido invitada a Tanzmesse (Düsseldorf), Julidans (Ámsterdam), Torino Danza, Teatro de Friburgo, Cinars (Montreal), Festival Milanoltre (Milán), Centro Nacional de las Artes de Canadá y salas de Francia, Hungría, Corea del Sur y todo Canadá. Su programa educativo Modus Operandi ofrece un desarrollo relevante de la danza y una tutoría individualizada que genera algunos de los jóvenes artistas de la danza más radicales e inspirados de Canadá.

«La danza es atlética, satisfactoria y lograda. La visión de Tregarthen y Raymond es asombrosamente original… abstracta, visceral y desafiante. Es danza contemporánea audaz y emocionante». – Times Colonist

La creación es una de las habilidades humanas más básicas. Ante el aburrimiento, la creación nos agita; cuando perdemos el rumbo, la creación nos señala el nuevo camino. En el proceso creador superamos de alguna manera las barreras que nos retienen en la vida cotidiana y nos superamos a nosotros mismos. TAO Dance Theater se creó en marzo de 2008 en Beijing y, a pesar de que somos individuos, nos hemos juntado por un deseo común; el de utilizar el cuerpo para la creación. Cada cuerpo tiene sus secretos que lo hacen único, y a través de una investigación corpórea rigurosa y sincera esperamos poder estirar los contornos de la carne. En este proceso de excavación esperamos descubrir las posibilidades desconocidas del cuerpo. Esta exploración del cuerpo y sus posibilidades es sagrada para nosotros, ya que en el proceso de la utilización del cuerpo para crear hemos encontrado nuestra propia fe. En nuestra búsqueda de lo corpóreo nuestro espíritu se ha liberado.

Tao Ye

Desde su fundación en 2008, TAO Dance Theater ha revolucionado el panorama de la danza en China. La compañía ha colaborado con artistas de primera línea chinos procedentes de diversos géneros incluyendo teatro, música experimental, cine, artes visuales e instalaciones. TAO ha destacado tanto en actuaciones como en coreografía y en la enseñanza en residencias por todo el mundo, incluyendo Sadler’s Wells (UK), Europalia (BE), M.A.D.E. Festival (SE), Singapore Arts Festival, Fall for Dance (US), American Dance Festival (US), Lincoln Center Festival (US), y Spring Dance Festival en la Òpera de Sydney(AU).

El fundador Tao Ye ha bailado con Jin Xing Dance Theater en Shangai y después en la Beijing Modern Dance Company hasta que decidió trabajar por su cuenta. El bailarín Wang Hao, especialista en danza folclórica mongol y graduado en la Central University of Nationalities Dance Academy, le acompañó para fundar TAO Dance Theater en 2008. Duan Ni bailó con dos leyendas de la danza moderna- Shen Wei (US) y Akram Khan (UK)- antes de regresar a China para trabajar en exclusiva con Tao Ye. En la actualidad, los bailarines llegan de distintos lugares de China para aprender de la compañía su técnica de movimiento única.

Los artistas de TAO no se dejan llevar por la “moda China” ni por las tentaciones de una vida en el extranjero, centran toda su energía en su trabajo. Cada uno posee una técnica y un virtuosismo de alto nivel, pero no están interesados en el truco ni el artificio. Al contrario que muchas líneas de coreografía chinas, Tao Ye evita modas representativas o narrativas, está explorando la forma como un contenido, investigando la interacción musical y física y experimentando con el minimalismo así como la densidad de las pautas del gesto y las variaciones de la locomoción.

Tao Dance Theater es una educación en danza devota que ha sido invitada a enseñar en la Central University of Nationalities de China, Beijing Languages University, Shaanxi Normal University, Yan’an University, International School of Beijing, Henny Jurriens Stichtin en Amsterdam, Dance en Olten Festival en Suiza, entre otras escuelas, universidades y festivales. Asimismo ofrecen clases y talleres, entre otros lugares, en la Beijing Dance Academy, Chaoyang District Culture Center, Beijing Contemporary MOMA Art Center, y ULLENS Center for Contemporary Art (UCCA) en Beijing.

Tao Ye: Director Artístico/Coreógrafo

Tao Ye se graduó en la Chongqing Dance School en Chongqing, China. Tras haber bailado con la Shangai Army Song & Dance Ensemble, se unió al Jin Xing Dance Theater en 2003, donde permaneció hasta 2006. En 2004 empezó a coreografiar sus propias piezas y junto a sus cinco artistas independientes cofundó la compañía “Zuhe Niao” con base en Shanghai, cuya primera producción fue Tongue’s Memory of Home. En 2005, el dueto de Tao One Person fue interpretado en el Shangai Arts Center. Tao se unió a la Beijing Modern Dance Company (BMDC) en el año 2006 participando en giras nacionales e internacionales. Como miembro de la BMDC, coreografió el dueto masculino In•In en el 2006, así como el trabajo de la compañía Fantasy en el 2007.

En marzo de 2008 fundó TAO Dance Theater. Sus piezas capitales son Weight x 3; Sketch; moment; left & right; 2; 4. En 2011 fue invitado como coprotagonista en el filme The Blue Bone, de Christopher Doyle (Du Kefeng), dirigido por la leyenda del rock Cui Jian. En 2012 la revista de estilo masculina líder en Asia, Men’s UNO, premió a Tao Ye con el premio a la Elegancia 2012, y Sadlers Wells le nombró como uno de sus artistas “New Wave Associates”.

Liderando una compañía de once bailarinas y bailarines, la sudafricana Dada Masilo, una de las bailarinas coreógrafas jóvenes más célebre de su país, se apropia de este gran clásico, con sus temas, la música de Tchaïkovski, sus tutús y sus zapatillas de punta. Ella “sudafricaniza” el ballet, pero desde un profundo respeto, dándole un nuevo soplo y una nueva vida al cruzar la cuestión de los sexos, los géneros y la homofobia en un país devastado por el SIDA.

Esta relectura del “Lago de los cisnes” ha triunfado en la Bienal de danza de Lyon y después en el Musée du quai Branly, gracias a una coreografía que mezcla virtuosamente la danza de puntas y la danza contemporánea con poderosas influencias africanas. Los solos de Dada Masilo son sencillamente asombrosos. Swan Lake es la revisión apasionada de una pieza inolvidable, repleta de danza jubilosa, inteligente, explosiva y con buenas dosis de humor.

Nacida en Montreal, Louise Lecavalier ha sido una bailarina profesional desde 1977. Se incorporó a La la la Human Steps en 1981, en “Oranges” en la que pasó a desempeñar cada una de la producciones de la compañía hasta 1999. En 1985 se convierte en la primera canadiense que consigue un Premio Bessie en Nueva York, por su actuación en Businessman in the Process of Becoming an Angel (1983) “. Ella protagonizó Human Sex (1985), New Demons (1987), Infante (1991), y finalmente en 2 (1995) y Salt (1998), trabajos en los que logró una notable madurez como artista. Como símbolo de la compañía durante dos décadas. Louise entregó su corazón y alma a su arte, expresando una danza llevada al límite con pasión y generosidad desenfrenada. Asimismo participó en todas las grandes colaboraciones de La la la Human Steps, incluida la gira de David Bowie “Sound and Vision” en 1990. Human Sex (1985), New Demons , The Yellow Shark concierto de Frank Zappa y Ensemble Modern of Germany en Otoño, 1992, y la película de Michael Apted “Inspirations” en (1996). En Mayo de 1999, Louise Lecavalier recibe el Premio Nacional A. Chalmers, el más distinguido premio de danza de Canadá. Era la primera vez que este premio era otorgado a un baliarín. En febrero de 2003, Louise recibió una subvención del Consejo de las Artes y las Letras de Québec. Regularmente da cursos de entrenamiento y clases magistrales en los festivales de danza en Europa, así como en la Universidad de Nueva York.

En 2003, Louise Lecavalier trabajó con el coreógrafo Tedd Robinson, quién creó “Cobalt rouge” para ella y tres bailarines masculinos. Esta obra fue estrenada en el Centro Nacional de las Artes y representada en el Teatro Outremont como parte del Festival de Montreal HighLights en febrero de 2005. Tras la creación del solo, «I» Is Memory, coreografiado por Benoît Lachambre en 2006, colaboró con el coreógrafo canadiense Crystal Pite para crear el solo, “Lone Epic”. Lone Epic, «I» Is Memory, y “Lula and the sailor”- un dúo de “Cobalt Rouge” – son los tres componentes de un programa de ha estado de gira por Canadá, Europa y Japón durante las temporadas 2006-2007 y 2007-2008. Louise Lecavalier está trabajando actualmente con Benoît Lachambre sobre la creación de un dueto titulado Is you me, que se presentará en Montreal y en Europa a partir de esta primavera.

Mónica Runde: objeto de creación, sujeto de inspiración Mónica Runde representa una excepción en el panorama de la danza contemporánea española. Su rigor, vigencia y creatividad se deben a unos presupuestos conceptuales que van más allá de la capacidad creadora y organizativa. Su trayectoria a lo largo de veinticinco años se basa en la profunda creencia de pertenecer al desarrollo del movimiento coreográfico madrileño, trascendiendo su localismo para asumir lo esencial de éste y trascender estos rasgos peculiares. De está manera navegó en un principio por los conceptos más esteticistas de la mis en scene de la nueva danza francesa sin esclavizarse a esta tendencia, desarrollando elegancia y exquisitez cómo podemos ver en la obra Haz de luz (1993) o Petrus (1996) en sus trabajos con la compañía 10&10 Danza junto a Pedro Berdayes (periodo 1989-2001).

Sus raíces germánicas la dotan, probablemente, de sensibilidad hacia el expresionismo y la danza teatro desde dónde elabora discursos paralelos que nunca cae en lo exagerado. Así el cuidado de lo dramatúrgico y del ritmo escénico se convierten en seña de identidad. Admirada también por los creadores y maestros de la danza iberoamericana, profundiza en aspectos más sociales y comprometidos, donde lo femenino se presenta y representa como algo central, tal y como se aprecia en la creación Hebras de mujer (2005) con la participación de Marcela Aguilar Su capacidad de sentirse parte de la llevan a desarrollar constantes iniciativas de colaboración con otras coreógrafas. Desde éste compartir Runde se renueva de manera constante como ocurre en Cartas al director (2009), obra crítica e irónica creada junto a Carmen Werner y Teresa Nieto.

Finalmente nos sorprende, en el momento de mayor madurez personal, con una obra que aparentemente vuelve al principio, al solo interpretativo, a la expresión máxima de individualidad. Pero no se dejen engañar: Episodios (Temporada 25) es un canto a la libertad y para demostrarlo se deja manipular, recrear, intimar y traspasar por otras miradas. Mónica Runde, objeto de creación, se vuelve sujeto de inspiración, y en una inesperada pirueta, se desprende de los manidos homenajes retrospectivos para entregarse como una niña en manos de los otros, sin ningún prejuicio ni condición. Materia creativa para otros, impone dulcemente su inmensa re-creación y pareciera que es ella quien coreografía la materia gris de Carmen Werner, Pedro Berdayes, Daniel Abreu, Luis Luque y de la dramaturgia de Carla Facci.

Creo que Episodios no es un solo… Es un regalo que resume y trasciende los principios de la danza contemporánea madrileña desde un sentimiento de colectividad, de cooperación, de inteligencia. Y Mónica Runde, tal vez sin saberlo, cómo en un juego de niños, se transmuta en intérprete coral y, sin renunciar a sus más íntimos y personales sentimientos, nos regala una obra calidoscópica, exigente, colectiva, solitaria y honesta.

-«Buenas noches, damas y caballeros, espero que hoy tengan una velada agradable, porque soy el Director de NEUER TANZ…En cualquier caso. Nos sentimos obligados a advertirles que algunas de las sensaciones, algunas de las reacciones físicas que los bailarines sentirán en escena, serán también experimentadas por primera vez en la historia de la danza por ciertos miembros del público. Digo ciertos miembros porque algunas personas son más sensibles que otros a estos impulsos misteriosos, electrónicos. Esta gente desgraciada, sensible, a veces sentirá un extraño hormigueo. Otros lo sentirán menos fuertemente. Ahora no se alarmen, porque ésta es la parte importante y realmente necesitan entender esto para comprender el espectáculo. Ahora presten atención, si en algún momento sienten un extraño hormigueo, pueden obtener un alivio inmediato gritando. No se avergüencen de abrir la boca y desenfrenarse, porque la persona que se siente al lado suyo, probablemente esté gritando también. Y recuerden, un grito, en el momento justo, puede salvar su vida. Éste ha sido un aviso de Forces Station, Radio uno, punto com. Utilicen tapones y escuchen atentamente.»

«El Club de Golf Cinillager está haciendo coacciones veraniegas dirigidas a niños, soldados y dependientes. Lo que hacemos es salir de noche. Está muy oscuro y jugamos al golf usando una especie de…bolas de golf luminosas…El golf nocturno es uno de los deportes que crece más rápido en el ejército, ¡y a los niños les encanta! Oh, lo que hacemos cuando acabamos es una barbacoa, nos sentamos alrededor de la hoguera y cantamos canciones.»
-«Amnistía para las armas, Amnistía para las armas.
La gran amnistía para las armas del BFG está lista para sus armas ilegales durante septiembre. Llévelas a su estación de policía militar más cercana, al juzgado. La gran amnistía para las armas del BFG, Deshágase, Sin nombres, Sin hacer preguntas.»

-«Me puedes llamar tonto del culo, pero deletrea bien mi nombre, NEUER TANZ.Com.»

-«Este momento se lo ha ofrecido la Forces Station NEUER TANZ.Com. Esperamos que pueda olvidar sus problemas, póngase cómodo, ¡relájese y disfrute esta PRODUCCIÓN DE DANZA amorosamente construida!»

Una irónica y cómica visión de cómo África hace que cobre sentido la ópera y el arte del «primer mundo», creando imágenes gracias a objetos simples, y dando la vuelta al sentido de sus célebres arias. Se pregunta sobre el sentido de la ópera vista por una africana (aunque ésta sea de raza blanca). Otra forma de desembalar Europa apuntalando sus valores. Pero, también, una forma nueva de comprender África o un desempaque de Europa; o una forma de entender África.

El teatro está desnudo, sin atrezo, sin accesorios. Una figura silenciosa, que luce un elegante traje de noche – que en su primera vida fue un viejo jersey de una tienda de segunda mano del centro de Johannesburgo aparece de la oscuridad llevando una pequeña vela posada sobre una tabla a modo de patíbulo, sobre su cabeza. La figura camina hacia el público, mientras balancea esta tabla, con una barra de pan blanco bajo su brazo. Se detiene en su camino, deja caer la tabla delante de ella y sitúa la barra de pan sobre su cabeza mientras canta el famoso solo tenor O Sole Mio.

En esta pieza, When I take off my skin… , cantantes de ópera sudafricanos interpretan varios extractos muy conocidos de la ópera del «primer mundo», como simple atrezo que ofrecerá un significado diferente a estas tan bien conocidas piezas.

Robyn Orlin